1492 CONQUEST OF PARADISE (Vangelis)

1492: CONQUEST OF PARADISE


Music Composed By VANGELIS
















Tracklist:

1) Opening" – 1:21
2) Conquest of Paradise" – 4:47
3) Monastery of La Rábida" – 3:39
4) City of Isabel" – 2:16
5) Light and Shadow" – 3:46
6) Deliverance" – 3:28
7) West Across the Ocean Sea" – 2:53
8) Eternity" – 1:59
9) Hispañola" – 4:56
10) Moxica and the Horse" – 7:06
11) Twenty Eighth Parallel" – 5:14
12)Pinta, Niña, Santa María (Into Eternity)" – 13:19

A finales de este caluroso Julio vuelvo al genio griego, al rey de la melodía Vangelis, con su trabajo para el film de Ridley Scott "1492, La Conquista del Paraíso". Pasados 34 años desde su estreno, la película sobre Colón no resiste muchos visionados (tampoco en su momento)... Pero su banda sonora ofrece mucho más de lo que se escucha en el film y, además, se disfruta mucho más en una escucha aislada. Como siempre en Vangelis, él veía el film, se inspiraba y componía la música, para luego dejar que los directores la ensamblaran en modo collage...Supongo que por eso Ridley Scott repitió con el, ya que siempre fue un director bastante meticuloso en la colocación y montaje de musicas que fiunciona mejor con autores mesnos convecionales. Estamos ante una banda sonora muy agradable y bella, fusionando el estilo electrónico, la orquesta y elementos musicales de la España de la reina Isabel. Es una buena combinación de la épica con sonidos orquestales grandiosos y elementos electrónicos sutiles y efectivos, logrando una banda sonora instrumental casi sin parangón.

La obra incluye, obviamente, sus melodías de piano más hermosas y ese toque especial para crear atmósferas magnéticas y únicas. Este CD fue en su tiempo un gran éxito y hoy en día (junto con *Chariots of Fire*) es una de sus obras más perdurables en el cine.

El álbum despliega un viaje sonoro que mezcla la grandeza orquestal con texturas electrónicas íntimas y evocadoras. Cada pista contribuye a retratar el asombro, la tensión y la melancolía del descubrimiento del Nuevo Mundo. los cortes que aparecen en el CD son también un vaije musical a lolargo del descubrimiento del nuevo contiente: Se abre el CD con "Opening ", un coro pseudo-latino, percusión marcial y sintetizadores ascendentes crean una sensación de triunfo y destino manifiesto. tema grandilocuente y ceremonial. Le sigue un corte sereno y contemplativo, con el que Vangelis"evoca la espiritualidad y la duda (""Monastery of La Rabida").Los toques e infleuncias de la muica hsipana aparecen en el corte titulado "Hispaniola" donmde la guitarra acústica que se entrelaza con un ritmo que remite a bulerías electrónicas., le sigue un tema típico para piano marca de la casa ("Moxica and the Horse") con una melodía sencilla, acompañada de cuerdas sintéticas y un bajo profundo. y una progresión  ascendente, hipnótica, muy característica de su creador.Para la parte final deja Vangelis dos cortes realmente potentes (no tanto "Twenty Eighth Parallel) me refiero a "City of Isabel" 

Un tema optimista,con sintetizadores brillantes y un ritmo constante evocan la fundación de la primera ciudad española en América...Aunque mi corte favorito de este estupendo albue es sin duda "Pinta, Niña, Santa Maria (Into Eternity)", un corte de trece minutos de duración y todo un viaje sonoro en sí mismo: comienza con cuerdas lentas y solitarias, luego añade capas de sintetizador, bajo pulsante y una melodía de piano repetitiva como un mantra. Sin estribillos ni explosiones, se expande gradualmente, sumergiendo en la inmensidad del océano y el paso del tiempo. Hipnótica, minimalista en desarrollo pero inmensa en su efecto emocional. Para muchos, lo mejor del disco.

En conjunto, el trabajo evita la grandilocuencia vacía que afectaría a trabajos posteriores de Vangelis. Cada tema cumple una función narrativa y emocional, y las influencias étnicas — españolas, caribeñas y medievales — se integran naturalmente en la paleta electrónica. La producción suena cálida y envolvente, con texturas analógicas y reverberaciones. Para quien quiera ir más allá del éxito radial, este álbum ofrece detalles que recompensan una escucha atenta. Una obra maestra de la música cinematográfica.

L,ARMATA BRANCALEONE (Carlo Rustichelli)

L, ARMATA BRANCALEONE (1967)
Music Composed By
CARLO RUSTICHELLI

 

 

 

 

Tracklist:

01. MARCIA DI BRANCALEONE (Titoli) E DOPO LA BATTAGLIA 2:54
02. COMBATTIMENTO 1:07
03. UN PREZIOSO BOTTINO 1:49
04. MARCIA DI BRANCALEONE (nr.2) 2:12
05. LA CITTA APPESTATA E CUCCURUCCU 1:40
06. LA DAMA MISTERIOSA 1:53
07. PIRULE (strani pellegrini) 2:33
08. BRANCALEONE E MATELDA (tema d’amore) 1:28
09. MARCIA DI BRANCALEONE (nr.3) 1:18
10. TEMA D’AMORE E BRANCALEONE PRIGIONIERO 3:09
11. CAVALCATA E TEMA D’AMORE 1:45
12. GLI ULTIMI DUCHI DI BISANZIO 1:12
13. BRANCALENE INCONTRA TEODORA 2:57
14. MARCIA DI BRANCALEONE (nr.4) 1:20
15. BRANCALEONE IN GABBIA E MARCIA DI BRANCALEONE (Finale) 1:25
film versions and alternates
16. MARCIA DI BRANCALEONE (Titoli) 2:16
17. L’ARMATA BRANCALEONE (il campo dei caduti) 3:17
18. COMBATTIMENTO (nr.2) 2:10
19. MARCIA DI BRANCALEONE (nr.5) 2:42
20. L’ARMATA BRANCALEONE (peste!) 1:58
21. CUCCURUCCU 1:27
22. PIRULE (strani pellegrini nr.2) 3:49
23. BRANCALEONE E MATELDA (tema d’amore nr.2) 2:09
24. BRANCALEONE E MATELDA (tema d’amore nr.3) 2:06
25. L’ARMATA BRANCALEONE (tema d?amore/A cavallo) 1:46
26. L’ARMATA BRANCALEONE (Bizantini/Incontro con Teodora) 4:33
27. MARCIA DI BRANCALEONE (nr.6) 1:39
28. MARCIA DI BRANCALEONE (nr.7) 3:42
29. L’ARMATA BRANCALEONE (Brancaleone prigioniero) 1:39
30. PIRULE (liberazione di Brancaleone e Marcia- Finale) 1:52
31. MARCIA DI BRANCALEONE (versione singolo Lato A) 1:33
32. CUCCURUCCU (versione singolo Lato B) 1:39
33. MARCIA DI BRANCALEONE (con la voce di Vittorio Gassman) 0:31



Ya tocaba escribir sobre esta obra magna de Carlo Rustichelli para la película "La Armada Brancaleone" ("L'armata Brancaleone"), dirigida por Mario Monicelli en 1967. Una película italiana protagonizada por Vittorio Gassman, Gian Maria Volonté, Enrico Maria Salerno, Catherine Spaak, Folco Lulli, Maria Grazia Buccella y Barbara Steele en los papeles principales, y que fue galardonada con tres premios Nastro d’Argento: Mejor fotografía, mejor vestuario y mejor música.

Magistral mezcolanza de comedia y cine histórico ambientada en la Italia medieval, la película sigue a un grupo de colgados y descerebrados encabezados por un caballero de pacotilla llamado Brancaleone —un inmenso Vittorio Gassman— que intenta llegar a un pueblo para tomar posesión de unas tierras. El filme, que acompaña el recorrido de esta troupe de pendencieros al ritmo de la grandiosa marcha compuesta por Rustichelli, supone sin duda una de las cumbres de Monicelli: una comedia hilarante, repleta de gags magistrales y de personajes tan grotescos como entrañables. Tuvo una secuela, rodada cuatro años después, no tan excelsa pero sí notable.

La banda sonora del maestro Rustichelli (Carpi, 24 de diciembre de 1916 – Roma, 13 de noviembre de 2004), fue dirigida por Bruno Nicolai y es uno de sus títulos más inolvidables, donde se nota su querencia por la música folclórica y de raíces populares. Posee un inolvidable motivo coral que constituye el corazón de toda la partitura. El compositor lo retoma en distintas versiones orquestales, unas veces cómicas y otras dramáticas, logrando convertir la épica medieval en una sátira musical llena de personalidad, es la famosa marcha de Brancaleone ("MARCIA DI BRANCALEONE") que combina fanfarrias heroicas con un aire torpe y grotesco que refleja perfectamente a ese grupo de caballeros hambrientos y desastrosos que protagoniza la película, además de contar con una letra pegadiza y divertida que se retiene para siempre: (“Branca, branca, branca-Leone, leone, leone-Lione al vento, stiam marciando-Noi siamo l’armata Brancaleone!”).  En el CD aparece en numerosas variaciones. También encontramos piezas más sombrías, construidas sobre percusiones secas y melodías austeras que evocan una Edad Media miserable, mientras que otros cortes recurren a coros burlones, danzas populares y ritmos casi carnavalescos para subrayar el tono cómico del filme en cortes como O “Pirulè”, el tema salmódico de los peregrinos, y “Cuccuruccù”, interpretado por una voz femenina acompañada por la mandolina... Una bso fabulosa en la que no faltan tampoco momentos inesperadamente líricos y melancólicos, que aportan humanidad a los personajes bajo toda la parodia. Rustichelli mezcla trompetas, tambores, flautas e instrumentos de sabor antiguo sin buscar fidelidad histórica, sino una sonoridad teatral y exagerada que termina convirtiéndo el trabajo no solo en una indiscutible obra maestra, sinó en una de las bandas sonoras más emblemáticas del cine italiano.

