LO SQUARTATTORE DI NEW YORK (Francesco De Masi)/UNA TOMBA APERTA, UNA BARA VUOTA (Piero Piccioni)

 

LO SQUARTATTORE DI NEW YORK (1982)

Music Composed By 

Francesco De Masi

UNA TOMBA APERTA, UNA BARA VUOTA (1971) 

Music composed By Piero Piccioni


Tracklist:

The New York Ripper (1982) Francesco De Masi
1) New York One More Day
2 )'Phone Call
3 )New York One Night
4 )Puertorico Club
5 )The Ripper
6 )New York One More Day
7 )Fay
8 )Where Is the Ripper?
9 )New York One Night
10) Puertorico Club
11 )Suspense and Murder
12 )Waiting for the Killer

Una Tomba Aperta, una bara vuota (1972) Piero Piccioni

13)  Helen Where Are You?
14)  It Means Love
15) Hunting Memories
16) It Means Love
17) Ghost Chase
18) Dreaming Again
19) Moonbeams on the Ruins
20)  Echoes of a Name

 

Este mítico CD de BEAT, editado en los años noventa, reunía dos bandas sonoras esenciales del terror italiano: *El Destripador de Nueva York* (*Lo Squartatore di New York*, 1982), dirigida por Lucio Fulci, y *La casa de las muertas vivientes* (*Una tomba aperta, una bara vuota*, 1972), firmada por Alfonso Balcázar bajo el seudónimo de Al Bagram. Se trata de dos films bastante distintos en intenciones y resultados —el primero mucho más atrevido y sangriento; el segundo, más sugerente y atmosférico—, pero que funcionan en perfecta sintonía en esta edición discográfica, permitiendo apreciar dos formas muy diferentes de entender la música en el cine de género.
El film de Fulci, uno de los más famosos y exitosos de su carrera, mezclaba con acierto el *slasher* estadounidense con los códigos del *giallo* italiano. Rodada en Nueva York con un reparto internacional, la cinta narraba la investigación policial de un asesino en serie, bajo una inspirada dirección que dejó varias secuencias gore antológicas. Para ella, Francesco De Masi compuso una partitura de atmósfera urbana, pop y rockera que encaja muy bien con la visión decadente de la ciudad nocturna. El tema principal ("New York One More Day") es una melodía para conjunto moderno, muy rítmica, que el maestro reutiliza constantemente en los pasajes más tensos ("The Ripper", "'Phone Call") y también en una vertiente más sensual. Destaca un magnífico corte de aire blues ("Fay") junto a piezas más agresivas y disonantes ("Suspense and Murder", "Where Is the Ripper?") incluso cortes mas diegeticos (el rítmico "Puerto Rico Club") que refuerzan la violencia de forma contenida pero muy eficaz.

Por su parte, la coproducción hispano-italiana de Balcázar, rodada en Barcelona, es una extraña y sugerente mezcla de *thriller* y terror gótico que evidencia la influencia lejana de "La residencia". Casi toda la acción transcurre en una mansión donde se entrelazan un crimen del pasado sin resolver y las tensiones sexuales protagonizadas por Daniela Giordano, Teresa Gimpera y Nuria Torray. El contraste entre la versión íntegra y la estrenada en España es notable: el montaje uncut conserva los desnudos y desarrolla con más coherencia las relaciones entre los personajes, mientras que la versión censurada sufrió tantos cortes que el relato resultaba difícil de seguir.
Aunque su narrativa no es del todo sólida, la película mantiene el interés gracias a su cuidada ambientación y, sobre todo, a la excelente banda sonora de Piccioni. En ella se alternan piezas orquestales con pasajes de cuerdas y melodías misteriosas ("Helen Where Are You?"), junto a fragmentos de aire más jazzístico donde se combinan el piano y un fondo rítmico, como ocurre en el fabuloso tema romántico "It Means Love". Este último reaparece más adelante en una soberbia instrumentación donde la sección de cuerda lo explora en todo su esplendor, demostrando la exquisita y particular capacidad melódica que poseía el maestro. Asimismo, destacan los inquietantes arreglos camerísticos de gran importancia lírica ("Hunting Memories", "Ghost Chase"). En otros momentos, los vientos suaves y el suspense abstracto crean una atmósfera sensacional ("Dreaming Again"), coronando una obra verdaderamente fantástica que se cierra recuperando ese pulso de jazz gracias al uso del órgano Hammond, el piano y la base orquestal ("Echoes of a Name").

En conjunto, este CD (que hacia mucho tiempo que no escuchaba) es una sorpresa muy reivindicable, ya que refleja dos caras complementarias del cine europeo de terror y suspense firmadas por dos maestros indiscutibles.

HIGH SPIRITS (George Fenton)

 HIGH SPIRITS (1988)

Music Composed And Conducted By

GEORGE FENTON

Tracklist:


1) High Spirits Overture (4:37)
2) Prologue & Main Title/Castle Plunkett (5:00)
3) Plunkett’s Lament/Prayers For Freedom (2:16)
4) Ghost Bus Tours (3:36)
5) Ghostly Reflections (1:04)
6) She is Far from the Land (1:39)
7) Bumps in the Knight (3:42)
8) Mary Appears/Windstorm/A Night for Lovers (5:27)
9) I Could Love You, Sir Jack/Shower Surprise (2:37)
10) Knight Time at Castle Plunkett (3:27)
11) The Wedding Night/Jack Saves Mary (2:34)
12) Restless Spirits/The Seastorm (6:12)
13) Madness on All Hallows Eve (4:41)
14) Falling in Love (4:22)
15) The Lovers Dance (Finale) (1:32)

Si tengo un propósito claro en los próximos tiempos es reivindicar la figura de George Fenton, compositor británico no siempre suficientemente valorado y que, en mi opinión, merece ser reconocido en toda su dimensión.

