EVENT HORIZON (Michael Kamen, Orbital)

EVENT HORIZON (1997)

Music Composed And Conducted By 

MICHAEL KAMEN

Electronics Composed By ORBITAL











Tracklist:

1. The Forward Decks
2. The Main Access Corridor
3. Engineering
4. The Event Horizon

La muerte en julio de Sam Neill me llevó a recuperar algunas de sus películas y bandas sonoras y, entre ellas, la de "Event Horizon", editada en CD a finales de los noventa. Una composición muy denostada entonces, a la que yo mismo apenas presté atención, pero que, reescuchada hoy, creo que merece ser reivindicada como un experimento notable: la primera —y única— colaboración entre Michael Kamen y el dúo electrónico Orbital.

"Event Horizon" (Horizonte Final, 1997), dirigida por Paul W. S. Anderson, sigue siendo una de las propuestas más curiosas, inquietantes y excesivas de la ciencia ficción de finales de los noventa, como una mezcla de casa encantada y horror cósmico. Aquí, la trama nos llevaba hasta una nave diseñada para plegar el espacio, que abría accidentalmente un portal al infierno y desaparecía. Años después, la tripulación de la Lewis and Clark acude a investigar su reaparición y descubre que el horror no viene del exterior, sino de lo que la nave trae consigo.

El argumento no es original, pero su ejecución visual sigue funcionando. El núcleo giratorio de la nave, la atmósfera opresiva y una dirección artística recargada generan imágenes que aún resultan perturbadoras.

La música refleja esa dualidad entre lo viejo, lo gótico y lo nuevo, lo tecnológico... Kamen, conocido por "Die Hard" o "Robin Hood: Prince of Thieves", afrontaba aquí uno de sus encargos más atípicos —aunque hizo algunas incursiones en el fantástico y no tantos trabajos de terror—. Para ello se incorporó a la composición al grupo Orbital, encargado de aportar el lenguaje electrónico que debía encarnar la corrupción de la nave. Sobre el papel, la idea era fascinante: Lo sinfónico para la épica espacial; lo electrónico para el horror. Y, ciertamente, si uno ve la película, este concepto funciona muy bien. Pero el disco nunca fue lo mismo, ya que la edición en CD, supongo que por motivos comerciales, priorizaba las intervenciones electrónicas de Orbital.

El álbum es una pugna constante entre dos lenguajes que rara vez conviven en equilibrio, al menos en la grabación discográfica. La parte orquestal de Kamen, interpretada con solvencia por la London Metropolitan Orchestra, en la película cumplía perfectamente, pero, como comento, en el disco deja una impresión extraña. La excepción es «Turbulence», la segunda suite, donde los metales en ostinato y el coro aportan la mayor intensidad de toda la partitura. El resto se mueve entre texturas atmosféricas, estallidos de metal y un toque vanguardista cercano a Elliott Goldenthal.

Orbital, en cambio, despliega una electrónica muy percusiva y agresiva: ritmos programados y repetitivos, sintetizadores distorsionados y voces procesadas que crean una amenaza permanente. A veces la música es tan potente que hace que los buenos momentos de Kamen queden apagados, como sucede con el delicado motivo melancólico del final de la tercera suite.

Ahí está el problema central del álbum: la mezcla. La electrónica está muy por encima de la orquesta y la escritura de Kamen es demasiado discreta para imponerse. Tampoco ayuda la presentación: Son cuatro largas suites que dificultan localizar los mejores momentos, además de la ausencia de varias secuencias clave que sí se escuchan en la películaY aun así he querido recuperar este trabajo, no fue de lo mejor de Kamen ni una colaboración completamente redonda, pero sí un experimento valiente que intentó unir dos mundos aparentemente incompatibles. No alcanzó todo su potencial, ciertamente, pero en esta nueva escucha, creo que subió muchos puntos y merece bastante más de lo que se le reconoció entonces.

1492 CONQUEST OF PARADISE (Vangelis)

1492: CONQUEST OF PARADISE


Music Composed By VANGELIS
















Tracklist:

1) Opening" – 1:21
2) Conquest of Paradise" – 4:47
3) Monastery of La Rábida" – 3:39
4) City of Isabel" – 2:16
5) Light and Shadow" – 3:46
6) Deliverance" – 3:28
7) West Across the Ocean Sea" – 2:53
8) Eternity" – 1:59
9) Hispañola" – 4:56
10) Moxica and the Horse" – 7:06
11) Twenty Eighth Parallel" – 5:14
12)Pinta, Niña, Santa María (Into Eternity)" – 13:19

A finales de este caluroso Julio vuelvo al genio griego, al rey de la melodía Vangelis, con su trabajo para el film de Ridley Scott "1492, La Conquista del Paraíso". Pasados 34 años desde su estreno, la película sobre Colón no resiste muchos visionados (tampoco en su momento)... Pero su banda sonora ofrece mucho más de lo que se escucha en el film y, además, se disfruta mucho más en una escucha aislada. Como siempre en Vangelis, él veía el film, se inspiraba y componía la música, para luego dejar que los directores la ensamblaran en modo collage...Supongo que por eso Ridley Scott repitió con el, ya que siempre fue un director bastante meticuloso en la colocación y montaje de musicas que fiunciona mejor con autores mesnos convecionales. Estamos ante una banda sonora muy agradable y bella, fusionando el estilo electrónico, la orquesta y elementos musicales de la España de la reina Isabel. Es una buena combinación de la épica con sonidos orquestales grandiosos y elementos electrónicos sutiles y efectivos, logrando una banda sonora instrumental casi sin parangón.

La obra incluye, obviamente, sus melodías de piano más hermosas y ese toque especial para crear atmósferas magnéticas y únicas. Este CD fue en su tiempo un gran éxito y hoy en día (junto con *Chariots of Fire*) es una de sus obras más perdurables en el cine.

El álbum despliega un viaje sonoro que mezcla la grandeza orquestal con texturas electrónicas íntimas y evocadoras. Cada pista contribuye a retratar el asombro, la tensión y la melancolía del descubrimiento del Nuevo Mundo. los cortes que aparecen en el CD son también un vaije musical a lolargo del descubrimiento del nuevo contiente: Se abre el CD con "Opening ", un coro pseudo-latino, percusión marcial y sintetizadores ascendentes crean una sensación de triunfo y destino manifiesto. tema grandilocuente y ceremonial. Le sigue un corte sereno y contemplativo, con el que Vangelis"evoca la espiritualidad y la duda (""Monastery of La Rabida").Los toques e infleuncias de la muica hsipana aparecen en el corte titulado "Hispaniola" donmde la guitarra acústica que se entrelaza con un ritmo que remite a bulerías electrónicas., le sigue un tema típico para piano marca de la casa ("Moxica and the Horse") con una melodía sencilla, acompañada de cuerdas sintéticas y un bajo profundo. y una progresión  ascendente, hipnótica, muy característica de su creador.Para la parte final deja Vangelis dos cortes realmente potentes (no tanto "Twenty Eighth Parallel) me refiero a "City of Isabel" 

Un tema optimista,con sintetizadores brillantes y un ritmo constante evocan la fundación de la primera ciudad española en América...Aunque mi corte favorito de este estupendo albue es sin duda "Pinta, Niña, Santa Maria (Into Eternity)", un corte de trece minutos de duración y todo un viaje sonoro en sí mismo: comienza con cuerdas lentas y solitarias, luego añade capas de sintetizador, bajo pulsante y una melodía de piano repetitiva como un mantra. Sin estribillos ni explosiones, se expande gradualmente, sumergiendo en la inmensidad del océano y el paso del tiempo. Hipnótica, minimalista en desarrollo pero inmensa en su efecto emocional. Para muchos, lo mejor del disco.

En conjunto, el trabajo evita la grandilocuencia vacía que afectaría a trabajos posteriores de Vangelis. Cada tema cumple una función narrativa y emocional, y las influencias étnicas — españolas, caribeñas y medievales — se integran naturalmente en la paleta electrónica. La producción suena cálida y envolvente, con texturas analógicas y reverberaciones. Para quien quiera ir más allá del éxito radial, este álbum ofrece detalles que recompensan una escucha atenta. Una obra maestra de la música cinematográfica.