BUFFALO BILL,S WILD WEST SHOW (George Fenton)

BUFFALO BILL'S WILD WEST SHOW (1992)

Music Composed And Conducted By

GEORGE FENTON 

 

 

 

 

 

 

Tracklist:

Oh Susanna ........................................ 2:43
Auguste's Entrance .............................. 0:25
The Cavalcade and Maze ..................... 2:04
Buffalo Bill ........................................... 2:44
Annie Oakley (Little Missie) ............... 1:51
Chief Sitting Bull / Don Waboose .... 4:20
The Cattle Trail and Setting Up Camp ... 6:35
Dinner Time ............................................ 2:37
Sweet Betsy from Pike .......................... 2:22
Turkey in the Straw .............................. 2:00
Night to Day ........................................... 1:41
Waking Up .............................................. 2:04
The Buffalo Quest ................................ 2:41
Yankee Doodle ....................................... 2:27
The Opening of the Rodeo .................. 1:34
The Rodeo Games ................................ 4:31
The Medicine Ball Game ...................... 2:28
The Deadwood Stage ............................ 8:05
The Reward ............................................. 2:38
Home on the Range .............................. 2:15
The Final Review ................................... 1:44
Farewell to the West .............................. 7:02

Tal como comenté en la última entrada, tenía ganas de seguir reivindicando la figura de George Fenton y, para ello, en esta ocasión escribo sobre un curiosísimo CD que contiene la banda sonora no de una película, sino de un espectáculo para un parque temático. En este caso, se trata del show del Oeste de Euro Disney titulado “Buffalo Bill’s Wild West Show”, que, basado en el espectáculo original de 1895, fue retomado en el parque cercano a París con elementos modernizados, incluyendo música nueva compuesta por el maestro Fenton.

El show funcionó desde 1992 hasta 2020 (cerró con la pandemia) y recreaba la atmósfera del Oeste americano con toda su autenticidad. Escenas de la vida de los pioneros ilustraban temas como la caza del búfalo —actividad que le valió al coronel W. F. Cody su apodo de “Buffalo Bill”—, el Pony Express y el ataque a una diligencia y a una cabaña de pioneros por parte de los indígenas.

Editado por Walt Disney Records, el álbum recoge aproximadamente una hora de música concebida para acompañar en directo la recreación del mito del Salvaje Oeste, combinando composiciones originales con arreglos de melodías tradicionales americanas. Fenton construyó una partitura vibrante, colorista y muy narrativa, capaz de alternar momentos épicos —para escenas de acción como ataques a diligencias o exhibiciones ecuestres— con pasajes más líricos y evocadores que reflejan el espíritu pionero. La orquestación es rica y dinámica, con presencia destacada de metales, percusión y elementos folk que evocan la tradición musical estadounidense sin caer en clichés fáciles. Además, el compositor integra adaptaciones de canciones populares del imaginario del Oeste junto a temas completamente nuevos, logrando una continuidad musical que funciona casi como una suite sinfónica ligera. El resultado es una obra fresca, entretenida y técnicamente impecable, que demuestra la versatilidad de Fenton y su capacidad para dotar de identidad propia a un espectáculo temático.

El álbum, dedicado al espectáculo de Buffalo Bill, combina composiciones originales de George Fenton con melodías tradicionales del folklore estadounidense para recrear la atmósfera del Lejano Oeste, tales como “Sweet Betsy from Pike”, “Turkey in the Straw”, la patriótica “Yankee Doodle” y, en la parte final, “Home on the Range”, quizá la melodía más evocadora del folklore del Oeste. La música alterna constantemente entre piezas de acción, pasajes más tranquilos y adaptaciones de canciones populares que evocan el imaginario del western.

El disco se abre con “Oh Susanna”, uno de los temas folk más emblemáticos del Oeste, que establece inmediatamente el tono histórico y popular del conjunto. Como ya comenté, el CD alterna temas tradicionales con creaciones originales de Fenton. A esta introducción sigue “Auguste’s Entrance”, una breve fanfarria de carácter ceremonial que anuncia la aparición de uno de los personajes del espectáculo. A continuación llega uno de los highlights del CD: “The Cavalcade and Maze”, una pieza expansiva y dinámica que describe musicalmente el movimiento de caballos y el desfile de la troupe, convirtiéndose en uno de los pasajes más brillantes de la partitura. A continuación, “Buffalo Bill” introduce el motivo principal asociado al célebre showman, con un carácter heroico y representativo.

Posteriormente, la composición presenta el corte “Annie Oakley (Little Missie)”, con una música ligera y ágil que refleja la habilidad y rapidez de la famosa tiradora, mientras que “Chief Sitting Bull” adopta un tono más ceremonial y tradicional para acompañar la presencia del jefe indígena.

Le sigue “The Cattle Trail and Setting Up Camp”, que describe musicalmente la travesía y el establecimiento del campamento, combinando impulso narrativo con pasajes más descriptivos. Tras esta secuencia más movida, “Dinner Time” introduce una pausa tranquila que refleja la vida cotidiana del campamento. Entre los momentos más atmosféricos destacan “Night to Day” y “Waking Up”, que describen musicalmente la transición de la noche al amanecer y el despertar en el campamento con un tono más reposado.

El CD presenta también cortes de aire aventurero como “The Buffalo Quest”, mientras que “The Opening of the Rodeo” y “The Rodeo Games” introducen música rítmica y llena de energía, acompañando los números de rodeo. También en esa línea ligera y animada se sitúa “The Medicine Ball Game”. “The Deadwood Stage”, una de las piezas más largas del disco, adopta un carácter narrativo que acompaña el viaje en diligencia, mientras que “The Reward” sugiere el momento de resolución tras la aventura. Hacia el final llega “The Final Review”  una recapitulación ceremonial del espectáculo, mientras que “Farewell to the West” cierra el álbum con un aire de despedida que subraya la dimensión legendaria del mito de Buffalo Bill.

Un disco que destaca por su eficaz mezcla de música original y canciones tradicionales, alternando momentos de acción, pasajes contemplativos y melodías populares para recrear con eficacia el espíritu del espectáculo del Oeste americano.

Hoy en día, el CD es una pieza apreciada por coleccionistas y aficionados a las bandas sonoras poco convencionales, no solo por su rareza, sino también por la calidad musical que encierra.

Agradecimientos especiales a Jordi (Coque) Cano.

THE YAKUZA (Dave Grusin)

THE YAKUZA (1974)

Music Composed And Conducted By 

DAVE GRUSIN

Tracklist:



1) Prologue 2:42
2) Main Title 3:16
3) Samurai Source 2:02
4) Tokyo Return 1:26
5) Scrapbook Montage/Scrapbook Epilogue 2:10
6) Kendo Sword Ritual/Alter Ego/Night Rescue/Amputation/Amputation (alternate) 3:16
7) Man Who Never Smiles 1:48
8) Tanner to Tono/Tono Bridge/The Bath 2:26
9) Girl and Tea 1:32
10) Pavane 1:09
11) Get Tanner 1:38
12) Breather/Final Assault 4:41
13) The Big Fight 5:50
14) No Secrets 1:31
15) Sayonara 2:00
16) Apologies 2:08
17) Bows/End Title (Coda) 1:41
18) Shine On 9:44
19) Bluesy Combo 6:18
20) Year Montage/Scrapbook Montage (film mix) 4:58
21) End Title (film version) 1:08
22) Only the Wind 2:49

La revisión de esta extraordinaria película hace poco me ha llevado a reescuchar esta maravillosa banda sonora compuesta por Dave Grusin en 1974. Un trabajo mayúsculo en el que Grusin combinó con maestría elementos de jazz y música tradicional japonesa, creando una atmósfera única y profundamente emotiva. Todo ello en sintonía con el tono sobrio, introspectivo y melancólico del film, un clásico del cine policíaco de los años 70 y probablemente la obra maestra de Sidney Pollack en unos años en los que estuvo especialmente inspirado. Estamos ante un título mayor que conjuga el exotismo cultural con una profunda melancolía moral. Con una trama tristona, escrita por Robert Towne y Paul Schrader, narra el regreso de un expolicía estadounidense a Japón para saldar una deuda de honor y reencontrarse con un amor del pasado. Pollack filma con elegancia y contención, equilibrando la acción (poca pero intensa) con un tono crepuscular al que ayudan Robert Mitchum y Ken Takakura en estado de gracia. La película se encamina hacia un último acto de gran intensidad emocional y formal —impulsado por la maravillosa banda sonora de Dave Grusin— para cristalizar la idea de la redención a través del sacrificio.

Siendo esta la primera de sus numerosas colaboraciones con Pollack, el compositor desarrolló una partitura de precisión atmosférica, a menudo minimalista, rica en orquestaciones imaginativas y en un uso ingenioso de la instrumentación nipona. Campanas, carillones, tambores y percusiones afinadas conforman un universo sonoro sin precedentes en Hollywood por su intento de recrear la esencia musical japonesa.