Si nos remitimos a la fecha de composición de esta banda sonora, nos situamos en uno de los momentos álgidos de la música de cine: la última gran época dorada, aproximadamente entre 1977 y 1999. En ese periodo, el nivel de calidad de las composiciones en Hollywood (y también en Europa) era realmente espectacular. En ese contexto, esta partitura de Fenton es, sin duda, una obra maestra que merece ser recuperada.

En mi caso, he vuelto a redescubrirla tras revisar nuevamente la película, una comedia muy irregular dirigida por Neil Jordan que pretendía satirizar el género de las casas encantadas. Ambientada en un hotel irlandés supuestamente embrujado que debe venderse para saldar deudas, su dueño —un excelente Peter O'Toole— contrata a varios actores para fingir ser fantasmas, aunque auténticos espíritus también rondan el lugar. El fantasma principal, Mary, está interpretado por Daryl Hannah.

La idea funciona con solvencia en el primer tercio del filme, pero posteriormente pierde fuerza, ya que el guion nunca termina de encontrar un foco claro. Se introducen múltiples tramas románticas y personajes secundarios poco desarrollados que debilitan la narración. El resultado es un producto desordenado y fallido en lo narrativo, pese a sus buenos acabados técnicos y, sobre todo, a la espléndida música de Fenton, que eleva el conjunto muy por encima de sus limitaciones cinematográficas. Publicada en su día por GNP Crescendo Records en LP y CD, hoy es una edición difícil de encontrar en formato físico (más accesible en digital). La partitura se grabó en Múnich con la Orquesta Sinfónica Graunke —que en aquellos años trabajaba con frecuencia en grabaciones de bandas sonoras— bajo la dirección del propio Fenton, y contó con la colaboración de solistas irlandeses como Paul Brennan (gaita irlandesa), Dermot Crehan (violín) y la vocalista Catherine Bott.

Como en los mejores tiempos de la banda sonora clásica, a lo Max Steiner, Fenton —que ya había colaborado con Jordan en The Company of Wolves— compuso varios leitmotivs que vertebran el conjunto y que son presentados en el primer corte, el increíble “High Spirits Overture”, una pieza que no aparece como tal en el filme —pues funciona más bien como suite de presentación— y en la que la orquesta y la energía contagiosa de los solistas marcan el rumbo memorable del trabajo.

Los distintos temas se desarrollan posteriormente a lo largo del CD. El tema del Castillo Plunkett (“Prologue & Main Title/Castle Plunkett”) es un motivo lírico y juguetón, cercano a un vals suave y refinado. Más adelante reaparece en “She Is Far from the Land”, donde se retoma en clave elegante y romántica.

Asimismo, encontramos el tema de Mary, de carácter melancólico y gran belleza, con una magnífica y cristalina interpretación vocal de Catherine Bott. De manera especialmente inspirada, el compositor combina el tema del castillo y el de Mary en “Plunkett’s Lament/Prayers for Freedom”, logrando uno de los momentos más emotivos del álbum. Este romanticismo también se prolonga en los dos últimos cortes del compacto: “Falling in Love” y “The Lovers Dance (Finale)”, este último recuperando por última vez el tema del castillo en un elegante cierre en compás de vals. También encontramos pasajes más atmosféricos, en los que se combina la electrónica con instrumentos acústicos y la propia orquesta para evocar lo espectral, como “Ghostly Reflections” o el inicio de “Mary Appears”.

Fenton ofrece igualmente bloques de acción que resultan espléndidos —en un autor que no se ha prodigado con frecuencia en el género—, como “Windstorm”, “The Wedding Night/Jack Saves Mary” y “Knight Time at Castle Plunkett”. No obstante, todo alcanza su apoteosis en el excepcional “Madness on All Hallows Eve”, un bloque repleto de energía, abundante percusión y poderosos metales que constituye, sin duda, una demostración plena de las habilidades de su creador.

Una obra variada y brillante, que destaca por su capacidad de evocar emociones diversas —desde la alegría y el humor hasta la ternura y el misterio—, siempre con influencias celtas o folclóricas, como en los estupendos “Ghost Bus Tours” o “Bumps in the Knight”, con melodías de clara raíz celta.

En definitiva, un trabajo descomunal que merece ser redescubierto y disfrutado —más aún en la actualidad—. Repleto de riqueza temática, exuberantes orquestaciones de sabor irlandés y un fino sentido del humor, constituye una demostración del talento extraordinario de su autor… al que probablemente vuelva en la siguiente entrada.

Agradecimientos especiales a Jordi (Coque) Cano.