MANCINI IN SORROUND (Henry Mancini)

 

MANCINI IN SORROUND (1990)

Mostly Monsters, Murders & Mysteries

Music Composed And Conducted By

HENRY MANCINI








Tracklist


1. SURROUND FANTASTIQUE (00:54)

2. ARCTIC WHALE HUNT (04:00)
from THE WHITE DAWN
3. theme from (02:35)
MOMMY DEAREST
4. Main title (02:15)
FRENZY (rejected)
5. THE MONSTER GETS MARK (06:47)
from THE CREATURE OF THE BLACK LAGOON
6. THE THING STRIKES/DESERT RENDEZVOUS (04:45)
from IT CAME FROM OUTER SPACE
7. TERROR STRIKES (03:15)
from TARANTULA
8. CASEY'S THEME (02:40)
from FEAR
9. LITTLE BOYS (03:33)
from THE MAN WHO LOVED WOMEN
10. MAIN TITLE (04:49)
from THE PRISONER OF ZENDA (tracks 10-12)
11. CORONATION WALTZ (03:11)

12. CROQUETTE (02:54)

13. MAIN TITLE (03:18)
from NIGHTWING
14. SUPER SLEUTH (02:29)
from WITHOUT A CLUE (tracks 14-15)
15. END TITLE (02:47)

16. SUNSET THEME (02:01)
from SUNSET (tracks 16-18)
17. CHERYL'S THEME (04:05)

18. THE COWBOYS (03:56)

Mancini in Surround es un mítico CD editado por Henry Mancini a principios de los noventa, en el que recuperó piezas y temas pertenecientes a películas menos populares, centrándose especialmente en el cine de terror, misterio y aventura, además de rescatar composiciones hasta entonces inéditas o muy poco conocidas. El resultado fue un álbum sensacional que abrió los oídos de muchos aficionados que todavía encasillaban a Mancini únicamente como compositor de jazz ligero, lounge o melodías sofisticadas. Un disco que siempre apetece recuperar y reivindicar.

El álbum equilibra con maestría lo lúdico y lo oscuro, reflejando la dualidad presente en gran parte de la obra del compositor. Todo ello queda además realzado por el uso de las técnicas de surround, un formato envolvente que daba nueva vida a la música y sumergía al oyente en un paisaje sonoro tan nostálgico como espectacular. La mezcla realizada por el propio Mancini mejoraba notablemente la separación instrumental, permitiendo apreciar la compleja interacción de melodías, armonías y texturas orquestales que siempre caracterizó su estilo.

Más que una simple recopilación, Mancini in Surround funciona como una auténtica experiencia cinematográfica continua. Mancini reorganiza los temas para construir un recorrido dramático que pasa del espectáculo tecnológico al suspense, el terror, la aventura y finalmente a una atmósfera más melancólica y nostálgica. Al mismo tiempo, el disco funciona en varios niveles: como demostración audiófila de sonido envolvente, como recopilación alternativa de su catálogo menos conocido, como reivindicación de su faceta más experimental y sinfónica y también como documento histórico de una época en la que Hollywood comenzaba a explorar seriamente las posibilidades del audio digital inmersivo.

El CD se abre con el espectacular “Surround Fantastique”, quizá la pieza más famosa del álbum. Compuesta para los tráilers demostrativos de Dolby Surround en salas de cine, funciona como una poderosa declaración de intenciones. Percusiones que parecen desplazarse por la sala, fanfarrias masivas de metal y violentos golpes orquestales convierten el tema en una especie de miniobertura futurista, sorprendentemente agresiva para el estilo habitual de Mancini. Muchos aficionados recuerdan todavía haberla escuchado antes de las proyecciones cinematográficas de los años noventa.

A continuación aparece “Arctic Whale Hunt”, perteneciente a The White Dawn, una de las grandes joyas ocultas del álbum. Se trata de música de acción pura: percusión tribal, metales salvajes y cuerdas tensísimas que describen la brutalidad de la caza de la ballena en el Ártico. Aquí aparece un Mancini épico y físico, muy alejado de la imagen elegante y jazzística asociada habitualmente a su nombre.

El álbum continúa alternando estilos y atmósferas. El tema de Mommie Dearest aporta un tono decadente y lírico, con una melodía sofisticada y casi romántica atravesada por una inquietante oscuridad emocional. Muy distinto resulta “Frenzy Rejected – Main Title”, la famosa música rechazada que Mancini compuso para Frenzy de Alfred Hitchcock. Hitchcock descartó el score porque buscaba algo más sombrío y menos “americano”, pero lo que se escucha aquí sigue siendo fascinante: suspense hitchcockiano filtrado a través del refinamiento armónico y jazzístico característico de Mancini.

Una de las secciones más llamativas del disco es la dedicada al cine fantástico clásico de los años cincuenta, con música escrita para Creature from the Black Lagoon, It Came from Outer Space y Tarantula. Se trata de una suite fabulosa, llena de suspense y atmósferas casi brutalistas. Cortes como “The Monster Gets Mark” o el extraordinario “The Thing Strikes / Desert Rendezvous” muestran a un Mancini situado a años luz del autor de Breakfast at Tiffany's y, al mismo tiempo, igual de genial.

Tras estos pasajes oscuros, el álbum se relaja ligeramente y aparecen momentos mucho más íntimos, como “Casey’s Theme”, procedente de Fear, donde reaparece el Mancini melódico y melancólico. Algo parecido ocurre con “Little Boys”, de The Man Who Loved Women, probablemente el corte más ligero del disco, impregnado de esa sofisticación urbana tan característica del compositor en los años setenta y ochenta.

Otro de los grandes bloques del álbum es la suite dedicada a The Prisoner of Zenda, formada por “Main Title”, “Coronation Waltz” y “Croquette”. Aquí Mancini abraza plenamente el gran sinfonismo europeo: fanfarrias reales, valses aristocráticos y un refinamiento casi vienés que demuestra su extraordinaria versatilidad como orquestador. “Coronation Waltz”, en particular, destaca por su majestuosidad y elegancia.

El tema principal de Nightwing devuelve el álbum a un territorio oscuro y atmosférico, con texturas densas y casi góticas que aprovechan al máximo las posibilidades del sonido envolvente. Posteriormente, la música de Without a Clue introduce una nota de humor y aventura: “Super Sleuth” posee un aire detectivesco muy británico, mientras que el “End Title” recupera un tono más clásico y elegante.

El cierre llega con la suite de Sunset, compuesta por “Sunset Theme”, “Cheryl’s Theme” y “The Cowboys”. Estas piezas mezclan nostalgia hollywoodiense, western crepuscular y jazz cinematográfico. “Cheryl’s Theme” es uno de los momentos más bellos y melancólicos del disco, mientras que “The Cowboys” aporta una energía expansiva y aventurera que cierra el recorrido de manera magnífica.

En definitiva, volver a Mancini in Surround sigue siendo un auténtico disfrute: un álbum que revela una faceta menos conocida de Mancini, no solo como compositor de melodías inmortales, sino también como un auténtico arquitecto del sonido orquestal.

THE FIELD (Elmer Bernstein)

 

THE FIELD (1990)
Music Composed And Conducted By
ELMER BERNSTEIN

















Tracklist:

1 The Land 5:43
2 The Bird 2:18
3 To The Field 4:58
4 St. Anger 3:46
5 Auction 2:11
6 Revelation 5:08
7 Killing 2:59
8 The Widow and the Dance 1:51
9 Questions 2:33
10 Caravan 1:31
11 The Church 1:55
12 Discovery 2:54
13 The Cliffs and the Sea 3:16
14 Credits 3:46



Volvemos en este bonito mes de abril a Elmer Bernstein en este caso con una enorme banda sonora que compuso en la década de los 90 cuando su nombre volvió a llenarse de prestigio en una última etapa de su carrera verdaderamente maravillosa. Titulada en España "El Prado", "The Field" fue un intenso drama dirigido por Jim Sheridan, ambientado en la Irlanda rural de los años 30. 
La música de Elmer Bernstein, se centró en el drama humano y la lucha interior del protagonista... Utilizando elementos musicales Irlandeses pero sin abusar de ellos, combiando orquesta, ( con las inevitables ondes martenot ) y gaitas irlandesas en una composición de gran fuerza, que siempre se muestra al servicio del relato creando una atmósfera sombría.
Banda sonora que muestra/ demuestra como Bernstein, además a la de ser un buen creador de leitmotivs siempre tuvo gran capacidad para expresar emociones con certeza y a la vez siendo sutil.