El CD se abre, obviamente, con el inolvidable “Prologue”, una obertura en la que las percusiones marcan un tono misterioso y exótico, seguida del “Main Title”, tema principal que condensa la esencia de la historia, una melodía inolvidable utilizada en varias ocasiones, incluida una curiosa versión cantada en japonés que aparece en un momento del film (“Only The Wind”, el corte final del CD). Otros cortes destacables y memorables de la grabación son “Samurai Source”, evocación de la tradición y el espíritu samurái; “Tokyo Return”, retrato sonoro de la ciudad de Tokio; “20 Year Montage”, donde vuelve a utilizarse el tema principal en una orquestación que acentúa la nostálgica relación entre Mitchum y la mujer japonesa; así como “Shine On”, otro tema emotivo que resalta la conexión entre los personajes. También encontramos música de suspense y acción, en la que Grusin adopta un planteamiento más cercano al de coetáneos suyos como Goldsmith o Fielding, en cortes como el genial “Breather/Final Assault”. Aun así, no olvida remarcar el tono exótico con el uso del shakuhachi en “The Big Fight”, siendo además un adelantado al James Horner que tanto recurriría a ese instrumento una década más tarde. 

En definitiva, estamos ante una joya mayor en la carrera del autor de On Golden Pond y una pieza imprescindible en cualquier colección de música de cine que se precie.

CLEOPATRA (Trevor Jones)

 

CLEOPATRA (1999)

Music Composed By TREVOR JONES

Conducted By

GEOFFREY ALEXANDER

Tracklist;


1 Cleopatra      3:20
2 Egypt Is Yours For Only One Day      6:08
3 The Tomb Of Kings 6:56
4 Rome Decrees 8:28
5 The Roman Forum 6:47
6 The Eye Of Horus 5:08
7 Temple Of The Sun 4:45
8 Prayer To Isis 4:02
9 To Speed You On Your Way 2:33
10 In The Eyes Of The Gods We Are One 6:56

Creo que esta es la primera vez que comento una banda sonora de Trevor Jones en el blog (¡ya era hora!), y lo hago con una obra que confirma el talento de uno de esos maestros musicales que, tras ser muy solicitados durante las décadas de los 80 y 90, ha caído prácticamente en el olvido dentro de una industria que ya no parece interesada en el sinfonismo orquestal. Una auténtica lástima.

Para Cleopatra, Trevor Jones compuso una partitura memorable que, de algún modo, seguía la estela de los títulos que le otorgaron éxito en los años anteriores (como The Last of the Mohicans en 1992 o Cliffhanger en 1993). Su tema principal se basa en una melodía poderosa y exuberante, muy “marca de la casa”. Es una composición que introduce elementos más modernos —incluso étnicos—, pero que sigue siendo muy respetuosa con el clasicismo de autores como Miklós Rózsa o Alex North. (Poco después llegaría Hans Zimmer con Gladiator para dinamitar el sinfonismo clásico y, de paso, clavar la primera estaca en la música de cine tradicional).

El CD fue editado de forma más o menos promocional por el propio Trevor Jones, en una época en la que comenzó a publicar sus obras por cuenta propia. La estructura de la partitura es sencilla y gira principalmente en torno al tema principal, titulado precisamente “Cleopatra”, que funciona tanto como obertura como cierre del álbum. Este tema se retoma en varias piezas clave —como “To Speed You on Your Way” e “In the Eyes of the Gods We’re One”— y constituye el eje central de la obra.

En este bloque temático se entrelazan elementos semíticos y motivos propios de la Roma clásica, otorgando a la música una notable riqueza cultural y sonora. La voz solista femenina de Belinda Sykes aporta un color árabe muy distintivo, especialmente en piezas como “Egypt Is Yours for Only One Day”. La cantante también interpreta la chirimía, un instrumento de viento tradicional egipcio que confiere una personalidad única a la partitura, por ejemplo en el corte “The Eye of Horus”.

También destaca un subtema presentado en “The Tomb of Kings”, que actúa como un pariente lejano del tema principal y ofrece una atmósfera inquietante apoyada por sutiles elementos electrónicos. La percusión —humilde pero constante— conduce hacia un cierre elegante y evocador.

La música asociada a Roma, aunque algo predecible en su lenguaje, está bien construida: fanfarrias de trompeta, ritmos marciales, redobles, timbales y cuerdas graves evocan la brutalidad del Imperio. Piezas como “Rome Decrees” y “The Roman Forum” recuerdan la energía salvaje de los metales que Jones empleó en Dark City, generando momentos de gran intensidad.

Otro aspecto notable es la integración de elementos electrónicos —especialmente teclados y efectos— que Jones introduce con mucha delicadeza, logrando una fusión muy equilibrada, visible en cortes como “Egypt Is Yours for Only One Day” o “Temple of the Sun”, donde orquesta y electrónica se presentan perfectamente compenetradas. Esta dualidad, moderna y a la vez clásica, es una de las grandes virtudes de la obra: Trevor Jones alterna con habilidad entre la orquesta tradicional y los instrumentos típicos del antiguo Egipto, creando una banda sonora tan sólida como evocadora.

NOTRE DAME DE PARIS: THE MUSIC OF MAURICE JARRE (Maurice Jarre)

 

NOTRE DAME DE PARIS

Music Composed By

MAURICE JARRE

The City of Prague Philharmonic Orchestra & Chorus

Conducted by
NIC RAINE













Tracklist:
CD 1:
World Premiere Recording
Symphonic Dances from NOTRE DAME DE PARIS
1.Prelude 2:13
2.Fête de fous (The Feast of Fools) 3:22
3.Grimace de Quasimodo (Entrance of Quasimodo) 2:01
4.Marche du roi – Le Tour de la ville (The King’s March) 2:35
5.La Belle et la Bête – Pas de deux (Beauty and the Beast) 5:46
6.La Cour des miracles (The Court of Miracles) 6:16

Maurice Jarre and the Orient Suite
7.TAI PAN – Overture 5:40
8.SHOGUN – Mariko’s Theme 3:36
9.SHOGUN – Tea and Jealousy 5:28
10.THE PALANQUIN OF TEARS 2:47

World Premiere Recording
THE MESSAGE – Concert Suite
11.The Declaration 2:09
12.The Hegira and Expulsion 2:57
13. Building the First Mosque 2:31
14.The Prayer and The Spread of Islam 4:41
15.Entry into Mecca 2:22

World Premiere Recording
THE BLACK MARBLE
16. True Romance (Dark Eyes) and End Titles 5:41

TT: 60:13

CD 2
A PASSAGE TO INDIA
1.Bombay March 2:34

THE PRINCE AND THE PAUPER (CROSSED SWORDS)
2.Main Title and The Prince and The Pauper 5:30

MOURIR A MADRID
3.To Die in Madrid 4:47

BEHOLD A PALE HORSE
4.Spain Regained 3:26
5.March from Behold a Pale Horse 2:52

World Premiere Recording
THE COLLECTOR – Concert Suite
6.The Collector / The Catch / End Titles Music 7:41

A WALK IN THE CLOUDS
7.The Harvest 2:56

World Premiere Recording
UPRISING – Concert Suite
8.Out of the Sewers / Uprising / I Am Lucky 8:00

POPE JOAN
9.Overture 4:18

World Premiere Recording
TWO BITS (unused score)
10.Two Bits 3:26

THE NIGHT OF THE GENERALS
11.Lieutenant General Tanz / On the Terrace at Versailles 4:01

THE BRIDE
12.THE BRIDE 4:40 PLAY

GIUBELIO – Cantata for Orchestra & Chorus
13.Heri (Yesterday) 4:05
14.Hodie (Today) 4:01
15.Semper (Always) 4:05

TT: 66:32



El genio francés Maurice Jarre regresa a nuestro blog, en esta ocasión con una regrabación que el sello Tadlow nos regaló hace unos años. Lamentablemente, este tipo de proyectos ya no se realizan con tanta frecuencia.

El propósito de este CD era rescatar al Maurice Jarre de los inicios de su carrera, una época en la que compuso una gran cantidad de música para teatro, conciertos y obras de cámara. Tres años después de su gran éxito con Lawrence de Arabia, en 1965, presentó la música para la producción de ballet Notre-Dame de Paris, de Roland Petit, basada en la obra de Victor Hugo. Este ballet es una de las composiciones más ambiciosas de Jarre, pero debido a sus grandes requerimientos orquestales y corales, rara vez se interpreta en su totalidad.

Este álbum de Tadlow incluye una suite de 22 minutos, con la que abre el primer CD. Se compone de seis movimientos basados en las danzas sinfónicas, destacando los momentos más memorables de la obra. La pieza es un testimonio del talento de Jarre y muestra una gran variedad de estilos, que incluyen pasajes vanguardistas y el dramatismo que caracteriza su trabajo cinematográfico.

La suite comienza con una apertura solemne en el "Prelude", donde el sonido de una campana de catedral marca el inicio. El siguiente movimiento, "Fête de fous", tiene un carácter agresivo, con una percusión sobresaliente. En el encantador "La Belle et la Bête – Pas de deux", la pieza ofrece una delicada y romántica danza para Quasimodo, muy típica del autor de Doctor Zhivago. El clímax dramático de la obra aparece en el corte "La Cour des miracles", un crescendo de tensión y belleza que demuestra la grandeza creativa de Jarre, quien en esos años se encontraba en pleno esplendor artístico.