TRON (Wendy Carlos)

 

TRON (1982)

Music Composed By WENDY CARLOS

Electronics performed By WENDY CARLOS

Orchestra Conducted By DOUGLAS GAMLEY

Tracklist:

1. Creation of Tron (0:49)
2. Only Solutions - performed by Journey (3:41)
3. We've Got Company (2:19)
4. Wormhole (2:29)
5. Ring Game and Escape (2:57)
6. Water, Music, and TRONaction (2:25)
7. Tron Scherzo (1:46)
8. Miracle and Magician (2:40)
9. Magic Landings (3:44)
10. Theme from Tron (1:37)
11. 1990's Theme - performed by Journey (2:08)
12. Love Theme (2:07)
13. Tower Music - Let Us Pray (3:47)
14. The Light Sailer (2:37)
15. Sea of Simulation (3:23)
16. A New Tron and the MCP (5:10)
17. Anthem (1:40)
18. Ending Titles (5:16)
19. TRONaction (1:29)
20. Break In (For Strings, Flutes and Celesta) (5:34)
21. Anthem for Keyboard Solo (1:09)

Hoy en este blog toca un clásico: nada menos que la obra maestra musical compuesta por Wendy Carlos para la película de ciencia ficción de 1982, Tron.

En su momento, la banda sonora se editó en vinilo y durante años no estuvo disponible en CD debido a disputas contractuales y al deterioro de las cintas maestras. Finalmente, en 2002, Walt Disney Records la reeditó en CD, que es la versión que comento hoy.

Wendy Carlos (nacida Walter en 1939) es una compositora y pionera de la música electrónica estadounidense, reconocida por haber introducido los sintetizadores en la música popular y cinematográfica. Alcanzó fama internacional con el álbum Switched-On Bach (1968), en el que reinterpretó obras de Johann Sebastian Bach mediante el sintetizador Moog, demostrando que la música electrónica podía ser artística y accesible al mismo tiempo.

Su trayectoria en el cine no fue muy extensa, aunque destacó por su doble colaboración con Stanley Kubrick en las innovadoras bandas sonoras de A Clockwork Orange y The Shining. Para Tron, Walt Disney buscaba algo igualmente innovador, y Carlos se incorporó al proyecto por tratarse de una película pionera, donde los creadores querían una banda sonora que fusionara música orquestal tradicional con sonidos electrónicos de manera experimental y visionaria. Fue además la primera colaboración de Carlos con su pareja, Annemarie Franklin. La música combina sintetizadores analógicos Moog y el raro sintetizador digital Crumar General Development System (GDS), junto con pasajes orquestales interpretados por la Orquesta Filarmónica de Londres bajo la dirección de Douglas Gamley.

La banda sonora refleja plenamente el espíritu experimental de Carlos. Aunque en su idea inicial buscaba diferenciar el mundo real del digital mediante una separación entre música orquestal y sonidos electrónicos, terminó integrando ambos lenguajes de manera compleja, logrando una fusión de elementos sintéticos y orgánicos que, escuchada hoy, sigue siendo única y fascinante.

La partitura se articula en torno a dos temas principales y un tercero secundario, que no se desarrollan plenamente hasta el tramo final. El punto culminante llega en los créditos finales ("Ending Titles"), donde coro, orquesta, órgano y sintetizadores se integran de manera natural y eficaz.

La obra comienza con piezas oscuras e introductorias ("Creation of TRON") y alterna entre momentos electrónicos opresivos ("We've Got Company", "Wormhole"), marchas marciales ("Ring Game and Escape") y temas épicos y orquestales ("TRON Scherzo", "Theme from TRON"). Destacan también composiciones donde Carlos combina vanguardia electrónica y elementos acústicos ("Magic Landings"con un aire que recuerda a Ligeti, "A New TRON and the MCP"), demostrando su capacidad de crear música que puede funcionar de manera independiente al film. A lo largo de toda la partitura se mantiene un equilibrio perfecto entre innovación y tradición. La banda sonora culmina con piezas más accesibles y solemnes ("Anthem", "Ending Titles"), retomando el tema central con sintetizadores y órgano.

Por poner un pero, las aportaciones de la banda rock Journey ("Only Solutions", "1990's Theme") resultan algo desubicadas y hoy se sienten un tanto obsoletas.

En conjunto, Tron es una obra históricamente fundamental y una verdadera obra maestra que ha resistido con creces la prueba del tiempo.

HEART OF THE STAG (Leonard Rosenman)

HEART OF THE STAG (1984)

Music Composed And Conducted By

LEONARD ROSENMAN

Tracklist:

1) Opening Titles / Father and Daughter (3:38)
2) Peter and Cathy / Cleaning the Rifle (3:52)
3) Seeing the Stag / Hunting Story (4:25)
4) Herding The Sheep (3:06)
5) Memories / Kathy Looks in the Mirror (3:10)
6) Hunting The Stag / Murderous Thoughts (3:50)
7) Attempted Rape / Mother’s Death / Deadly Pursuit (4:06)
8) Final Chase and The Stag Attacks (7:13)
9) Finale (2:41)
10) Lenny and The Band (3:28)

Regreso al gran maestro Leonard Rosenman con su magnífica partitura —editada en CD— para el filme Heart of the Stag, una película dirigida por Michael Firth y estrenada en 1984. La historia narra la vida de Peter (Bruno Lawrence), un trabajador rural en Nueva Zelanda que descubre que Robert (Terence Cooper), el granjero para quien trabaja, mantiene desde hace años una relación incestuosa con su hija Cathy (Mary Regan). A medida que Peter se involucra emocionalmente con Cathy, se ve obligado a enfrentar la oscura y turbulenta dinámica familiar. La película aborda el tabú del incesto con notable sensibilidad y honestidad, lo que le valió el reconocimiento de la crítica en su momento.