Este fue uno de esos trabajos que aún fueron editados por el sello Varese en doble formato ( LP y CD) , se abre con el tema principal ("The Land") especialmente bello , establece comienzo la atmósfera sombría y poco convencional que Bernstein buscaba: la orquesta suena introspectiva, mientras las gaitas y los elementos electrónicos evocan un eco lejano y antiguo. Cuando el tema principal emerge, resulta de una belleza impactante, con un lirismo pastoral que reaparece con frecuencia a lo largo de la partitura.y aparece a lo largo de la banda sonora, que alterna momentos líricos con pasajes oscuros e intensos. A medida que McCabe pierde la cordura por su obsesión con el terreno, la música se vuelve más dramática, culminando en un final devastador que refleja su destrucción mental y personal.

Aunque el tema central es importante, la banda sonora no se limita a una sola idea. Bernstein combina cuerdas, metales, maderas, percusión, gaitas, ondes martenot y electrónica con gran flexibilidad emocional, pasando con rapidez de tonos ligeros a una oscuridad trágica. Esta variedad refleja el deterioro mental de McCabe y su obsesión creciente.
Entre los cortes destacados están “The Bird”, con energía y ritmos danzantes; “To the Field”, de carácter fúnebre; y “Stranger”, que introduce al rival estadounidense (Tom Berenger) con metales marciales. Piezas como “Auction”, “Killing” y “The Church” intensifican el dramatismo con metales contundentes, percusión agresiva y pasajes sombríos del tema principal en el más puro estilo del compositor Americano, que deja para el clímax  el corte “The Cliffs and the Sea” donde la música se vuelve intensa y desgarradora, utilizando potentes metales, percusión implacable y gaitas inquietantes para subrayar la tragedia y la caída en la locura del protagonista, el corte final del CD se titula “Credits” retomando el tono inicial y ofreciendo una  hermosa aparición del tema principal.

BUFFALO BILL,S WILD WEST SHOW (George Fenton)

BUFFALO BILL'S WILD WEST SHOW (1992)

Music Composed And Conducted By

GEORGE FENTON 

 

 

 

 

 

 

Tracklist:

Oh Susanna ........................................ 2:43
Auguste's Entrance .............................. 0:25
The Cavalcade and Maze ..................... 2:04
Buffalo Bill ........................................... 2:44
Annie Oakley (Little Missie) ............... 1:51
Chief Sitting Bull / Don Waboose .... 4:20
The Cattle Trail and Setting Up Camp ... 6:35
Dinner Time ............................................ 2:37
Sweet Betsy from Pike .......................... 2:22
Turkey in the Straw .............................. 2:00
Night to Day ........................................... 1:41
Waking Up .............................................. 2:04
The Buffalo Quest ................................ 2:41
Yankee Doodle ....................................... 2:27
The Opening of the Rodeo .................. 1:34
The Rodeo Games ................................ 4:31
The Medicine Ball Game ...................... 2:28
The Deadwood Stage ............................ 8:05
The Reward ............................................. 2:38
Home on the Range .............................. 2:15
The Final Review ................................... 1:44
Farewell to the West .............................. 7:02

Tal como comenté en la última entrada, tenía ganas de seguir reivindicando la figura de George Fenton y, para ello, en esta ocasión escribo sobre un curiosísimo CD que contiene la banda sonora no de una película, sino de un espectáculo para un parque temático. En este caso, se trata del show del Oeste de Euro Disney titulado “Buffalo Bill’s Wild West Show”, que, basado en el espectáculo original de 1895, fue retomado en el parque cercano a París con elementos modernizados, incluyendo música nueva compuesta por el maestro Fenton.

El show funcionó desde 1992 hasta 2020 (cerró con la pandemia) y recreaba la atmósfera del Oeste americano con toda su autenticidad. Escenas de la vida de los pioneros ilustraban temas como la caza del búfalo —actividad que le valió al coronel W. F. Cody su apodo de “Buffalo Bill”—, el Pony Express y el ataque a una diligencia y a una cabaña de pioneros por parte de los indígenas.

Editado por Walt Disney Records, el álbum recoge aproximadamente una hora de música concebida para acompañar en directo la recreación del mito del Salvaje Oeste, combinando composiciones originales con arreglos de melodías tradicionales americanas. Fenton construyó una partitura vibrante, colorista y muy narrativa, capaz de alternar momentos épicos —para escenas de acción como ataques a diligencias o exhibiciones ecuestres— con pasajes más líricos y evocadores que reflejan el espíritu pionero. La orquestación es rica y dinámica, con presencia destacada de metales, percusión y elementos folk que evocan la tradición musical estadounidense sin caer en clichés fáciles. Además, el compositor integra adaptaciones de canciones populares del imaginario del Oeste junto a temas completamente nuevos, logrando una continuidad musical que funciona casi como una suite sinfónica ligera. El resultado es una obra fresca, entretenida y técnicamente impecable, que demuestra la versatilidad de Fenton y su capacidad para dotar de identidad propia a un espectáculo temático.

El álbum, dedicado al espectáculo de Buffalo Bill, combina composiciones originales de George Fenton con melodías tradicionales del folklore estadounidense para recrear la atmósfera del Lejano Oeste, tales como “Sweet Betsy from Pike”, “Turkey in the Straw”, la patriótica “Yankee Doodle” y, en la parte final, “Home on the Range”, quizá la melodía más evocadora del folklore del Oeste. La música alterna constantemente entre piezas de acción, pasajes más tranquilos y adaptaciones de canciones populares que evocan el imaginario del western.

El disco se abre con “Oh Susanna”, uno de los temas folk más emblemáticos del Oeste, que establece inmediatamente el tono histórico y popular del conjunto. Como ya comenté, el CD alterna temas tradicionales con creaciones originales de Fenton. A esta introducción sigue “Auguste’s Entrance”, una breve fanfarria de carácter ceremonial que anuncia la aparición de uno de los personajes del espectáculo. A continuación llega uno de los highlights del CD: “The Cavalcade and Maze”, una pieza expansiva y dinámica que describe musicalmente el movimiento de caballos y el desfile de la troupe, convirtiéndose en uno de los pasajes más brillantes de la partitura. A continuación, “Buffalo Bill” introduce el motivo principal asociado al célebre showman, con un carácter heroico y representativo.

Posteriormente, la composición presenta el corte “Annie Oakley (Little Missie)”, con una música ligera y ágil que refleja la habilidad y rapidez de la famosa tiradora, mientras que “Chief Sitting Bull” adopta un tono más ceremonial y tradicional para acompañar la presencia del jefe indígena.

Le sigue “The Cattle Trail and Setting Up Camp”, que describe musicalmente la travesía y el establecimiento del campamento, combinando impulso narrativo con pasajes más descriptivos. Tras esta secuencia más movida, “Dinner Time” introduce una pausa tranquila que refleja la vida cotidiana del campamento. Entre los momentos más atmosféricos destacan “Night to Day” y “Waking Up”, que describen musicalmente la transición de la noche al amanecer y el despertar en el campamento con un tono más reposado.

El CD presenta también cortes de aire aventurero como “The Buffalo Quest”, mientras que “The Opening of the Rodeo” y “The Rodeo Games” introducen música rítmica y llena de energía, acompañando los números de rodeo. También en esa línea ligera y animada se sitúa “The Medicine Ball Game”. “The Deadwood Stage”, una de las piezas más largas del disco, adopta un carácter narrativo que acompaña el viaje en diligencia, mientras que “The Reward” sugiere el momento de resolución tras la aventura. Hacia el final llega “The Final Review”  una recapitulación ceremonial del espectáculo, mientras que “Farewell to the West” cierra el álbum con un aire de despedida que subraya la dimensión legendaria del mito de Buffalo Bill.

Un disco que destaca por su eficaz mezcla de música original y canciones tradicionales, alternando momentos de acción, pasajes contemplativos y melodías populares para recrear con eficacia el espíritu del espectáculo del Oeste americano.

Hoy en día, el CD es una pieza apreciada por coleccionistas y aficionados a las bandas sonoras poco convencionales, no solo por su rareza, sino también por la calidad musical que encierra.

Agradecimientos especiales a Jordi (Coque) Cano.