El resto del primer CD está dedicado a obras memorables del autor, específicamente piezas relacionadas con Oriente, de ahí el título "Maurice Jarre and the Orient Suite". La colección de temas comienza con la obertura de Tai-Pan, una de sus obras maestras indiscutibles de la maravillosa década de los ochenta, la cual exhibe una grandiosidad única en su trabajo. De la serie televisiva Shogun aparecen dos temas: el delicado "Mariko’s Theme" y "Tea and Jealousy". La suite culmina con el tema final de The Palaquin of Tears, una pieza romántica y exótica, ambientada en un contexto chino. En todas estas piezas se aprecia el talento del compositor para incorporar instrumentos exóticos y percusión tradicional, dándole un matiz auténtico al conjunto.

Le sigue su nominación al Óscar en 1977 por Mahoma, el mensajero de Dios (The Message), la ambiciosa película sobre el profeta Mahoma. Jarre fue seleccionado por su prestigio y el éxito de Lawrence de Arabia, pero en este trabajo la música de Jarre, excepcional, fue más allá, logrando una fusión del estilo sinfónico occidental con elementos auténticos árabes y obteniendo resultados insuperables.

El disco uno concluye con otra grabación inédita: Una suite corta de The Black Marble, una comedia de 1980 (no la conozco) para la que compuso una bonita danza de vals.

El segundo CD presenta una serie de composiciones que varían enormemente en estilo y tono. Se abre con el famoso "Bombay March" de A Passage to India, seguido por el tema principal de The Prince and the Pauper, con su leitmotiv vibrante, expansivo y maravilloso. También hay espacio para el lado más sutil e intimista de Jarre en dos cortes relacionados con la Guerra Civil Española: Mourir à Madrid, con su sutil tema de guitarras, y Behold a Pale Horse, una pieza tan sencilla como evocadora y elegante.

Más adelante encontramos el tema principal de The Collector, otra pieza maravillosa del maestro. Otros cortes memorables que se incluyen son la obertura de Pope Joan, con una melodía majestuosa y un toque litúrgico que realza la seriedad del tema, así como las composiciones de The Night of the Generals, The Bride, "The Harvest" de A Walk in the Clouds o el sombrío tema de Uprising, la última película para la que Jarre compuso.

Finalmente, Giubelio cierra el álbum con tres piezas encargadas por el Vaticano en el año 2000. Curiosamente, algunas de las piezas ya habían sido compuestas por Jarre para la película de ciencia ficción Solar Crisis, aunque esto no le resta espectacularidad a una obra que explora los contrastes entre la luz y la oscuridad.

En resumen: Este es un álbum sobresaliente, al que tenia ganas de volver y reivindicar, no solo por la reveladora suite de ballet, sino también por las diversas suites y temas de películas que permiten apreciar la amplitud y la riqueza de la música de Jarre.

SPY KIDS (Robert Rodriguez, John Debney, Danny Elfman,Gavin Greenaway, Heitor Pereira / Harry Gregson Williams)

 

SPY KIDS (2001)

Music Composed And Conducted By

ROBERT RODRIGUEZ,

 JOHN DEBNEY, 

DANNY ELFMAN, 

GAVIN GREENAWAY,

 HEITOR PEREIRA,

 HARRY GREGSON-WILLIAMS



Tracklist:

1) Gavin Greenaway / Heitor Pereira / Harry Gregson Williams – Cortez Family (01:39)

2) Danny Elfman – My Parents Are Spies (02:09)
3)  Los Lobos & Rodriguez, Robert – Spy Wedding (02:11)
4) Debney, John / Rodriguez, Robert / Rodriguez, Marcel – Spy Kids Demonstration (01:07)
5) Debney, John / Elfman, Danny / Greenaway, Gavin / Pereira, Heitor – Parents On Mission (01:17)
6) Greenaway, Gavin / Pereira, Heitor – Kids Escape House (03:14)

7) John Debney / Danny Elfman / Harry Gregson Williams – Pod Chase (01:38)
8) Debney, John & Elfman, Danny – The Safehouse (00:47)
9) Debney, John / Rodriguez, Robert / Rodriguez, Marcel – The Third Brain (01:00)
10) Danny Elfman – Buddy Pack Escape (01:39)
11) Robert Rodrigurez,David Garza & Tito Puente – Oye Como Spy (02:59)
12) Danny Elfman – Floop’s Song (Cruel World) (00:59)
13) Greenaway, Gavin / Pereira, Heitor / Rodriguez, Robert / Rodriguez, Marcel – Spy Go Round (02:11)
14) Boardman, Chris / Greenaway, Gavin / Pereira, Heitor / Rodriguez, Robert – Minion (01:03)
15) Danny Elfman – Sneaking Around Machetes (00:36)
16) Debney, John & Elfman, Danny – The Spy Plane (01:29)
17) Chris Boardman – Floop’s Castle (01:29)
18) Harry Gregson-Williams – Final Family Theme (01:44)
19) Fonda – Spy Kids (Save The World) (02:20)

Hace años que quería escribir sobre la bso de esta película, que fue (y sigue siendo) una de las propuestas más divertidas de Robert Rodríguez en toda su filmografía. Spy Kids lograba fusionar una temática dirigida a niños con un homenaje a las películas de agentes secretos. Marcó el inicio de una curiosa tetralogía que Rodríguez, un director multifacético capaz de lo mejor y lo peor, que en esta ocasión pensó y diseñó un film para un público infantil que se hace muy ameno también para el espectador adulto.

Rodríguez, además de director, siempre ha demostrado ser un hombre orquesta que maneja muchas facetas del cine. Para este proyecto, decidió componer parte de la música por sí mismo, con la colaboración de varios compositores que aportaron su grano de arena. Lo más curioso es que, tanto en la película como en el estupendo CD de la banda sonora, la música resulta tan vibrante, ecléctica y llena de energía como la propia película. Además, tiene una unidad y coherencia sorprendentes, considerando que hasta seis compositores trabajaron en ella. Esta armonía sonora refuerza el espíritu lúdico y aventurero del film. También hay que señalar que algunos de ellos, especialmente John  Debney volverían a repetir experiencia con Rodríguez en las secuelas y en otras producciones de director.

Desde el primer instante, estamos ante un remix musical con una mezcla contagiosa de estilos, en primer logar temas de aire "Espionaje" de toda la vida (como un cruce entre John Barry y Lalo Schifrin) con acción trepidante en pistas como "Pod Chase" o "Parents on Mission", con orquestaciones ágiles y ritmos intensos, hasta pasajes más íntimos o cómicos que muestran la versatilidad de los compositores. La capacidad de este grupo de músicos para mantener una identidad sonora cohesiva, a pesar de la intervención de varios autores, es notable. Hay claras influencias del universo sonoro de Danny Elfman, especialmente en temas como "My Parents Are Spies" o "Floop's Song (Cruel World)", donde su toque orquestal y peculiar, con elementos excéntricos, es inconfundible. Estas piezas capturan perfectamente el encanto del villano Floop y la atmósfera de fantasía y peligro que rodea a los Cortez. También existe una enorme influencia latina en temas como "Cortez Family" o "Oye Como Spy" (una ingeniosa adaptación del clásico de Tito Puente "Oye Como Va", interpretada por Los Lobos junto a Robert Rodríguez y David Garza), canciones que ambientan la herencia cultural de los protagonistas y añaden un ritmo/ vitalidad esenciales para el dinamismo de la película...En un álbum divertido,  que funciona tanto dentro como fuera de la pantalla y que demuestra que a veces, el trabajo en conjunto, puede dar grandes resultados.

EXODUS (Ernest Gold)

 

EXODUS  (1960)

Music Composed By ERNEST GOLD

Conducted By NIC RAINE

Tracklist:

CD 1)

01. Prelude (2:42)
02. Summer in Cyprus (1:55)
03. Escape / The General (2:06)
04. Ari (3:49)
05. On the Beach* (2:06)
06. The Tent – Karen / Lorries / The Convoy* (4:13)
07. The Star of David* (0:40)
08. Odenheim’s Death / Karen’s Story *(4:02)
09. Approaching Haifa / The Oath* (3:03)
10. Kitty *(2:02)
11. Akiva’s Hideout (1:41)
12. Love is Where You Find It / The Valley of Jezreel * (6:08)
13. Yad El / He is Dead* (2:26)
14. Goodbye / Intermission Music – Fight for Survival (2:44)
15. Karen’s Father (In Jerusalem) ((3:51)
16. Akiva’s Arrest* (3:21)
17. Execution Chamber / Don’t Let My Brother Die* (1:36)
18. Acre Prison / The Chess Game (Conspiracy)* (5:41)
19. D-Day / The Bombs (Prison Break)* (7:43)

CD 2)

01. The Arsenal* (1:26)
02. The Operation *(1:47)
03. Children on the Hill* (2:04)
04. Dawn / Finale – The Fight for Peace (6:45)
05. Exit Music - Hatikvah (3:30)
06. EXODUS – This Land is Mine (Lyrics by Pat Boone) (2:20)

BONUS TRACKS
07. IT’S A MAD, MAD, MAD, MAD WORLD - Exit Music (2:06)
08. SHIP OF FOOLS = Candlelight and Silver Waltz (5:11)
09. JUDITH – Main Title Music - Sol Kaplan (4:09)

Suite from QB VII Composed by Jerry Goldsmith
10. Main Title (2:02)
11. The Holocaust (2:52)
12. Visit to the Sheikh (2:14)
13. The Wailing Wall (3:15)
14. Kaddish for the Six Million (3:20)

SCHINDLER’S LIST - John Williams
15. Schindler’s List (4:18)
16. Remembrances (5:55)

17. CAST A GIANT SHADOW – Prelude - Elmer Bernstein (3:00)
18. CAST A GIANT SHADOW – Land of Hope - Elmer Bernstein (3:21)
19. EXODUS - Rhapsody for Cello and Orchestra (6:56)
20. EXODUS – Concert Overture (4:28)

Parece mentira, pero en todos estos años no había abordado nada del gran Ernest Gold. Por eso, creo apropiado reivindicar esta regrabación de su obra más conocida: Exodus, la película dirigida por Otto Preminger que lo catapultó al estrellato musical, a pesar de que ya llevaba muchos años "picando piedra" en Hollywood.