Es una película que no he tenido la oportunidad de ver, pero que parece un terreno perfecto para que Leonard Rosenman compusiera una partitura notable. En ella mezcla tonalidades tiernas, melódicas y melancólicas con su característica atonalidad agreste y sin concesiones. No es una obra extensa —apenas unos 35 minutos—, y el CD se completa con un corte jazzístico titulado “Lenny and the Band”.

El primer tema del disco nos presenta el motivo principal (“Opening Titles / Father and Daughter”), que comienza con el sonido de una caja de música y luego desarrolla un leitmotiv de belleza dolorosa, muy típico del maestro. Es un corte que recuerda al tema principal de Sybil, con un enfoque que combina pasajes melódicos y sensibles con elementos más disonantes. No es una banda sonora complaciente: los cortes alternan momentos de lirismo con otros perturbadores, conectando con la sonoridad clásica del compositor tanto en el drama psicológico (The Cobweb, The Chapman Report, Sybil) como en el cine fantástico (hay momentos que recuerdan a The Car o Prophecy).

Es una banda sonora que nos rodea con texturas ásperas, cuerdas que parecen gritar de dolor y armonías cortantes como cristal...Para de vez en cuando aparecer el lado más lírico de Rosenman, que brilla con fuerza aquí, (y también están las inevitables pirámides tonales), pero siempre bajo ese dolor musical que expresa el maestro hay música realmente hermosa (como en “Attempted Rape / Mother’s Death”). Es una partitura cargada de contrastes: tensión, intimidad, drama, persecución y violencia emocional. Temas como “Final Chase and the Stag Attacks” o “Hunting the Stag / Murderous Thoughts” transmiten una intensidad dramática que subraya la oscuridad del relato.

MY LIFE IN MUSIC (Lalo Schifrin)

 

MY LIFE IN MUSIC (2012)

Music Composed And Conducted By 

LALO SCHIFRIN

Tracklist:

CD1)

1 'Enter the Dragon' Main Title
2 Samba Para Dos from 'Bossa Nova Groove'
3 'The Fox' Main Title
4 Eagle Falls in Love from 'The Eagle Has Landed'
5 Transporting Rhino from 'Rhino!'
6 'Fast Walking' Main Title
7 Burning Bridges from 'Kelly's Heroes'
8 Invisible City
9 'Dirty Harry' Main Title
10 New Orleans Procession from 'The Cincinnati Kid'
11 'Caveman' End Title
12 There Is Something Out There from 'Abominable'
13 'Cool Hand Luke' Main Title
14 'Telefon' Main Title
15 The Pier, the Bridge and the City from 'The Dead Pool'
16 Love Poem for Donna
17 Bank Robbery from 'Charley Varrick'
18 'Bullitt' Main Title
19 'Coogan's Bluff' Main Title
20 'Rush Hour' Main Title


CD 2)

1 'Joe Kidd' Main Title
2 Tar Sequence from 'Cool Hand Luke'
3 The Face of Love from 'The Osterman Weekend'
4 Calliope of Death from 'Rollercoaster'5 All for the Love of Sunshine from 'Kelly's Heroes'
6 Venice After Dark from 'The Venetian Affair'
7 Scorpio's View from 'Dirty Harry'
8 The Statue of Liberty March
9 'Brubaker' Theme
10 'The Cincinnati Kid' Instrumental Theme
11 The Miracle from 'Something to Believe In'
12 Amputation Aftermath from 'The Beguiled'
13 Che from 'Che!'
14 El Dorado
15 'Sudden Impact' Main Title
16 Pablito/Guitarra/Padre Van Horne from 'The Wrath of God'
17 'Magnum Force' Main Title
18 'The Amityville Horror' Main Title
19 Take Me to Ringerman from 'Coogan's Bluff'
20 Justine
21 The Plot from 'Mission: Impossible'

CD3)

1 The Cincinnati Kid (Vocals from Ray Charles)
2 Arletta Blues from 'Cool Hand Luke'
3 'Les Felins' Main Title
4 'The Fourth Protocol' Main Title
5 The Forces of Darkness
6 Finding McB from 'The Beguiled'
7 'Mannix' Theme
8 Ice Pick Mike from 'Bullitt'
9 Bach to the Blues
10 'Magnum Force' Main Title
11 Tango Del Atardecer
12 Chama from 'Joe Kidd'
13 Movement from String Quartette from 'Rollercoaster'
14 Summer Dance
15 My Lord Don Quixote/End Title
16 'Rage' End Title
17 'Enter the Dragon' Main Title
18 Tema D'amore from 'La Pelle'
19 Last of the Independents from 'Charley Varrick'
20 Robbery Suspect from 'Sudden Impact'
21 'Rush Hour' Main Title


CD 4)
1 Suite - Concorde: Airport 79
2 Paraphrase
3 Panamericana
4 Once a Thief
5 Resonances
6 Montuno
7 People Alone from 'The Competition'
8 Intersections
9 Agnus Dei
10 Toccata
11 Mission: Impossible

El deceso muy reciente del irremplazable compositor Lalo Schifrin me ha obligado a alterar el orden previsto en el blog, por lo que adelanto esta entrada para rendirle homenaje póstumo. Con su muerte desaparece otra figura legendaria de la música de cine, totalmente única e irremplazable, que en mi caso tuve el privilegio de conocer personalmente.