THE MOUNTAINS OF THE MOON ( Michael Small)

THE MOUNTAINS OF THE MOON (1990)

Music Composed By MICHAEL SMALL

Tracklist

1. Main Title (01:41)
2. Journey (01:15)
3. Sandy Camp (01:36)
4. The Market (02:03)
(Traditional, arranged by Michael Small)
5. Escape to England (02:31)
6. Isabelle (02:38)
7. Return to Africa (02:14)
8. Mabruki and the Lion Shoot (03:54)
9. The Long Walk (01:37)
10. Burton Sings (The Lone Rock) (01:51)
(Traditional, arranged by Michael Small)
11. Desert Trek (04:12)
12. It's the Lake (00:50)
13. Poison Water (01:41)
14. Dark Caravan (03:12)
15. Ambush (00:45)
16. Ngola's Court (01:44)
17. Speke and the Great Lake (04:03)
18. Farewell to Mabruki (01:42)
19. Journey Home (02:06)
20. The Wedding (Isabelle's Theme) (01:26)
21. The Decision (02:11)
22. Burton's Theme (02:02)
23. Journey Finale (02:22)

Primera entrada dedicada al gran compositor Michael Small (1939–2003), destacado autor estadounidense especialmente activo durante las décadas de 1970 y 1980. Se caracterizó por un estilo versátil que combinaba jazz, música orquestal y minimalismo. Compuso bandas sonoras para películas emblemáticas como Klute (1971), The Parallax View (1974) y Marathon Man (1976), donde su música intensificaba la tensión psicológica. Fue colaborador habitual de directores como Alan J. Pakula y John Schlesinger, destacando siempre por su uso inteligente del silencio y las texturas sonoras para generar suspense.

La banda sonora que nos ocupa pertenece a su colaboración con Bob Rafelson, tras The Postman Always Rings Twice ("El cartero siempre llama dos veces", 1981) y Black Widow ("Viuda negra", 1987). Para esta película, la música adoptó un enfoque más orquestal y aventurero, siendo una de las pocas partituras de Small publicadas en álbum simultáneamente con el estreno del film. Asimismo, es una de las escasas partituras sinfónicas tradicionales que compuso a lo largo de su carrera. En su época, su sonoridad fue muy celebrada, acercándose en ocasiones a lo que podría haber firmado James Horner en la misma década.

El CD se abre con el espectacular tema principal, "The Journey", un leitmotiv muy horneriano que Small reutiliza más adelante, especialmente en el emotivo final: el corte reflexivo "The Decision" y su versión sublime en el arreglo de concierto de "Burton’s Theme". El último tema, "Journey Final", es una magnífica repetición ampliada del tema principal, con una orquesta más extensa.

Además de este tema central, el CD incluye un tema romántico: "Isabelle" y "La Boda", donde Small muestra su faceta más lírica, con flautas y arpas delicadas acompañadas por elegantes cuerdas, ambas culminando en finales de gran belleza. Estos momentos contrastan con los elementos africanos presentes en cortes como "Return to Africa", donde se mezclan tambores, maracas, instrumentos de viento y orquesta. También destacan las voces y coros en "The Long Walk", "Desert Trek", "Dark Caravan" y "Ngola’s Court".

El álbum presenta además una variación del tema africano: un motivo más ligero y acogedor para el personaje de Mabruki, guía de Burton y Speke, que aparece en "Mabruki and the Lion Shoot" y "Farewell to Mabruki". La música de acción, aunque escasa, se representa con intensidad en el breve pero impactante "Ambush".

Cabe destacar también las dos piezas de música incidental incluidas en el álbum: "The Market", un canto tribal africano tradicional con nuevos arreglos de Small, y "Burton Sings (The Lone Rock)", una versión vocal de la canción tradicional irlandesa Carraig Aonair, con gaita y flauta, interpretada por Patrick Bergin en su papel protagonista.

Michael Small dejó una huella duradera en el cine estadounidense gracias a su enfoque atmosférico e innovador. Con esta esta partitura que hoy reivindico, algunos tienen un excelente punto de partida para descubrir la obra de un compositor formidable y muy añorado.

CLEOPATRA (Trevor Jones)

 

CLEOPATRA (1999)

Music Composed By TREVOR JONES

Conducted By

GEOFFREY ALEXANDER

Tracklist;


1 Cleopatra      3:20
2 Egypt Is Yours For Only One Day      6:08
3 The Tomb Of Kings 6:56
4 Rome Decrees 8:28
5 The Roman Forum 6:47
6 The Eye Of Horus 5:08
7 Temple Of The Sun 4:45
8 Prayer To Isis 4:02
9 To Speed You On Your Way 2:33
10 In The Eyes Of The Gods We Are One 6:56

Creo que esta es la primera vez que comento una banda sonora de Trevor Jones en el blog (¡ya era hora!), y lo hago con una obra que confirma el talento de uno de esos maestros musicales que, tras ser muy solicitados durante las décadas de los 80 y 90, ha caído prácticamente en el olvido dentro de una industria que ya no parece interesada en el sinfonismo orquestal. Una auténtica lástima.

Para Cleopatra, Trevor Jones compuso una partitura memorable que, de algún modo, seguía la estela de los títulos que le otorgaron éxito en los años anteriores (como The Last of the Mohicans en 1992 o Cliffhanger en 1993). Su tema principal se basa en una melodía poderosa y exuberante, muy “marca de la casa”. Es una composición que introduce elementos más modernos —incluso étnicos—, pero que sigue siendo muy respetuosa con el clasicismo de autores como Miklós Rózsa o Alex North. (Poco después llegaría Hans Zimmer con Gladiator para dinamitar el sinfonismo clásico y, de paso, clavar la primera estaca en la música de cine tradicional).

El CD fue editado de forma más o menos promocional por el propio Trevor Jones, en una época en la que comenzó a publicar sus obras por cuenta propia. La estructura de la partitura es sencilla y gira principalmente en torno al tema principal, titulado precisamente “Cleopatra”, que funciona tanto como obertura como cierre del álbum. Este tema se retoma en varias piezas clave —como “To Speed You on Your Way” e “In the Eyes of the Gods We’re One”— y constituye el eje central de la obra.

En este bloque temático se entrelazan elementos semíticos y motivos propios de la Roma clásica, otorgando a la música una notable riqueza cultural y sonora. La voz solista femenina de Belinda Sykes aporta un color árabe muy distintivo, especialmente en piezas como “Egypt Is Yours for Only One Day”. La cantante también interpreta la chirimía, un instrumento de viento tradicional egipcio que confiere una personalidad única a la partitura, por ejemplo en el corte “The Eye of Horus”.

También destaca un subtema presentado en “The Tomb of Kings”, que actúa como un pariente lejano del tema principal y ofrece una atmósfera inquietante apoyada por sutiles elementos electrónicos. La percusión —humilde pero constante— conduce hacia un cierre elegante y evocador.

La música asociada a Roma, aunque algo predecible en su lenguaje, está bien construida: fanfarrias de trompeta, ritmos marciales, redobles, timbales y cuerdas graves evocan la brutalidad del Imperio. Piezas como “Rome Decrees” y “The Roman Forum” recuerdan la energía salvaje de los metales que Jones empleó en Dark City, generando momentos de gran intensidad.

Otro aspecto notable es la integración de elementos electrónicos —especialmente teclados y efectos— que Jones introduce con mucha delicadeza, logrando una fusión muy equilibrada, visible en cortes como “Egypt Is Yours for Only One Day” o “Temple of the Sun”, donde orquesta y electrónica se presentan perfectamente compenetradas. Esta dualidad, moderna y a la vez clásica, es una de las grandes virtudes de la obra: Trevor Jones alterna con habilidad entre la orquesta tradicional y los instrumentos típicos del antiguo Egipto, creando una banda sonora tan sólida como evocadora.