Nacido como Ernst Gold en Viena, Austria (13 de julio de 1921 – Santa Mónica, California, 17 de marzo de 1999), fue un compositor austriaco naturalizado estadounidense. Compuso cerca de un centenar de partituras originales para cine y televisión entre 1945 y 1992, además de un musical para Broadway en 1968: I'm Solomon (Soy Salomón). También incursionó en la música clásica, con piezas como un concierto para piano, un cuarteto de cuerdas y una sonata para piano.

El doble CD que nos ocupa representa la mejor y más completa versión de la banda sonora de Exodus, que ganó el Óscar y, en 1961, el Grammy a la "Canción del Año".

La música regrabada, al presentarse en su totalidad, resulta una auténtica revelación. Más allá del célebre tema principal, el resto de la partitura había recibido escasa atención en grabaciones anteriores, y su calidad solía sonar discreta. Además, gran parte de la música fue recortada o directamente eliminada en el montaje final de la película. Esta edición nos permite disfrutar de una partitura magistral y muy variada, que el sello Tadlow regrabó con precisión y respeto.

El compacto se abre con el "Prelude", que introduce el inolvidable tema principal de Gold: una melodía mítica que musicaliza el viaje a la "tierra prometida". Es uno de los temas más conocidos y grabados de la historia del cine, y aquí recupera todo su esplendor en una versión robusta y noble. Este leitmotiv aparece también en otras variaciones y arreglos como "Ari" y "Akiva´s Hideout" o en "The Valley of Jezreel" donde recibe un desarrollo más extenso.

Gold no se limitó al tema principal. Compuso también una delicada melodía titulada Karen, que aparece por primera vez en "The Tent" interpretada por un acordeón solista, y que luego retoma toda la orquesta. Este leitmotiv también se emplea con gran sensibilidad en "Karen’s Father". Por otro lado, Gold demuestra su habilidad para el dramatismo con pasajes orquestales intensos como "The Bombs" o "The Conspiracy".

Dado que se trataba de una superproducción de larga duración, la grabación incluye los cortes correspondientes al intermedio (Intermission) y a la salida de sala (Exit Music). Incluso en esta banda sonora de tono tan épico hay espacio para piezas más ligeras, como Kitty, de aire lounge, que aporta frescura y contraste al conjunto. La partitura, profundamente emotiva, también refleja una esencia judía a través del uso de escalas y armonías características de la música hebrea.

Como es habitual en Tadlow, el CD doble incluye generosos bonus. En este caso, se suman piezas adicionales de Ernest Gold, como dos cortes de sus emblemáticas "It’s a Mad, Mad, Mad, Mad World" y "Ship of Fools". También se presentan selecciones de películas con una temática similar, como "Judith" de Sol Kaplan, una magnífica suite de "QB VII" (con música de Jerry Goldsmith), la mítica "Schindler’s List" de John Williams, e incluso un corte de Elmer Bernstein con espíritu judío: Cast a Giant Shadow. Todo esto convierte a este doble compacto en una edición de gran valor musical y cultural.

El cierre perfecto llega con un regreso a la música de Gold para Exodus, incluyendo la excelente "Rapsodia para violonchelo y orquesta" y la "Obertura de concierto", ambas desarrolladas a partir de su partitura original.

MY LIFE IN MUSIC (Lalo Schifrin)

 

MY LIFE IN MUSIC (2012)

Music Composed And Conducted By 

LALO SCHIFRIN

Tracklist:

CD1)

1 'Enter the Dragon' Main Title
2 Samba Para Dos from 'Bossa Nova Groove'
3 'The Fox' Main Title
4 Eagle Falls in Love from 'The Eagle Has Landed'
5 Transporting Rhino from 'Rhino!'
6 'Fast Walking' Main Title
7 Burning Bridges from 'Kelly's Heroes'
8 Invisible City
9 'Dirty Harry' Main Title
10 New Orleans Procession from 'The Cincinnati Kid'
11 'Caveman' End Title
12 There Is Something Out There from 'Abominable'
13 'Cool Hand Luke' Main Title
14 'Telefon' Main Title
15 The Pier, the Bridge and the City from 'The Dead Pool'
16 Love Poem for Donna
17 Bank Robbery from 'Charley Varrick'
18 'Bullitt' Main Title
19 'Coogan's Bluff' Main Title
20 'Rush Hour' Main Title


CD 2)

1 'Joe Kidd' Main Title
2 Tar Sequence from 'Cool Hand Luke'
3 The Face of Love from 'The Osterman Weekend'
4 Calliope of Death from 'Rollercoaster'5 All for the Love of Sunshine from 'Kelly's Heroes'
6 Venice After Dark from 'The Venetian Affair'
7 Scorpio's View from 'Dirty Harry'
8 The Statue of Liberty March
9 'Brubaker' Theme
10 'The Cincinnati Kid' Instrumental Theme
11 The Miracle from 'Something to Believe In'
12 Amputation Aftermath from 'The Beguiled'
13 Che from 'Che!'
14 El Dorado
15 'Sudden Impact' Main Title
16 Pablito/Guitarra/Padre Van Horne from 'The Wrath of God'
17 'Magnum Force' Main Title
18 'The Amityville Horror' Main Title
19 Take Me to Ringerman from 'Coogan's Bluff'
20 Justine
21 The Plot from 'Mission: Impossible'

CD3)

1 The Cincinnati Kid (Vocals from Ray Charles)
2 Arletta Blues from 'Cool Hand Luke'
3 'Les Felins' Main Title
4 'The Fourth Protocol' Main Title
5 The Forces of Darkness
6 Finding McB from 'The Beguiled'
7 'Mannix' Theme
8 Ice Pick Mike from 'Bullitt'
9 Bach to the Blues
10 'Magnum Force' Main Title
11 Tango Del Atardecer
12 Chama from 'Joe Kidd'
13 Movement from String Quartette from 'Rollercoaster'
14 Summer Dance
15 My Lord Don Quixote/End Title
16 'Rage' End Title
17 'Enter the Dragon' Main Title
18 Tema D'amore from 'La Pelle'
19 Last of the Independents from 'Charley Varrick'
20 Robbery Suspect from 'Sudden Impact'
21 'Rush Hour' Main Title


CD 4)
1 Suite - Concorde: Airport 79
2 Paraphrase
3 Panamericana
4 Once a Thief
5 Resonances
6 Montuno
7 People Alone from 'The Competition'
8 Intersections
9 Agnus Dei
10 Toccata
11 Mission: Impossible

El deceso muy reciente del irremplazable compositor Lalo Schifrin me ha obligado a alterar el orden previsto en el blog, por lo que adelanto esta entrada para rendirle homenaje póstumo. Con su muerte desaparece otra figura legendaria de la música de cine, totalmente única e irremplazable, que en mi caso tuve el privilegio de conocer personalmente.

Lalo Schifrin nació en Buenos Aires, Argentina, el 21 de junio de 1932, y se interesó por la música gracias a su padre, quien fue concertino de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires durante más de 30 años. Animado por su padre, violinista sinfónico, Lalo comenzó a tocar el piano a los 6 años y su primer maestro fue Enrique Barenboim, padre del pianista y director de orquesta Daniel Barenboim. Cursó la secundaria en el Colegio Nacional de Buenos Aires. En 1952, viajó a Francia para estudiar en el Conservatorio de París y participó de la vida jazzística nocturna parisina.

Tras regresar a Buenos Aires, Schifrin formó una big band. En 1956, conoció al trompetista Dizzy Gillespie, que venía acompañado de Quincy Jones; ambos compartieron un encuentro fortuito en el que improvisaron junto a Schifrin y su joven amigo Astor Piazzolla.

Schifrin fue pianista del quinteto de Dizzy Gillespie desde 1960 hasta 1962, tras ser descubierto en Buenos Aires, mudándose a Nueva York en 1958.

Aunque permaneció con Gillespie durante un período relativamente corto, contribuyó con dos piezas importantes a su repertorio: "Gillespiana", un retrato notable del trompetista en una suite de cinco movimientos, y "The New Continent", una suite de tres movimientos grabada en 1962.

Tras ese periodo y sin abandonar el jazz, Schifrin empezó a hacerse un nombre como compositor de televisión y cine, eternamente conocido por su tema para "Misión: Imposible". También fue el creador de las bandas sonoras de películas icónicas como "Cool Hand Luke" (1967), "The Fox" (1968) y "The Amityville Horror" (1979). Aunque no se puede negar que "Harry el sucio" (1971) y "Bullitt" (1968) lo convirtieron en un ícono del cine de acción, al menos en lo que respecta a la música.

El maestro ganó un Grammy por "Mission Impossible", así como un Grammy Latino. Además, recibió un merecido Oscar honorífico a su carrera en 2018, tras un total de seis nominaciones.