Lalo Schifrin nació en Buenos Aires, Argentina, el 21 de junio de 1932, y se interesó por la música gracias a su padre, quien fue concertino de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires durante más de 30 años. Animado por su padre, violinista sinfónico, Lalo comenzó a tocar el piano a los 6 años y su primer maestro fue Enrique Barenboim, padre del pianista y director de orquesta Daniel Barenboim. Cursó la secundaria en el Colegio Nacional de Buenos Aires. En 1952, viajó a Francia para estudiar en el Conservatorio de París y participó de la vida jazzística nocturna parisina.

Tras regresar a Buenos Aires, Schifrin formó una big band. En 1956, conoció al trompetista Dizzy Gillespie, que venía acompañado de Quincy Jones; ambos compartieron un encuentro fortuito en el que improvisaron junto a Schifrin y su joven amigo Astor Piazzolla.

Schifrin fue pianista del quinteto de Dizzy Gillespie desde 1960 hasta 1962, tras ser descubierto en Buenos Aires, mudándose a Nueva York en 1958.

Aunque permaneció con Gillespie durante un período relativamente corto, contribuyó con dos piezas importantes a su repertorio: "Gillespiana", un retrato notable del trompetista en una suite de cinco movimientos, y "The New Continent", una suite de tres movimientos grabada en 1962.

Tras ese periodo y sin abandonar el jazz, Schifrin empezó a hacerse un nombre como compositor de televisión y cine, eternamente conocido por su tema para "Misión: Imposible". También fue el creador de las bandas sonoras de películas icónicas como "Cool Hand Luke" (1967), "The Fox" (1968) y "The Amityville Horror" (1979). Aunque no se puede negar que "Harry el sucio" (1971) y "Bullitt" (1968) lo convirtieron en un ícono del cine de acción, al menos en lo que respecta a la música.

El maestro ganó un Grammy por "Mission Impossible", así como un Grammy Latino. Además, recibió un merecido Oscar honorífico a su carrera en 2018, tras un total de seis nominaciones.

Con su muerte tan cercana, ¿qué mejor homenaje a su obra completa que este cuádruple recopilatorio de su trabajo, editado en 2012 por su propio sello Aleph Records? Este álbum celebraba el octogésimo aniversario del maestro y su maestría en el cine, la televisión, el jazz y, en definitiva, en el universo de la música total. Son cuatro CDs y 73 pistas, que sirven como una muestra (muy certera) de la obra completa de Schifrin, en una selección inteligente de sus composiciones.

No voy a citar disco por disco, porque realmente es una fiesta, pero obviamente encontramos cortes de su emblemáticas "Mission Impossible", "Bullitt", "Dirty Harry" "Kelly´s Heroes" o "Enter The Dragon". Incluso sus más recientes entonces  (ahora ya no tanto) "Rush Hour" o "Abominable". Asimismo, hay un buen balance entre obras menos conocidas que merecen igual reconocimiento, tales como la suite sinfónica de "Concorde: Airport 79", un bloque sublime de su primer film americano "Rhino" ("Transporting Rhino from 'Rhino!'") o el tema del robo del banco de "La gran estafa" ("Bank Robbery from 'Charley Varrick'").

Y entre lo más conocido, obviamente, también encontramos a Ray Charles cantando en el dinámico/mítico tema de "The Cincinnati Kid", su canción nominada al Oscar por "The Competition" ("People Alone"), el tema principal de su memorable "The Amityville Horror", un corte genial ("Tar Sequence") para "La leyenda del indomable" ("Cool Hand Luke"), un tema de raíces españolas maravillosas para su excelente composición para Don Quijote, producida por Emiliano Piedra ("My Lord Don Quixote/End Title"), la música extrañamente suave para "Brubaker" de Robert Redford, y también un montón de piezas de corte sinfónico y jazzístico hechas para la sala de conciertos, tales como "Toccata", de "Gillespiana" y "Panamericana" de su suite "Gillespiana", o el "Resonances" de su ambiciosa obra "Esperanto". Añado su memorable tema para conmemorar la Estatua de la Libertad ("The Statue of Liberty March")… Además de su "Montuno" de su suite "Latin Jazz", el expresivo "Tango del Atardecer" de "Letters from Argentina"… Podría seguir escribiendo mucho más, pero lo mejor es escuchar y unirse a una fiesta Schifriniana para conmemorar un legado ,irrepetible, de otro Dios de la música de cine que nos deja.

ZULU DAWN (Elmer Bernstein)

 

ZULU DAWN (1979)

Music Composed And Conducted By

ELMER BERNSTEIN

Tracklist:

01. Morning & Main Title (00:59)
02. The Chase (02:06)
03. Regimental March (02:06)
04. River Ccrossing (04:47)
05. Scouting (01:03)
06. The Hunt (02:31)
07. Stand to (01:45)
08. Error (01:59)
09. Escape (01:31)
10. Zulus (02:30)
11. Men of Harlech (02:21)
12. More Zulus (04:28)
13. Glory (02:29)
14. Formation (02:34)
15. Into Battle (01:14)
16. Isandhlawana, Part 1 (02:13)
17. Isandhlwana, Part 2 (02:24)
18. Durnford (01:40)
19. Saving the Colors (03:48)
20. Aftermath (02:09)

Regresamos a Elmer Bernstein, esta vez para adentrarnos en su magnífica partitura para Zulu Dawn ("Amanecer Zulú", 1979), una película dirigida por Douglas Hickox. Este film funcionaba como una precuela del clásico Zulu (Cy Endfield, 1964) y narraba la trágica batalla de Isandlwana, donde las fuerzas británicas sufrieron una derrota completa a manos del ejército zulú. Aunque la película es bastante notable —con un reparto impresionante y una factura técnica impecable—, no logró alcanzar la fama ni el impacto de su antecesor.