MY LIFE IN MUSIC (Lalo Schifrin)

 

MY LIFE IN MUSIC (2012)

Music Composed And Conducted By 

LALO SCHIFRIN

Tracklist:

CD1)

1 'Enter the Dragon' Main Title
2 Samba Para Dos from 'Bossa Nova Groove'
3 'The Fox' Main Title
4 Eagle Falls in Love from 'The Eagle Has Landed'
5 Transporting Rhino from 'Rhino!'
6 'Fast Walking' Main Title
7 Burning Bridges from 'Kelly's Heroes'
8 Invisible City
9 'Dirty Harry' Main Title
10 New Orleans Procession from 'The Cincinnati Kid'
11 'Caveman' End Title
12 There Is Something Out There from 'Abominable'
13 'Cool Hand Luke' Main Title
14 'Telefon' Main Title
15 The Pier, the Bridge and the City from 'The Dead Pool'
16 Love Poem for Donna
17 Bank Robbery from 'Charley Varrick'
18 'Bullitt' Main Title
19 'Coogan's Bluff' Main Title
20 'Rush Hour' Main Title


CD 2)

1 'Joe Kidd' Main Title
2 Tar Sequence from 'Cool Hand Luke'
3 The Face of Love from 'The Osterman Weekend'
4 Calliope of Death from 'Rollercoaster'5 All for the Love of Sunshine from 'Kelly's Heroes'
6 Venice After Dark from 'The Venetian Affair'
7 Scorpio's View from 'Dirty Harry'
8 The Statue of Liberty March
9 'Brubaker' Theme
10 'The Cincinnati Kid' Instrumental Theme
11 The Miracle from 'Something to Believe In'
12 Amputation Aftermath from 'The Beguiled'
13 Che from 'Che!'
14 El Dorado
15 'Sudden Impact' Main Title
16 Pablito/Guitarra/Padre Van Horne from 'The Wrath of God'
17 'Magnum Force' Main Title
18 'The Amityville Horror' Main Title
19 Take Me to Ringerman from 'Coogan's Bluff'
20 Justine
21 The Plot from 'Mission: Impossible'

CD3)

1 The Cincinnati Kid (Vocals from Ray Charles)
2 Arletta Blues from 'Cool Hand Luke'
3 'Les Felins' Main Title
4 'The Fourth Protocol' Main Title
5 The Forces of Darkness
6 Finding McB from 'The Beguiled'
7 'Mannix' Theme
8 Ice Pick Mike from 'Bullitt'
9 Bach to the Blues
10 'Magnum Force' Main Title
11 Tango Del Atardecer
12 Chama from 'Joe Kidd'
13 Movement from String Quartette from 'Rollercoaster'
14 Summer Dance
15 My Lord Don Quixote/End Title
16 'Rage' End Title
17 'Enter the Dragon' Main Title
18 Tema D'amore from 'La Pelle'
19 Last of the Independents from 'Charley Varrick'
20 Robbery Suspect from 'Sudden Impact'
21 'Rush Hour' Main Title


CD 4)
1 Suite - Concorde: Airport 79
2 Paraphrase
3 Panamericana
4 Once a Thief
5 Resonances
6 Montuno
7 People Alone from 'The Competition'
8 Intersections
9 Agnus Dei
10 Toccata
11 Mission: Impossible

El deceso muy reciente del irremplazable compositor Lalo Schifrin me ha obligado a alterar el orden previsto en el blog, por lo que adelanto esta entrada para rendirle homenaje póstumo. Con su muerte desaparece otra figura legendaria de la música de cine, totalmente única e irremplazable, que en mi caso tuve el privilegio de conocer personalmente.

Lalo Schifrin nació en Buenos Aires, Argentina, el 21 de junio de 1932, y se interesó por la música gracias a su padre, quien fue concertino de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires durante más de 30 años. Animado por su padre, violinista sinfónico, Lalo comenzó a tocar el piano a los 6 años y su primer maestro fue Enrique Barenboim, padre del pianista y director de orquesta Daniel Barenboim. Cursó la secundaria en el Colegio Nacional de Buenos Aires. En 1952, viajó a Francia para estudiar en el Conservatorio de París y participó de la vida jazzística nocturna parisina.

Tras regresar a Buenos Aires, Schifrin formó una big band. En 1956, conoció al trompetista Dizzy Gillespie, que venía acompañado de Quincy Jones; ambos compartieron un encuentro fortuito en el que improvisaron junto a Schifrin y su joven amigo Astor Piazzolla.

Schifrin fue pianista del quinteto de Dizzy Gillespie desde 1960 hasta 1962, tras ser descubierto en Buenos Aires, mudándose a Nueva York en 1958.

Aunque permaneció con Gillespie durante un período relativamente corto, contribuyó con dos piezas importantes a su repertorio: "Gillespiana", un retrato notable del trompetista en una suite de cinco movimientos, y "The New Continent", una suite de tres movimientos grabada en 1962.

Tras ese periodo y sin abandonar el jazz, Schifrin empezó a hacerse un nombre como compositor de televisión y cine, eternamente conocido por su tema para "Misión: Imposible". También fue el creador de las bandas sonoras de películas icónicas como "Cool Hand Luke" (1967), "The Fox" (1968) y "The Amityville Horror" (1979). Aunque no se puede negar que "Harry el sucio" (1971) y "Bullitt" (1968) lo convirtieron en un ícono del cine de acción, al menos en lo que respecta a la música.

El maestro ganó un Grammy por "Mission Impossible", así como un Grammy Latino. Además, recibió un merecido Oscar honorífico a su carrera en 2018, tras un total de seis nominaciones.

Con su muerte tan cercana, ¿qué mejor homenaje a su obra completa que este cuádruple recopilatorio de su trabajo, editado en 2012 por su propio sello Aleph Records? Este álbum celebraba el octogésimo aniversario del maestro y su maestría en el cine, la televisión, el jazz y, en definitiva, en el universo de la música total. Son cuatro CDs y 73 pistas, que sirven como una muestra (muy certera) de la obra completa de Schifrin, en una selección inteligente de sus composiciones.

No voy a citar disco por disco, porque realmente es una fiesta, pero obviamente encontramos cortes de su emblemáticas "Mission Impossible", "Bullitt", "Dirty Harry" "Kelly´s Heroes" o "Enter The Dragon". Incluso sus más recientes entonces  (ahora ya no tanto) "Rush Hour" o "Abominable". Asimismo, hay un buen balance entre obras menos conocidas que merecen igual reconocimiento, tales como la suite sinfónica de "Concorde: Airport 79", un bloque sublime de su primer film americano "Rhino" ("Transporting Rhino from 'Rhino!'") o el tema del robo del banco de "La gran estafa" ("Bank Robbery from 'Charley Varrick'").

Y entre lo más conocido, obviamente, también encontramos a Ray Charles cantando en el dinámico/mítico tema de "The Cincinnati Kid", su canción nominada al Oscar por "The Competition" ("People Alone"), el tema principal de su memorable "The Amityville Horror", un corte genial ("Tar Sequence") para "La leyenda del indomable" ("Cool Hand Luke"), un tema de raíces españolas maravillosas para su excelente composición para Don Quijote, producida por Emiliano Piedra ("My Lord Don Quixote/End Title"), la música extrañamente suave para "Brubaker" de Robert Redford, y también un montón de piezas de corte sinfónico y jazzístico hechas para la sala de conciertos, tales como "Toccata", de "Gillespiana" y "Panamericana" de su suite "Gillespiana", o el "Resonances" de su ambiciosa obra "Esperanto". Añado su memorable tema para conmemorar la Estatua de la Libertad ("The Statue of Liberty March")… Además de su "Montuno" de su suite "Latin Jazz", el expresivo "Tango del Atardecer" de "Letters from Argentina"… Podría seguir escribiendo mucho más, pero lo mejor es escuchar y unirse a una fiesta Schifriniana para conmemorar un legado ,irrepetible, de otro Dios de la música de cine que nos deja.

THE SANTA CLAUSE (Michael Convertino)

 

THE SANTA CLAUSE (1994)

Music Composed By 

MICHAEL CONVERTINO

Tracklist:

1) Yello Jingle Bells (Movie Version) 4:48
2) The Drifters White Christmas 2:40
3) Let's Go 1:02
4) Believing Is Seeing 3:25
5) The Sash Completes The Ensemble 1:04
6) Flight 0:46
7) Weightless 1:33
8) Away To The Window 2:11
9) The Bells Of Christmas (Michael Convertino & Loreena McKennitt ) 2:21
10) Listen 3:05
11) Goodnight, Goodnight, Don't Forget The Fire Extinguisher 1:07
12) Visitation 2:19
13) Rose Suchak Ladder 1:30
14) The List 1:23
15) Elves With Attitude 0:50
16) Someone In A Wrapping 1:31
17) Near Capture 0:47
18) Comfort And Joy 2:10
19) Not Over Any Oceans 1:50
20) Christmas Will Return (Michael Convertino, Brenda Russell, Howard Hewett ) 4:05

Con la resaca de la reciente etapa navideña del mes pasado, me gustaría rescatar en este blog una estupenda banda sonora compuesta por Michael Convertino para el film titulado en España "¡Vaya Santa Claus!" (The Santa Clause, 1994).