Con su muerte tan cercana, ¿qué mejor homenaje a su obra completa que este cuádruple recopilatorio de su trabajo, editado en 2012 por su propio sello Aleph Records? Este álbum celebraba el octogésimo aniversario del maestro y su maestría en el cine, la televisión, el jazz y, en definitiva, en el universo de la música total. Son cuatro CDs y 73 pistas, que sirven como una muestra (muy certera) de la obra completa de Schifrin, en una selección inteligente de sus composiciones.

No voy a citar disco por disco, porque realmente es una fiesta, pero obviamente encontramos cortes de su emblemáticas "Mission Impossible", "Bullitt", "Dirty Harry" "Kelly´s Heroes" o "Enter The Dragon". Incluso sus más recientes entonces  (ahora ya no tanto) "Rush Hour" o "Abominable". Asimismo, hay un buen balance entre obras menos conocidas que merecen igual reconocimiento, tales como la suite sinfónica de "Concorde: Airport 79", un bloque sublime de su primer film americano "Rhino" ("Transporting Rhino from 'Rhino!'") o el tema del robo del banco de "La gran estafa" ("Bank Robbery from 'Charley Varrick'").

Y entre lo más conocido, obviamente, también encontramos a Ray Charles cantando en el dinámico/mítico tema de "The Cincinnati Kid", su canción nominada al Oscar por "The Competition" ("People Alone"), el tema principal de su memorable "The Amityville Horror", un corte genial ("Tar Sequence") para "La leyenda del indomable" ("Cool Hand Luke"), un tema de raíces españolas maravillosas para su excelente composición para Don Quijote, producida por Emiliano Piedra ("My Lord Don Quixote/End Title"), la música extrañamente suave para "Brubaker" de Robert Redford, y también un montón de piezas de corte sinfónico y jazzístico hechas para la sala de conciertos, tales como "Toccata", de "Gillespiana" y "Panamericana" de su suite "Gillespiana", o el "Resonances" de su ambiciosa obra "Esperanto". Añado su memorable tema para conmemorar la Estatua de la Libertad ("The Statue of Liberty March")… Además de su "Montuno" de su suite "Latin Jazz", el expresivo "Tango del Atardecer" de "Letters from Argentina"… Podría seguir escribiendo mucho más, pero lo mejor es escuchar y unirse a una fiesta Schifriniana para conmemorar un legado ,irrepetible, de otro Dios de la música de cine que nos deja.

THE DA VINCI CODE (Hans Zimmer)

 

THE DA VINCI CODE (2006)

Music Composed By 

HANS ZIMMER

"Kyrie for the Magdalene", 

Composed By

RICHARD HARVEY

Tracklist:

1) Dies Mercurii I Martius
2) L'Esprit Des Gabriel
3) The Paschal Spiral
4) Fructus Gravis
5) Ad Arcana
6) Malleus Maleficarum
7) Salvete Virgines
8) Daniel's 9th Cipher
9) Poisoned Chalice
10) The Citrine Cross
11) Rose Of Arimathea
12) Beneath Alrischa
13) Chevaliers De Sangreal
14) Kyrie For The Magdalene - Various Artists

Hacía tiempo que no compartía en el blog una banda sonora de Hans Zimmer, y hoy quiero rescatar una auténtica joya de 2006: la música de The Da Vinci Code. Esta obra juega un papel crucial en la atmósfera de misterio y suspense de la —irregular— película dirigida por Ron Howard. Sin duda, es uno de los puntos más destacados del film, con una composición solemne y enigmática que combina cuerdas, metales y percusión de manera magistral.

Aunque la base es orquestal, Zimmer introduce efectos electrónicos y modernos que refuerzan la conexión entre lo antiguo y lo contemporáneo. Todo el álbum ofrece una experiencia envolvente, en la que el compositor recurre a elementos característicos de su estilo, como el violonchelo de Martin Tillman y el violín de Hugh Marsh, para enriquecer las texturas sonoras.

La dirección coral, a cargo de Nick Glennie-Smith y Gregson-Williams, cobra especial relevancia en las escenas de acción y revelación, donde la música intensifica la conexión entre pasado y presente. Los cortes musicales suelen ser largos y presentan una unidad estilística muy notable.

El tema principal, The Da Vinci Code, establece un tono inquietante que impregna toda la película, mientras que piezas como Chevaliers de Sangreal alcanzan un clímax emocional que refleja a la perfección la resolución del misterio. El uso del coro añade una dimensión religiosa y ancestral en cortes magníficos como Salvete Virgines o Rose of Arimathea, otorgando una conexión profunda con el misterio de la trama. Incluso Zimmer plantea un corte más intenso y potente en el uso de las cuerdas con el penúltimo tema, Beneath Alrischa.

Se trata de un trabajo muy atmosférico, donde la voz juega un papel primordial y que se resuelve de manera memorable en la última pista: el espectacular Kyrie for the Magdalene. A diferencia del resto del álbum, esta pieza coral profundamente emotiva no fue compuesta por Zimmer, sino por Richard Harvey, y cierra el disco de manera magistral.

En definitiva, esta banda sonora, ya clásica dentro de la obra del compositor alemán, ayuda a intensificar la narrativa de la película. Aquí, Zimmer apostó más por la atmósfera envolvente que por la descripción pura y dura.

EL 7º DÍA (Roque Baños)

 

EL 7º DÍA (2004)

MÚSICA COMPUESTA Y DIRIGIDA POR

ROQUE BAÑOS

Tracklist:


1 Campos De Extremadura 3:29
2 El Incendio 3:44
3 Al Salir Del Cole 3:54
4 La Familia Y El Hogar 1:43
5 ¿Lo Hizo Mi Padre? 3:24
6 La Locura De Los Hermanos 1:24
7 Alimentan Su Odio 2:09
8 Domingo Matinal 1:22
9 Asesinatos 5:46
10 Entierros 2:25
11 Recuerdo A Mis Hermanas 3:28
12 Foto De Familia 1:44

La revisión de este memorable filme de Carlos Saura de 2004 me ha permitido recuperar para este blog el magnífico trabajo de Roque Baños en su composición musical.

Este thriller, rudo y áspero, reconectaba a Carlos Saura con el paisaje seco y árido del campo español. Sin duda, es una de las mejores películas de su larga carrera. La historia, con guion de Ray Loriga, se inspiraba claramente en los crímenes de Puerto Hurraco. El filme, narrado con una fuerza expositiva y contundencia enormes y con la sobriedad típica del mejor Saura, funciona de manera magistral. Su fuerza se basa en un elenco excelente, donde el quinteto formado por Juan Diego, José Luis Gómez, Ana Wagener, Ramon Fontseré y Victoria Abril se convierte en una familia de perturbados alimentados por el odio. Realizan interpretaciones memorables, retratadas por un director con un pulso narrativo de primera, para crear un ambiente tenebroso que evoca a Federico García Lorca. A la vez, ofrece un oscuro retrato de los conflictos, las pasiones humanas y los odios arraigados, todo apoyado por una magnífica banda sonora de Roque Baños de inspiración flamenca.

Y es que el flamenco como inspiración musical es una idea fabulosa, no solo para situar geográficamente el lugar, sino también por el uso de instrumentos autóctonos como la guitarra y el grito desgarrado del cante. Para esta composición, Baños reutilizó una pieza musical compuesta para el anterior filme de Saura, "Salomé", en concreto la "Sevillana para Carlos". Esta pieza fue reutilizada y reorquestada para que en el film pueda trabajar a dos niveles. Así, la música del maestro es por un lado bucólica ("Campos De Extremadura", "Retrato de Familia") y por el otro trágica ("La Locura de los Hermanos", "Alimentan su Odio"), logrando instantes de fuerza potente y estremecedora ("Asesinatos"). En un trabajo muy efectivo , no excesivamente extenso en duración, que cumple perfectamente en la narrativa del film y que para mi gusto es un puntal bríllante en al carera de su compositor

GODS OF EGYPT (Marco Beltrami)

 

GODS OF EGYPT (2016)

Music Composed By

MARCO BELTRAMI

Tracklist:

1 Gods Of Egypt Prologue 2:41
2 Bek And Zaya 0:44
3 Market Chase 0:30
4 Coronation 2:26
5 All Quiet On Set 0:41
6 Set Vs. Horus 3:40
7 Hathor's Bedroom 3:42
8 Bek Steals The Eye 4:08
9 Shot Through The Heart 3:01
10 Underdog 1:25
11 Red Army 1:40
12 Wings And A Prayer 3:01
13 Osiris' Garden 1:29
14 Snakes On A Plain 3:12
15 Toth's Library 3:27
16 Straight Out Of Egypt 2:28
17 Channeling Zaya 2:29
18 Return Of The Mistress Of The West 2:28
19 Chaos 3:42
20 Set Confronts Ra 3:29
21 Elevator Music 3:06
22 Obelisk Fight Part 1 4:12
23 Obelisk Fight Part 2 3:32
24 God Of The Impossible 5:39
25 Bek And Zaya's Theme 4:37
26 Hathor's Theme 3:35



Excelente composición de de Marco Beltrami, talentoso compositor norteamericano que merece una entrada dedicada en su honor. Nacido en 1966, Beltrami es conocido por su destacado trabajo en la composición de bandas sonoras instrumentales para películas de terror y fantasía, aunque en los últimos años ha incursionado en proyectos de diversos géneros. Su formación incluyó estudios en la Yale School of Music y luego en la USC Thornton School of Music en Los Ángeles, donde tuvo la oportunidad de aprender de la leyenda de la composición, Jerry Goldsmith.