En esta ocasión, Bernstein tomó el relevo de John Barry, cuya breve pero icónica banda sonora fue fundamental en la película original. La música que Bernstein compuso para Zulu Dawn adopta un enfoque claramente distinto: en ningún momento intenta imitar a Barry. De hecho, esta partitura pertenece a una etapa gloriosa de su carrera, cuando regresó con fuerza al sinfonismo tras una década —los años setenta— en la que trabajó en proyectos quizás menores. Sin duda, fue uno de los grandes beneficiados del renacer sinfónico impulsado por el éxito de Star Wars y el estilo orquestal de John Williams.

La partitura es, en mi opinión, sencillamente magnífica. Con orquestaciones memorables de Christopher Palmer (quien embellecía toda obra en la que participaba) e interpretada por la Royal Philharmonic Orchestra, esta banda sonora se erige como una de las grandes joyas del maestro.

Destaca por su uso de una orquesta sinfónica completa, con metales, cuerdas y percusión que evocan tanto el poder imponente del Imperio Británico como la energía vibrante del continente africano. Bernstein establece una contraposición brillante entre temas marciales británicos y ritmos tribales zulúes, logrando evitar caer en estereotipos y resaltando el profundo trasfondo cultural del conflicto.

Editada primeramente en un LP y posteriormente en dos ediciones en Compacto, el CD se abre con el breve tema “Morning”, con un destello de percusión que sugiere la calma de un amanecer africano....Es un corte muy "Bernstein", inmediatamente después, aparece “The Chase”, con tambores resonantes y un coro que imita las voces zulúes, aportando una gran intensidad. El “Main Title” establece el tono solemne del film con una mezcla imponente de coros y percusión. Temas como “The Chase” y “Final Attack” brillan por su dinamismo, capturando con gran eficacia la energía de las escenas de combate. Bernstein demuestra aquí su maestría para traducir el ritmo visual en un lenguaje musical envolvente.

Es un CD apoteósico donde también encontramos pasajes de carácter marcadamente patriótico, como “Regimental March” o el espléndido “River Crossing”, que inicia como una marcha vibrante y desemboca en una versión heroica del tema principal: uno de los momentos más destacados de toda la obra y un corte inolvidable también en la película. Otros cortes muy notables son “Escape”, que transmite el terror y la desesperación de la huida, desembocando en el enfrentamiento devastador de “Zulus”. Luego viene “More Zulus”, con una acción aún más vertiginosa e implacable, pero también con un destello de heroísmo y giros rítmicos electrizantes. “Formation” es otra poderosa pieza de batalla, con un coro masculino sin palabras que aporta una inmensa gravedad. Finalmente, el disco cierra con “Aftermath”, un lamento profundo hacia la muerte. 

Como ya comenté, es una de las grandes obras maestras de Bernstein, y la partitura mantiene un nivel sobresaliente de principio a fin, consolidándose como una de las mejores del género de acción y aventura de finales de la década de los setenta.

EDGE OF SANITY (Frédéric Talgorn)

 

EDGE OF SANITY (1989)

Music Composed And Conducted By

FREDERIC TALGORN

Tracklist: 

01. Opening Scene (2:45)
02. Main Title (2:32)
03. Susannah Theme (1:14)
04. Transformation (2:25)
05. Hyde Walks In The Street (0:42)
06. Frenzy (0:37)
07. Meet Susannah (0:41)
08. Blue Scene (4:16)
09. Return From Picnic (0:54)
10. Good Night, Henry (1:01)
11. Maggie Climbs The Stairs (2:03)
12. Maggie’s Murder (1:24)
13. Hyde Scribbles (0:32)
14. Looking For A Murder (1:22)
15. Visions From Nightmare (0:50)
16. Looking For Susannah (1:56)
17. Murder Of Frank’s Prostitute (1:19)
18. Jekyll And Elisabeth On The Stairs (0:55)
19. Hallucination (3:21)
20. Elisabeth Finds The Scribbles (1:42)
21. Looking For Jekyll (0:52)
22. In The Attic (1:52)
23. End Titles (2:21)
24. End Credits (2:33)

Extras And Source Music

25. Opening Scene (Alternate Performance and Mix) (2:59)
26. Hallucination (Alternate Performance and Mix) (3:39)
27. At The Bordello (1:34)
28. In The Tavern (0:51)
29. Jekyll’s Waltz (2:22)

Este mes presentamos la gran obra de Frédéric Talgorn, con la edición del sello Intrada de la banda sonora compuesta para Edge of Sanity (titulada Al borde de la locura en España), una película de terror de 1989 que marcó el debut del compositor en el mundo del cine. Dirigida por Gérard Kikoïne, este filme era un híbrido fascinante que combinaba elementos de Dr. Jekyll y Mr. Hyde con la leyenda de Jack el Destripador, todo envuelto en un estilo histérico y barroco que, aunque excesivo, termina por conquistar al espectador más predispuesto.