Esta comedia navideña fue un descomunal éxito en Estados Unidos, tanto que dio lugar a una trilogía de películas y, más recientemente, a una serie de televisión que ya cuenta con dos temporadas. La película, diseñada como un vehículo para el lucimiento del cómico estadounidense Tim Allen, parte de una premisa, cuanto menos, original: Una especie de "maldición" obliga a un ciudadano estadounidense corriente y divorciado a asumir el papel de Santa Claus. A medida que avanza la historia, el personaje experimentará una transformación física y emocional: Comienza a ganar peso, le crece la barba (que no puede eliminar de ningún modo) y de manera inevitable, se convertirá en el icónico símbolo navideño. Todo esto sucederá bajo la incrédula mirada de sus compañeros de trabajo, su exesposa, su hijo y todos los que lo rodean.

Michael Convertino (nacido en 1952 en Nueva York) fue el encargado de elaborar la banda sonora. Notable músico y compositor de bandas sonoras estadounidense, poco conocido a pesar de su probada calidad y capacidad para capturar emociones complejas en la música. Ha trabajado en películas como "Hijos de un Dios Menor" (donde compuso una fabulosa y etérea banda sonora para sintetizadores), "El Doctor", "Wrestling Ernest Hemingway" para la directora Randa Haines y atmbien films como "The Hidden", "Los Búfalos de Durham" o "Cosas que hacer en Denver cuando estás muerto".

En "The Santa Clause" Convertino creó una partitura que encaja perfectamente con el tono mágico y humorístico del filme. Aunque no oculta influencias de obras navideñas previas, como las composiciones de John Williams para su díptico "Home Alone" o el Bruce Broughton de "All I Want for Christmas". Convertino compone una excelente partitura con un estilo orquestal tradicional que, pese a incluir ciertos toques modernos, conserva un enfoque clásico que dota a la música de una sensación atemporal.

Toda ella es un ejemplo maravilloso de cómo combinar diferentes elementos para enriquecer una película. El Cd se abre con un tema dinámico ("Let's Go") que pude recordar al Williams de "Home Alone",,,Y luego evocando momentos navideños en cortes como "Beleving Is Seing"  Utilizando instrumentos como campanas, xilófonos y cuerdas, Convertino evoca el espíritu navideño y resalta los momentos más fantásticos, como las escenas en el Polo Norte...Hay bloques maravillosos como "Flight", "Weightless" o "Away From The Window". También un par de canciones originales, la espléndida "The Bells Of Christmas" interpretada por Loreena McKennitt y otra mas ligera titulada "Christmas Will Return" interpretada por Brenda Russell, Howard Hewett. Además incluye motivos cómicos, con arreglos ligeros y juguetones ("Goodnight, Goodnight, Don't Forget The Fire Extinguisher ") que reflejan el tono humorístico de la historia, especialmente las situaciones absurdas que enfrenta el protagonista.  

Por último, Convertino no se olvida de añadir profundidad emocional. Las escenas que exploran la relación entre Scott Calvin (Tim Allen) y su hijo están acompañadas de melodías melancólicas y delicadas ("Comfort And Joy") que enfatizan el típico y tópico mensaje de amor familiar y redención. Es sin duda una banda sonora no alcanzó la popularidad de otras obras navideñas, fue bien recibida por su capacidad para transmitir tanto el humor como el corazón de la película. Una joya que merece ser redescubierta

SHADOW CONSPIRACY (Bruce Broughton)

 

SHADOW CONSPIRACY (1997)

Music Composed And Conducted By

BRUCE BROUGHTON

Tracklist:

1) The Hit (3:50)

2) To The White House (1:38)

3) The Oval Office (2:43)

4) Georgetown Pursuit (6:23)

5) Touched by Evil (3:08)

6) Frank is Dead (:59)

7) A Secured Line (:43)

8) Hitter on the Roof (5:32)

9) White House Chaos (14:12)

10) Tracking Amanda (2:32)

11) The Conspirators (2:18)

12) Final Details (3:15)

13) Attempted Assassination (10:10)

Seguimos Agosto con una obra maestra musical que llevaba años queriendo incluir en el blog: La composición de Bruce Broughton para el film "Conspiración en la sombra" (1997). Esta película, subvalorada, era una mezcla de acción y thriller dirigida por George Pan Cosmatos, una producción muy entretenida y tremendamente subestimada, todo un ejemplo de la pericia del director de origen griego en rodar a la antigua usanza, logrando un film muy ameno en el que colaboró por segunda ocasión con el compositor Bruce Broughton, tras su previo éxito en "Tombstone"

Primer Broughton en mi blog , trataré  de subsanar su ausencia, y todo un caso referente de la decadencia de la música de cine en la actualidad. Bruce Broughton ( nacido en 1945) es - de nuevo- el ejemplo triste de un genial compositor que despuntó en los años ochenta como sinfonista de primera, con maravillas como " Young Sherlock Holmes", "Silverado" ...(Con una sonoridad muy elaborada, a medio camino de Jerry Goldsmith y John Williams pero con sonido y estilo reconocible) pero que no tuvo la suerte, ni la proyección de los anteriores... Perdiendo lentamente peso en la industria, actualmente una reliquia abandonada que se dedica a tareas de dirección, orquestación, que muy ocasionalmente es recuperada por algún admirador ( por ejemplo, la serie televisiva "The Orville").

Referente a la película, al parecer el director Pan Cosmatos quería que la banda sonora de "Shadow Conspiracy" fuera interpretada por una orquesta sinfónica con una sección de percusión masiva, por encima de lo habitual.

Broughton respondió utilizando  una amplia gama de instrumentos de percusión, esto crea el efecto de un constante y profundo retumbar de sonido durante toda la audición.

Es una banda sonora que ofrece una exhibición de metales y percusión de cualidad constantemente amenazante, que impulsa mucho la tensión de la trama.

El trabajo es de aire amenazador , solo hay que escuchar el primer corte " The Hit" , una base de cuerdas que sostiene un tema amenazante. Tal vez el segundo corte "To The White House", tiene tono más optimista, puro Broughton, pero es de los pocos cortes " alegres" de esta joya musical.

La interpretación de los timbales por sí sola representa bien el poder invisible de las fuerzas gubernamentales malignas que conspiran ( y que Charlie Sheen trata de evitar). Broughton usa dos pianos para interpretar un ambicioso ritmo de fondo bajo que acelera el ritmo de las muchas escenas de persecución. Estas pistas de acción encajan bien en la película debido a su gran tamaño e intensidad, y la misma atracción emocional se logra con las cuerdas en los pasajes más lentos. En cortes como " Georgetown Pursuit" o bien " White House Chase" la acción, el ritmo - a veces alternados con segmentos de tensión, muy a lo Jerry Goldsmith son sencillamente memorables.

El tema principal, que aparece fugazmente en fragmentos durante varias pistas, se ofrece en su totalidad al principio y al final del álbum. La pieza final, una pieza de diez minutos "Attempted Assassination" que cierra el álbum es una gloriosa muestra de acción y suspense. posiblemente, la mejor del álbum. Los metales son notablemente poderosos y ofrecen a los fanáticos del maestro un disfrute continuo que cierra con broche dorado una BSO ejemplar, de las que ya no se hacen.

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THE PRIMEVALS (Richard Band)

 

THE PRIMEVALS

(2020)

Music Composed By

RICHARD BAND 

Conducted By

VLADIMIR MARTINKA

Tracklist:

1 The Gale and Mountain Shack / Battling the Yeti / Main Title
2 Dr. Collier's Announcement
3 Unveiling the Yeti
4 Matt and Dr. Collier
5 They Talk / The Expedition
6 Rondo Agrees to The Expedition
7 Meeting Cathleen / Kiku
8 Pushing On / Yeti Tracks
9 Awakened by a Yeti / Kiku
10 Tower / Earthquake
11 The Cave / A New Land
12 Rafting Down the River
13 The Hominid Village
14 Matt Hears Villagers Screaming
15 The Hominid Confrontation
16 The Wrecked Village / Onwards
17 Entering the Caves
18 Huge Spaceship Discovery
19 The Spaceship / Inside the Spaceship
20 The Abduction
21 In the Cages
22 Taken to "The Arena"
23 The Lizard Arena Show
24 The Yeti is Released
25 Escaping the Cages / The Yeti Helps the Escape Part 1
26 The Yeti Helps the Escape Part 2 / Matt Has a Plan
27 Dr. Collier Dies & Finale
28 End Titles

Para refrescar el mes de Agosto, nada menos que Richard Band, un compositor por el que siempre he sentido devoción. En esta ocasión, presento la banda sonora completa para la película "The Primevals" que deviene todo un verdadero viaje nostálgico al cine fantástico clásico.