Su primera gran oportunidad llegó en 1994 con la película de suspense "Death Match" dirigida por Joe Coppolletta. En 1996  se dió a conocer para el gran público con su brillante trabajo en la banda sonora de la película de Wes Craven, "Scream". A partir de entonces, trabajó en títulos como "Mimic" (1997), "The Faculty" (1998), "Resident Evil" (2002),y "The Woman in Black" (2012). Beltrami ha sido nominado dos veces al premio Óscar y ha recibido el reconocimiento de un Satellite a la Mejor Banda Sonora por sus trabajos en las películas "Soul Surfer" (2011) y "The Purge" (2013).

Autor a veces con altibajos creativos, el exceso de trabajo nunca le ha beneficiado, pero sin duda la bso que nos ocupa me atrevería a decir que es su obra maestra (o poco le falta) un trabajo que bebe de obras anteriores como "The Mummy" (Jerry Goldsmith, 1999), The Mummy Returns (Alan Silvestri, 2002) o incluso el "Stargate" (David Arnold, 1994 ) , en todas ellas presente Egipto y su mitología ...

La película de Alex Proyas era algo así como una puesta al día de los films de aventuras del dúo Charles Schneer & Ray Harryhausen y una incomprensiblemente denostada mezcla de peplum y fantasía tronada situada en un Egipto en el que Dioses y humanos conviven...Y todo un entretenimiento irregular pero divertido (si se entra en el juego que propone, una pura aventura de fantasía mucho más tradicional de lo esperado) con el que el siempre interesante director se lanzó a un festival de CGI e imaginación muy desatada. Peca tal vez de desequilibrio entre argumento y trama -endebles- pero se disfruta por el desparpajo con el que se plantean y ruedan las secuencias, amén de un festín de locura visual a veces casi de videojuego y una de las mejores (sino la mejor) bso de Marco Beltrami para el medio cinematográfico. 

La sonoridad particular que se inspira en esta tierra y sus secretos es inspiración para un Beltrami memorable que logar el tono e instrumentación que apoya musicalmente el film. Solo hay que escuchar el primer tema "Gods Of Egypt" que bebe de toda la tradición sinfónica arabesca, en un tono orientalista excelente y espectacular...Ciertamente esto ya lo hiciero otros antes (Rozsa, Goldsmith, Tiomkin, Silvestri, Arnold...) pero es loable que en unos tiempos tan tristones como para la bso sinfónica alguien aun se atreva con trabajos de este empaque. una obra excelente, casi a la manera de un cuento de hadas egipcio aventurero y épico, donde el compositor mezcla acción, percusiones y coros en bloques trepidantes ("Obelisk Fight Part1 and 2")...El maestro sabe dar un tono solemne que hace visualizar musicalmente el mundo antiguo de Egipto (el gran "Coronation" o el memorable "All Quiet on Set"), a la vez que compone temas de aire más romántico, como el tema de amor, muy inspirado ("Bek And Zaya's Theme") o la gran belleza de "God Of The Impossible" en lo que digo,una obra que se disfruta y es sin duda el punto más inspirado de Marco Beltarmi

LA MORTE CAMMINA CON TACCHI ALTI (Stelvio Cipriani)

LA MORTE CAMMINA CON I TACCHI ALTI (1971)

 Musiche composta e direta da 

STELVIO CIPRIANI

Tracklist:

1. Fantasia tragica (Titoli) (02:03)
2. Night Club Girl (03:19)
3. Attimi di tenerezza (01:10)
4. Night Club Girl (versione 2) (04:04)
5. Inseguita & un ospite inatteso (03:47)
6. Shopping (01:19)
7. Felicità (Cena per due) (03:37)
8. Dopo cena (Piano) (01:30)
9. Hallory mano di legno (01:49)
10. Sensualmente (02:05)
11. Spiata (04:18)
12. Felicità (Bossa) (02:05)
13. Il comandante (02:18)
14. Al pub (02:49)
15. Sola in casa (02:12)
16. Fantasia tragica (Organo) (03:13)
17. Rivelazioni di un assassino (05:38)
18. Fantasia tragica (Finale) (01:09)

El Giallo fue sin duda uno de los géneros más populares en el cine Italiano de los años setenta. Inaugurado oficialmente por el gran Mario Bava en la década de los sesenta, sería Dario Argento quien lo haría popular y exitoso, de modo que a principios de los setenta aumentarían un montón de producciones como la que nos ocupa, en este caso una típico co-producción, en España titulada "La Muerte camina con tacón Alto" que fue dirigida por Luciano Ercoli, realizador intermitentemente interesante que trabajaba a veces con su mujer, la espectacular Susan Scott (la española Nieves Navarro) .

En su carrera Ercoli a veces trabajó con Ennio Moricone, otras con Gianni Ferrio y para este título colaboró con Stelvio Cipriani. El maestro italiano se encontraba en el periodo más dulce y popular , era una estrella por "Anónimo veneciano" y uno de los compositores italianos más de moda en aquellos tiempos. Creador muy prolífico, especialmente dotado para construir melodías enganchosas y hábil utilizando orquestaciones y armonías ligeras. 

Para este film y a pesar de ser un un thriller/giallo al uso, la bso tiene un tono lúdico y festivo, partiendo de un tema principal  ("Fantasia Tragica") que ya aparece en los títulos de crédito de la película acompañando el viaje en taxi que efectúan Simón Andreu y Susan Scott. Un leitmotiv susurrado con voz femenina -como era habitual en esas en nuestras bandas sonoras italianas de los años 70- y que aparece en varias versiones en ritmo /tempo y modo diferente (por ejemplo el magnífico "Attimi di tenerezza" o una versión para piano del tema principal absolutamente arrebatadora "Dopo Cena")

La tendencia melódica de Cipriani es evidente aún tratándose de un Giallo en esta banda sonora donde aparecen más temas agradables incluido un segundo leitmotiv dedicado al personaje que interpreta Susan Scott ("Night Club Girl")...También encontramos bloques  de tono tenso y misterioso como "Inseguita & un ospite inatteso" un corte muy largo que narra la secuencia en la que la protagonista es perseguida por una un misterioso asesino y en el que la música de Cipriani juega con la percusión, celesta, cuerdas incluso un clavicordio. Otro corte igualmente espléndido de música de tensión y misterio se encuentra en "Rivelazioni di un assassino" que como su nombre indica marca el descubrimiento de la verdadera identidad del asesino. En definitiva, un muy buen trabajo de un autor que en aquellos años ya demostraba ser un todoterreno que se adaptaba a cualquier género y circunstancia

WHEN THE WHALES CAME (Christopher Gunning)

 

WHEN THE WHALES CAME (1989)

Music Composed And Conducted By

CHRISTOPHER GUNNING

Tracklist :

01. Bryher, And The Curse Of Samson (Narration By Paul Scofield) (3:57)
02. Gracie Plays Truant (0:51)
03. The Birdman’s Gift (1:30)
04. The Islanders (1:49)
05. Tempest – And First Visit To The Birdman (2:13)
06. The Crown Investigators (1:26)
07. Daniel’s Gift For The Birdman (2:29)
08. War, And Jack’s Dilemma (1:57)
09. Goodbye Jack (0:49)
10. The Birdman’s Warning (1:20)
11. Lured To Samson (2:46)
12. Clemmie’s Lament (2:20)
13. Whale Beached (0:44)
14. Saving The Whale (2:53)
15. Torches In The Sea (2:48)
16. Daniel (1:21)
17. Well Full: The Sailor Returns: Re-United! (3:35)
18. Redeemed (3:39)

La muerte del gran Christopher Gunning (1944-2023) supone una pérdida irreparable, uno de los grandes maestros de la música de cine Europea que en cada trabajo que ofreció siempre daba lo mejor de si mismo. Gunning siempre se caracterizó por una sólida formación clásica que le permitía ofrecer un buen plantel de melodías elegantes. Componiendo además una buena colección de piezas clásicas y sinfonías igualmente memorables.

Gunning nació en Cheltenham, Gloucestershire y Estudió en la Guildhall School of Music and Drama, donde sus tutores incluyeron a Edmund Rubbra y Richard Rodney Bennett. Las composiciones para cine y televisión de Gunning recibieron muchos premios, incluido el Premio BAFTA 2007 a la Mejor Música de Cine por " La Vie en Rose", así como tres premios adicionales por "Poirot", "Middlemarch" y "Porterhouse Blue" de Agatha Christie. También ganó tres premios Ivor Novello, por la miniserie de televisión "Rebecca" y las bandas sonoras de "Under Suspicion" (1991) y "Firelight" (1997). Sus otras partituras cinematográficas incluyen "Goodbye Gemini" (1970), "Hands of the Ripper" (1971), "Ooh ... You Are Awful" (1972), la versión cinematográfica de "Man About the House" (1974), "In Celebration" (1975), "Rogue Male "(1976), "Charlie Muffin" (1979), "Rise and Fall of Idi Amin" (1981), "Knights of God" (1987), "Lighthouse Hill" (2004) y "Grace of Monaco" (2014).
Personalmente Gunning siempre me pareció un tesoro de la música británica desde que lo descubrí co0n sus primeras partituras para films de la productora Hammer. Un compositor que trabajó mucho en televisión. En cine sus dos obras más populares son la ya citada "Firelight" y la que aquí nos ocupa como homenaje a su figura "When the Whales Came" (Cuando vuelvan las ballenas) compuesta en 1989.