La historia, aunque secundaria, sirve como marco para un festival de excesos visuales y narrativos. Con un aire que recuerda a los videoclips ochenteros y un toque de extravagancia al estilo de Ken Russell, la película es una mezcla de erotismo, sadismo y estética de serie B que se disfruta sin pretensiones. Anthony Perkins, en un papel desbordado, lleva la actuación al límite, contribuyendo al tono delirante de la cinta.

Durante años, se creyó que la partitura estaba perdida. Sin embargo, el compositor redescubrió la grabación en formato DAT, lo que permitió su remasterización y publicación por parte de Intrada. Talgorn, conocido por su habilidad para fusionar la tradición orquestal clásica con un enfoque moderno, creó una partitura que captura la oscuridad y la intensidad del relato.

En Edge of Sanity, Talgorn utiliza una orquesta completa para tejer una música llena de contrastes y matices. Su partitura combina elementos de suspense, terror y drama, alternando momentos de acción frenética ("Frenzy", "Hallucination") con otros más introspectivos que reflejan la dualidad del personaje principal. Parte de un tema principal muy inquietante ("Main Titles") que más adelante Talgorn transforma en una pieza trágica ("End Titles"). En general, estamos ante un trabajo donde hay temas oscuros y ominosos que reflejan la transformación de Jekyll en Hyde y la creciente locura del protagonista, pasajes de acción frenética que acompañan las escenas de violencia y caos provocadas por Hyde, y momentos de calma y melancolía, de gran belleza, como el sublime Return from the Picnic o Jekyll and Elizabeth on the Stairs. También hay un inquietante tema para cuerdas que describe el burdel (At the Bordello), e incluso un bellísimo vals dedicado a la figura del Dr. Jekyll (Jekyll Waltz), así como la música diegética -a modo de piano y cuarteto- del corte In the Tavern.

Banda sonora muy potente, que emplea la orquesta de manera dinámica, utilizando cuerdas tensas, metales impactantes y percusión dramática para enfatizar los momentos clave de la película y que muestra de las más interesantes y subvaloradas una partituras del cine de terror de finales de los ochenta.

FILM AND TELEVISION MUSIC (Angela Morley)

 THE FILM AND TELEVISION MUSIC OF ANGELA MORLEY (2003)

Music Composed By 

ANGELA MORLEY

Orchestra Conducetd By JOHN WILSON

Tracklist:

1) Introduction And Waltz From (The Film) The Slipper And The Rose 4:36
2) Transformation Music And Wedding March 1:54
3) Theme From (The) TV Film Madame X 4:28
4) Theme From (The) Film When Eight Bells Toll 2:39
5) A Tender Mood 3:17
6 Theme From (The) Film The Looking Glass War 3:32
7 White Wing, From (The) TV Series Hotel 3:50
8 Snow Ride 2:56
9 Blues For Alexis, From (The) TV Series Dynasty 2:19
10 Rotten Row 2:01
11 My Autumn Love 4:20
12 A Canadian In Mayfair 3:18
Music From The Film Watership Down
13 Venturing Forth 2:27
14 Through The Woods 2:43
15 Kehaar's Theme 2:40
16 Final Struggle And Triumph 3:49
17 Captain Nemo And The Undersea City 5:35

Desde hace años he querido rendir homenaje a Angela Morley y como su discografía no es extensa, he optado por el recopilatorio "The Film and Television Music of Angela Morley", publicado hace 20 años, que resume lo mejor de esta gran compositora británica.

Angela Morley (Leeds, 10 de marzo de 1924 - Scottsdale, 14 de enero de 2009) fue compositora y directora de orquesta. Nacida como hombre, en la década de 1950 se destacó en la BBC Radio bajo el nombre de Wally Scott. En 1972, hizo la transición de género y vivió abiertamente como mujer en Scottsdale. Siempre reconoció la influencia del compositor canadiense Robert Farnon en su carrera.

Morley ganó tres premios Emmy por sus arreglos musicales, así como dos nominaciones al Oscar por Mejor Partitura Original, destacando su trabajo en "El Principito" (1974) y "The Slipper and the Rose" (1976).

El CD incluye una selección de sus composiciones más notables. Abre con el vals de "The Slipper & the Rose", que incorpora fragmentos de canciones de Richard y Robert Sherman. La pieza "Transformation Music And Wedding March" acompaña la transformación de Cenicienta en princesa. El tema de "Madame X" (1981) presenta un solo de piano, mientras que "When Eight Bells Toll" es un tema compuesto a principios de los 70 es uno de mis cortes favoritos, ya que tiene un cierto aire a lo John Barry y sus temas para al saga de 007. "A Tender Mood", para violín solo y cuerdas, fue creada para Chappell en las décadas de 1950 y 1960.  Las melodías de "The Looking Glass War" y "White Wing" (esta última para la de la serie Hotel) nos ofrecen elegancia y sensibilidad musical marca de la casa. Morley en los años 70 y 80 trabajó mucho en televisión, por ejemplo en la serie "Dinastía", aquí aparece un fabuloso tema llamado  "Blues for Alexis" es una recopilación de temas . 