Producida por Charles Band, la película es un producto típico de la época de las películas de Full Moon en los noventa. Sin embargo, se vio afectada por problemas presupuestarios que resultaron en un rodaje incompleto: Mientras que las partes con actores fueron filmadas, la realización de los efectos especiales, a cargo del director de la película, Dave Allen, quedó congelada. Inspirado Ray Harry housen, Allen aplicó técnicas de stop-motion y animación añejas. Para añadir más tragedia a la historia, el propio Allen murió unos meses después, siendo su colega Chris Endicott quien ha ido pacientemente finalizando el proyecto durante todos estos años.

Vista ahora, al ser actualizada, la película conserva su encanto añejo pero sigue siendo disfrutable frente a la tecnología digital.

Richard Band, conocido principalmente por su trabajo en películas de terror y galardonado con premios y nominaciones al Emmy, muestra un retorno  a las partituras clásicas que inspiraron muchas películas de Harryhausen en las décadas de 1950 y 1960. 

Uno de los grandes alicientes de esta banda sonora es que ha permitido el retorno de Richard Band a la orquesta sinfónica. Trabajando con la Orquesta de Bratislawa, la serie de piezas interpretadas en esta obra permiten que su música suene mucho más grandiosa y elaborada que en trabajos anteriores, donde a veces tenía que simular los sonidos orquestales con sintetizadores que él mismo interpretaba.

El primer corte marca el estilo de la composición( "The Gale and Mountain Shack / Battling the Yeti / Main Title"): Por un lado, una música de ambiente localista y exótico; por otro, elementos de música descriptiva...Entrando finalmente, el tema principal, un leitmotiv muy característico de la casa, se retiene instantáneamente.

Este leitmotiv se recupera luego en otros cortes de la banda sonora, siempre colocado de manera muy adecuada y obviamente en los "End Titles". El trabajo de Band está balanceado entre motivos de acción ("The Hominid Confrontation"), música descriptiva("Entering The Caves"), pasajes misteriosos ("The Wreckled Village")  e incluso algunos cortes en los que la composición se vuelve aventurera y trepidante ("Rafting Down the River"), en como digo una banda sonora verdaderamente deliciosa, agradable, fuera de modas actuales y tremendamente clásica, que se puede escuchar en bucle una y otra vez.

MÚSICA PER A VENTURA PONS (Carles Cases)

 

MÚSICA PER A VENTURA PONS

MÚSICA COMPUESTA POR 

CARLES CASES

Tracklist:

1) Voluntat (Film: El perquè de tot plegat 1995)
2) Submissió (Film: El perquè de tot plegat 1995)
3) Obertura I (Film: Amic/Amat. 1998)
4) Obertura II (Film: Amic/Amat. 1998)
5) Irina (Film: Animals ferits 2005)
6) Moderato (Film: Anita no perd el tren 2000)
7) Finale presto (Film: Anita no perd el tren 2000)
8) Music of The Beauty (Film: Food of love 2001)
9) Amor idiota (Film: Amor Idiota 2004)
10) Trio (Film: Actrius 1996)
11) Efigenia (Film: Actrius 1996)
12) No morir (Film: Morir o no 1999)
13) Resurecció (Film: Morir o no 1999)
14) Forasters (Film: Forasters 2008)
15) Ruleta Rusa (Film: La vida abismal 2006)
16) Rosita please! (Film: Rosita, please! 1993)

Esta edición es una alegría porque recupera lo mejor de un compositor indispensable del que la industria ya no se acuerda: el gran Carles Cases. Ha creado un CD que se convierte en un tributo esencial al director de cine que le ofreció más oportunidades a lo largo de su carrera.

"Música per a Ventura Pons" es una recopilación de dieciséis versiones originales de las bandas sonoras que Cases compuso para las películas del cineasta Ventura Pons entre 1991 y 2011.  Como dato decir que de las treinta y tres películas dirigidas por Pons, Cases creó la música para dieciséis de ellas en una colaboración muy profunda.

El legado cinematográfico de Ventura Pons (1945-2024) no sería el mismo sin las contribuciones musicales de Carles Cases en todas sus películas entre 1991 y 2011. La colaboración entre Pons y Cases se extiendió a lo largo de dieciséis filmes, incluyendo títulos como "Aquesta nit o mai" (1992), "¡Rosita, please!" (1993), "El perqué de tot plegat" (1995), "Actrius" (1997), "Caricies" (1998), "Amic/Amat" (1999), "Morir (o no)" (2000), "Anita no perd el tren" (2001), "Food of Love" (2002), "Amor idiota" (2004), "Animals ferits" (2005), "La vida abismal" (2006), "Barcelona (un mapa)" (2007), "Forasters" (2008), "A la deriva" (2009) y "Mil Cretins" (2010).

 El álbum condensa esos veinte años en dieciséis temas pertenecientes a once películas distintas. El compacto se abre con el emblemático tema "Voluntat", una pieza que es ya un clásico en el repertorio de Cases, con una construcción de aire minimalista y a la vez clásica, sencillamente magnífica. Le sigue el tema reflexivo "Submissio", donde ya se nota la querencia del maestro por las cuerdas. Otro corte de estas características es el de "Beauty", para la película "Food Of Love", con un leitmotiv de aire Morriconiano. O bien el "Trío", una composición inigualable creada para el film "Actrius". La música de Cases nunca ha ocultado sus raíces clásicas, con influencias barrocas, como las dos sublimes piezas que creó para "Amic/Amat", aquí presentadas como "Obertura 1" y "Obertura 2", de clara influencia clásica e interpretadas de modo impecable por las cuerdas.

También es importante destacar que a lo largo de la escucha se aprecia cómo el jazz es otra de las pasiones del maestro, por lo que tenemos cortes más cercanos a los ritmos y armonías del estilo, piezas espléndidas como "Irina" (Animales Heridos) o el aire blues de "Ruleta Rusa" perteneciente a "La Viad Abismal".

En definitiva, un CD imprescindible que vuelve a determinar la grandeza de la música de Cases (y el pena que no trabaje en el cine actual) en una definición de cómo de grises son los tiempos actuales y cuánto talento gigantesco no se aprovecha.

THREE DECADES OF TV THEMES (Paul Lewis)

 

THREE DECADES OF TV THEMES

Music Composed And Conducted By 

PAUL LEWIS

Tracklist: 

1)  The Prisoner of Zenda, television serial~Theme 02:48

2)  Spring & Autumn, television sitcom~Autumn Love 04:20
3)  Brendon Chase, television mini series~Theme 04:02
4)  Arthur of the Britons Suite~Flourish for a King 01:36
5)  Arthur of the Britons Suite~Celtic Horns / The Longship 03:28
6)  Arthur of the Britons Suite~Revelry 01:50
7)  Arthur of the Britons Suite~Kai the Saxon / Skirmish and Rout 02:09
8)  Arthur of the Britons Suite~The Fair Rowena 02:21
9)  Arthur of the Britons Suite~Chase! 02:58
10)  The Big Knife, romance for piano & strings 07:07
11)  King's Royal, television mini series~Theme 03:00
12)  The Dark Angel, a Gothic melodrama for orchestra~Maud 04:20
13)  The Dark Angel, a Gothic melodrama for orchestra~The Ball 03:20
14)  The Dark Angel, a Gothic melodrama for orchestra~Madame de la Rougierre 02:17
15)  The Dark Angel, a Gothic melodrama for orchestra

       ~Valse d'amour and Death of Silas 06:05
16)  The Benny Hill Waltz 02:47
17)  c, a mood picture for soprano & orchestra 09:59
18)  Woof!, fantasy for harmonica & orchestra 04:13
19)  Wreckers at Deadeye, overture 07:28

Esta entrada está dedicada a esos compositores de los que nunca nadie se acuerda, los especialistas en la televisión que han brindado trabajos espectaculares. En esta ocasión estamos ante un autor Ingles, se trata de Paul Lewis. 