La obra fue editada en LP y en un CD que es bastante difícil de encontrar. Parte de un tema principal muy poderoso, casi etéreo ("Bryther And The Curse Of Samson") que queda reforzado por la voz soprano femenina , este tema reaparece en otros cortes y versiones y es de una enorme elegancia y sensualidad , por ejemplo en bloques como “The birdman's gift”, o “Clemmie's Lament”, “Saving the Whale”,“Torches in the Sea”...Existen otros cortes donde la música dramática es muy impactante , el supremo " Tempest – And First Visit To The Birdman" de un aire casi de sinfonía clásicaO segmentos con instrumentación más folk: La flauta de "Gracie Plays Truant" o los violines de "The Islanders". Es una bso sugerente y memorable donde incluso aparece un segundo motivo melódico "Daniel´s Gift For The Birdman" mucho más enraizado a la tradición y el folklore. La bso se cierra con de nuevo la aparición del leitmotiv básico en todo su esplendor con "Redeemed"en un colofón ciertamente inolvidable.

Sirva pues esta entrada como homenaje al maestro desparecido y una música que siempre vivirá en nuestros corazones

ÁNGEL ARTEAGA: MÚSICA DE CINE

 

ÁNGEL ARTEAGA
Música de Cine

(1968-1982)

















Tracklist:

1-4) Un Libertino (1970)
5) Gaudí (1981)
6-8) Perversión (1974)
9-10) Un día es un día (1968)
11-12) Doña Perfecta (1977)
13-14) Madrid Al Desnudo (1981)
15-22) El Alijo (1976)
23-24) Museo del Prado (1981)
25-27) La Cruz Del Diablo (1975)
28) El Alijo II (1976)
29) La Alhambra (1982)
30) Castillos de Segovia (1982)
31-34) Rebeldía (1978)
35) No Matarás (1975)


Este mes toca comentar un CD que para mí ha supuesto una gran sorpresa , sorpresa porque en primer lugar desconocía su existencia -fue editado en 2015-  y también por contener un buen ejemplar de temas compuestos por el gran compositor español Ángel Arteaga.

Arteaga nació en 1928 en Campo de Criptana (Ciudad Real) y estudió en el Real Conservatorio Superior de Madrid , tras terminar los estudios oficiales marchó en 1957 a Múnich donde perfeccionaría composición con Carl Orff . En Alemania contrajo matrimonio y en su vuelta a España compaginó su trabajo de compositor de obras de concierto con una agotadora tarea como músico de cine y posteriormente como profesor de armonía en el conservatorio de Madrid. Falleció prematuramente con 55 años en 1984. Como seguidor de muchas películas del Fantaterror de los años 60/70 había podido descubrirlo en las películas,  sobre todo las tuvo como intérprete a Paul Naschy y para las que compuso bsos memorables ("La Marca del hombre lobo, 1968) por ejemplo.... 

Arteaga trabajó en mucho en Tv y cortometrajes, oficialmente sus largometrajes fueron 30 y casi un centenar de series.

 El Cd ofrece 35 pistas pertenecientes a 14 películas: "Un día es un día", "Un libertino", "Perversión", "La cruz del diablo", "No matarás", "El alijo", "El alijo II" , "Doña Perfecta", "Rebeldía", "Gaudí", "Museo del Prado", "Madrid al desnudo", "La Alhambra "y "Castillos de Segovia" y tal como reza la carpetilla , esta selección  fue pensada para mostrar la gran variedad estilística de su autor: El CD pues presenta un catálogo de variados estilos, los tres primeros temas, por ejemplo, pertenecen a la comedia "El Libertino" y la música de Arteaga es de aire fresco ,dinámico y divertido, con un tema principal que recuerda al estilo  de un Armando Trovaioli,  los otros dos cortes nos presentan un vals de aire circense-cómico y un corte de escasa duración de tono muy inquietante. Un disco variado en el que llama la atención el dominio de las múltiples sonoridades que maneja el compositor castellano-manchego, y la variedad de los estilos que dominaba: Música ambiental, de inspiración contemporánea ("Madrid Al Desnudo"), Thriller ("El Alijo"), clásica ("Museo Del Prado"), de terror ("La Cruz Del Diablo"), romántica, jazz, flamenco, baile… tal como se comenta en la carpetilla interior, en todos los cortes siempre se detecta un colorido brillante y una gran inventiva sonora.

En definitiva, este es un CD indispensable y que cubre un hueco para valorar un autor de gran personalidad y del que -por cierto y como regalo- podemos incluso escuchar su voz en el último corte perteneciente a "No Matarás"

TRANQUILLE DONNE DI CAMPAGNA (Nico Fidenco)

 

TRANQUILLE DONNE DI CAMPAGNA (1980)

Music by 

NICO FIDENCO

Tracklist :

1.) TRANQUILLE DONNE DI CAMPAGNA (tema principale)
2.) TRANQUILLE DONNE DI CAMPAGNA (Anna)
3.) TRANQUILLE DONNE DI CAMPAGNA (ansia)
4.) TRANQUILLE DONNE DI CAMPAGNA (fox-trot mix film)
5.) TRANQUILLE DONNE DI CAMPAGNA (nevve in Val Padana)
6.) TRANQUILLE DONNE DI CAMPAGNA (ombre)
7.) TRANQUILLE DONNE DI CAMPAGNA (slow)
8.) TRANQUILLE DONNE DI CAMPAGNA (ricordi)
9.) TRANQUILLE DONNE DI CAMPAGNA (paure nell'animo)
10.) TRANQUILLE DONNE DI CAMPAGNA (fox-trot trombone e ritmiche)
11.9 TRANQUILLE DONNE DI CAMPAGNA (tema ripresa con viole)
12.) TRANQUILLE DONNE DI CAMPAGNA (giornata felice)
13.) TRANQUILLE DONNE DI CAMPAGNA (ripensando ad Anna)
14.) TRANQUILLE DONNE DI CAMPAGNA (risveglio)
15.) TRANQUILLE DONNE DI CAMPAGNA (fox-trot mix disco)
16.) TRANQUILLE DONNE DI CAMPAGNA (ansia solo archi)
17.) TRANQUILLE DONNE DI CAMPAGNA (ripensando ad Anna 2)
18.) TRANQUILLE DONNE DI CAMPAGNA (storia di famiglia)
19.) TRANQUILLE DONNE DI CAMPAGNA (fox-trot N.2)
20.) TRANQUILLE DONNE DI CAMPAGNA (tristezza)
21.) TRANQUILLE DONNE DI CAMPAGNA (paure nell'animo 2)
22.) TRANQUILLE DONNE DI CAMPAGNA (riflessioni)
23.) TRANQUILLE DONNE DI CAMPAGNA (ripensando ad Anna 3)
24.) TRANQUILLE DONNE DI CAMPAGNA (slow N.2)
25.) TRANQUILLE DONNE DI CAMPAGNA (tema finale)


La repentina muerte de Nico Fidenco me obliga ha escribir una entrada dedicada a este compositor de música de cine, indispensable en el cine más comercial y exploit de la Italia de los 70 y 80. Nico Fidenco (seudónimo de Domenico Colarossi), fue un célebre cantante y autor de bandas sonoras de culto como la serie "Emanuelle" (la protagonizada por Lura Gemser) , o algunos spaghetty western como el que ya comenté hace un tiempo en esta entrada dedicada a cuatro títulos ("4 Western")

"Tranquille donne di camapgna" (1980)  es una composición muy notable para un film que desconozco y que al parecer era un drama con ribetes gialli, en el que se narraba como mientras voluntarios italianos iban a España para apoyar a los fascistas durante la Guerra Civil. un tipo, de nombre  Guido iba creando en su granja su propia dictadura, exigiendo obediencia absoluta a todos los habitantes del Pueblo, que refleja la lucha interna y física de los miembros. de una familia, una batalla diaria llena de rencores y humillaciones tiene de fondo las nieblas del valle del Po.

Un argumento como este promete un exploitation de aire más rural/campestre que le permite a Fidenco explorar otros campos (nunca mejor dicho) y ofrecer una banda sonora que es muy sorprendente, ya que Fidenco abandona sus preferencias más ligeras y pop y se lanza a un comentario de aire más intimista y clásico, con una orquesta sencilla. Dirigido por su colaborador de todos los tiempos Giacomo Dell'Orso y que parte de un evocador comentario musical, ya marcado desde el primer corte ("tema principale") en el que combina un violín y un piano eléctrico , describiendo nostalgia por un tema recurrente en las cuerdas, muy dulce y triste, donde aflora un sentimiento de extrema soledad. Este corte aparece muchas veces, pero nunca cansa, en variaciones excelentes ("giornata felice")

Tenemos un segundo tema, dedicado a un personaje femenino con un piano y de nuevo un violín, de extrema delicadeza ("Anna" o el magnífico y bellísimo "Neve In Val Padana", "Ricordi")  El autor contrasta la dulzura de estos cortes con una serie de pistas disonantes, que reflejan el estado de ánimo de los personajes ("Ansie", "Ombre", "Paura Nell Animo") con gran presencia de cuerdas y piano . También alterna muchos foxtrots de esa época ("Fox Trot Mix", "Fox trot Disco", además de ofrecer cortes de aire más blues y erótico como "Tranquille Donen di campagna-Slow" , ofreciendo -en definitiva- una obra que se aleja del estilo más conocido de su autor y a la vez marcando que hubo un Nico Fidenco que intentaba en la medida de lo posible salirse de los tópicos en los que a veces estaba atrapado