Nacido en una familia de músicos profesionales en Brighton, Inglaterra, en 1943,  fue educado en Brighton College, donde comenzó a aprender piano a los nueve años. Su pasión por la música se despertó a la edad de doce años cuando vio la película de Laurence Olivier sobre "Ricardo III" de Shakespeare con música de William Walton. 

 A los diecinueve años, sus composiciones orquestales comenzaron a ser grabadas por varias bibliotecas de música de producción, y a los veinte años se convirtió en Asistente Asesor Musical de ABC Television. Durante casi cincuenta años, trabajó en más de 150 series y programas únicos para televisión y en 1995 fue el tema de un documental de ITV.

Su trabajo televisivo abarcó muchos géneros. Ha compuesto más de 130 obras diferentes para programas y series de televisión, desde dramas intensos (con Peter O'Toole en "The Dark Angel") hasta comedias infantiles (la serie de larga duración "Woow!"). Paul también ha compuesto obras de concierto y de cámara, especialmente en los últimos diez años, creando un catálogo de más de 150 obras publicadas (la mayoría de ellas Todas ellas tonales y generalmente de naturaleza romántica) desde conciertos hasta música de cámara.

Este CD fue editado por primera vez en 2002 y más tarde reeditado en 2018, siendo un magnífico muestrario de su música televisiva y se centra en ofrecer el abanico estilístico de un compositor que adora el clasicismo y la melodía, como perfecto seguidor de autores al estilo de Malcolm Arnold, Richard Rodney Bennett o John Scott

Es una generosa selección de algunas de las mejores partituras para televisión y se han grabado suites considerablemente amplias. Ahí está la épica "Arthur Of The Brittons" obra claramente heroica y tiene influencias de Malcolm Arnold ("Flourish for a King") y también Aaron Copland, mostrando un maravilloso tema romántico y lírico ("The Fair Rowena").

Otra suite presentada es para "The Dark Angel" , una partitura compleja con enfoque orquestal más variado y rico y que el compositor ha convertido en un bloque de melodías y  ritmos de vals se varían sutilmente según la trama o los personajes y que suena totalmente delicioso.

Lewis logra mantener su propia identidad, como en la encantadora fantasía corta "Woow!"  y el magnífico "The Island" pieza sublime para soprano y orquesta, todo un poema tonal  que recuerda mucho a los paisajes marinos compuestos pro Arnold Bax. 

Finalmente se cierra el Cd en un homenaje a Malcolm Arnold: la brillante obertura "Wreckers at Deadeye, overture" que finaliza una escucha maravillosa

WOLF (Ennio Morricone)

 

Tracklist :

1) Wolf And Love 3:32
2)   The Barn 1:59
3)  The Dream And The Dear 9:15
4)  The Moon 5:28
5)  Laura Goes To Join Wolf 2:20
6)  Laura And Wolf United 1:24
7)  First Transition 1:28
8)  The Howl And The City 3:21
9)  Animals And Encounters 4:37
10)  Laura Transformed 3:36
11)  Wolf 2:48
12) Second Transition 1:17
13) Will's Final Goodbye 1:31
14) Chase 5:44
15) Confirmed Doubts 3:41
16) The Talisman 3:27
17) Third Transition 0:57
18) A Shock For Laura 2:43
19) Laura And Will 2:26
20) Laura 2:37

Hacía tiempo (cuatro años!) que no dedicaba una entrada al maestro Ennio Morricone y hoy he decidido centrarme en su excelente trabajo para la película "Wolf" de 1994, protagonizada por Jack Nicholson y Michelle Pfeiffer y por lo general una película bastante extraña e infravalorada... Que sin ser nada del otro mundo tenía muchísimos elementos de interés. Fue el regreso del maestro al genero de terror en un film rodado en los EEUU y para ello Morricone utilizó un estilo jazzístico noir, mezclado con orquesta y sintetizadores electrónicos. 
Escuchando el CD podemos detectar como Morricone se enfoca en los elementos atonales de la música, aunque respeta en ocasiones un marco más melódico ("Wolf and Love") con unas cuerdas exuberantes que dan sensación de calidez y amor, a las que luego añade un leitmotiv en el que los sintetizadores electrónicos con instrumentos orquestales orgánicos y crean una gran inquietud. En esta gran obra aparece un segundo leitmotiv , se trata de "The Barn", con un acompañamiento de arpa y cuerdas y una melodía interpretada por el saxofón sensual...Es probablemente uno de los grandes temas del maestro, que eso si, siempre intenta  lo largo de la obra crear una música angustiosa y llena de tensión, como por ejemplo "Animals and Encounters" -excelente pista con elementos de terror y en el que el ritmo de los tambores marca una tensión magistral.

"The Chase" es uno de los grandes temas del compacto, un tema vibrante donde se emplean intensivamente metales junto con el saxofón combinado con un ritmo constante y palpitante...Aunque como tema/bloque que defina y resuma perfectamente este gran trabajo personalmente elegiría "The Dream And the Dear" un larguísimo bloque de nueve minutos donde la composición explora elementos fantásticos, drama, terror y tensión, a la vez que retomo los leitmotivs citados con resultados sencillamente supremos.

En definitiva una banda sonora excelente, que en la actualidad merece ser recuperada entre el catalogo de su obra en los noventa,  una de esas bandas sonora que escuchada en la actualidad es muy disfrutable y que aunque ofrece melodías, se acerca más a la atonalidad y lo atmosférico, al Morricone más vanguardista y experimentador.

SOLAR CRISIS (Maurice Jarre)

 

SOLAR CRISIS (1990)

Music Composed, Performed And Conducted By 

MAURICE JARRE

Tracklist:

1 Prologue 4:05
2 Hear That Note? 2:34
3 Skytown 4:38
4 Helios Docking 4:54
5 Desert Oasis 0:57
6 Kelso Dropships 3:04
7 Permission Granted 3:37
8 Alex 0:38
9 It's Your Pick 2:51
10 Meeks' Demise 5:49
11 Concentrate On Living 2:27
12 Pursuit 7:31
13 Cancel Manual Detonation 1:40
14 Alex Sees The Light 8:48
15 End Credits 6:35
The Extra
16 It's Your Pick (Alternate) 2:49

"Solar Crisis· (1990) fue una película que combinaba ciencia ficción y thriller, dirigida por el veterano cineasta Richard C. Sarafian, conocido por películas como "Vanishing Point" o "The Man Who Loved Cat Dancing". Durante la postproducción, Sarafian optó finalmente por utilizar el seudónimo "Alan Smithee" en los créditos, lo que anticipaba que, a pesar de su potencial, la historia no lograría ofrecer una narrativa convincente.

La trama de esta coproducción entre Estados Unidos y Japón se centrbaa en la nave espacial Helios, embarcada en una misión crucial para salvar a la humanidad en el siglo XXI.

A pesar de contar con un impresionante elenco ( Tim Matheson, Charlton Heston, Peter Boyle o Jack Palance) y unos buenos efectos especiales a cargo del legendario Richard Edlund, la película fue un rotundo fracaso comercial y precisamente fue la banda sonora una de las principales afectadas  en los remontajes y los problemas de postproducción de la película. 

Escuchado el CD la contribución de Maurice Jarre es espléndida, el compositor se sumergió en la creación de una banda sonora electrónica con mixtura de elementos orquestales. Hay en ella una mezcla de varios estilos. Por un lado parted e un tema principal que se introduce a golpe de percusión ("Main Title") un tema recurrente de Jarre , con una base de percusión rítmica a la que añade secciones de viento, metales y creando un tono entre épico y militar.  También aparecen temas de aire místico y atmosférico, algunos de ellos fabulosos, por ejemplo "Hear That Note?", donde la electrónica de Jarre ofrece una sensación etérea y espacial. La combinación entre electrónica y orquesta aparece en otras partes, llegando a unos bloques finales, al menos en la versión en CD, en los que la música se convierte no solo en orquestal, sino esencialmente en una pieza coral, como el fabuloso "Alex Sees The Light" donde se nota una clara inspiración en el "Carmina Burana" de Carl Orff... (por cierto un bloque que Jarre aprovecharía enuna posterior composición dedicada al año del Jubileo). Finalmente, la pista de "Créditos Finales" recapitula este tema climático y ofrece una visión general de la músican que impregna toda la película.