Otros cortes excelente son los de "Rotten Row" y  "A Canadian In Mayfair" (1950), esta ultima primera composición de la autora, basada asimismo  en "Portrait of a Flirt" de Robert Farnon. 

Los platos fuertes del CD quedan en la parte final, presentando una suite de cortes de "Watership Down", la célebre película de animación de los años 70,  con cuatro extractos: "Venturing Forth", que marca el comienzo de la aventura; Through the Woods, que acompaña a Hazel y su grupo en un viaje a través de un bosque aterrador; Kehaar’s Theme, escrita para el gaviota Kehaar; y "Final Struggle and Triumph", una compilación de momentos dramáticos.

Finalmente, el compacto se cierra de modo esplendoroso con  "Captain Nemo and the Undersea City", obra compuesta en 1969, presentando temas que representan la aventura y la noble visión del mudo y las intenciones del capitán Nemo...En un disco altamente recomendable, que vale por una vida entera dedicada a la música de cine y televisión

OCTOPUSSY (John Barry)

OCTOPUSSY (1983)

Music Composed And Conducted By JOHN BARRY

Tracklist:

DISC 1
SCORE PRESENTATION
1. Gun Barrel And Airbase* :51
2. Bond Look-Alike* 2:59
3. Fill Her Up :44
4. All Time High (Performed by Rita Coolidge) 3:05
5. 009 Gets The Knife And The Property Of A Lady 1:35
6. Kremlin Art Repository And Sotheby’s 1:22
7. India 1:00
8. Magda And Spend The Money Quickly, Mr. Bond :50
9. Gobinda Attacks* 2:14
10. Easy Come, Easy Go* 1:50
11. All Time High (Instrumental) 1:48
12. That’s My Little Octopussy 3:13
13. Arrival At The Island Of Octopussy 3:23
14. Bond At The Monsoon Palace 3:04
15. Palace Intrigue 1:43
16. The Mysterious Octopussy 2:36
17. Bond Meets Octopussy 3:36
18. Yo-Yo Fight And Death Of Vijay (Extended Version) 3:54
19. Checkpoint Charlie And The Romanov Star 1:06
20. The Chase Bomb Theme (Film Version) 1:55
21. Fight With Mischka :56
22. Follow That Car* 1:02
23. The End Of General Orlov 1:51
24. Gorilla Suit And Death Of Grischka 1:26
25. The Bomb Arrives And Clowning Around 1:48
26. The Palace Fight (Extended Version)* 5:00
27. Kamal Khan’s Death And Finale 2:01
28. All Time High – End Title (Performed by Rita Coolidge) 3:03
Total Score Time 60:43

ADDITIONAL MUSIC
29. British Ambassador :48
30. Vijay’s Pungi* :32
31. Gangaur Ghat 1:20
32. Bazaar 1:09
33. Let The Sport Commence 2:59
34. The Hunt Continues 2:10
35. The Floating Palace :53
36. Distraction 2:07

DISC 2
ORIGINAL SOUNDTRACK ALBUM
1. All Time High (Performed by Rita Coolidge) 3:04
2. Bond Look-Alike* 2:59
3. 009 Gets The Knife And Gobinda Attacks* 3:06
4. That’s My Little Octopussy 3:13
5. Arrival At The Island Of Octopussy 3:23
6. Bond At The Monsoon Palace 3:04
7. Bond Meets Octopussy 3:36
8. Yo-Yo Fight And Death Of Vijay 3:45
9. The Chase Bomb Theme 1:57
10. The Palace Fight* 4:32
11. All Time High – End Title (Performed by Rita Coolidge) 3:03


BONUS TRACK
12. All Time High (Extended Instrumental Version) 3:52

Cuando se reeditaron en la década de los noventa, la mayoría de las bandas sonoras de James Bond en CD fueron ampliadas, quedando unos pocos títulos con el privilegio de contar con una mayor cantidad de música. Afortunadamente, esta reciente edición del sello La-La Land ayuda a completar la banda sonora de John Barry para la película de 007 "Octopussy".

Esta banda sonora marcó el regreso de John Barry a la franquicia de James Bond tras el trabajo de Bill Conti en "Solo Para sus Ojos". Se trataba de la decimotercera película de la saga y la penúltima aparición de Roger Moore como agente secreto. Tenía un handicap inevitable: el actor empezaba a estar demasiado mayor para el papel, pero aun así lo encarnaba con solvencia y sus golpes de humor eran aptos para todos los públicos. En general, la película, entretenidísima y clásica en sus formas al extremo, aguanta muy bien el paso de los años siendo probablemente una de las mejores de la etapa. En eso ayuda la solvente dirección de John Glen, el comentario musical de John Barry, un guion que vuelve a la trama de espionaje más típica (impagable el villano encarnado por un soberbio Steven Berkoff), y combina localizaciones suntuosas (La India esencialmente), el humor irónico y excelentes escenas de acción que vistas hoy vuelven a marcar diferencia entre el trabajo con especialistas, maquetas y dobles, con las aberraciones digitales de la actualidad.

Barry entregó una partitura orquestal emocionante, dramática y romántica, en la que combinó su estilo de acción de los años 60 con su enfoque sinfónico más sofisticado de finales de los años 70 y principios de los 80. La banda sonora cuenta con una notable (e infravalorada) canción principal interpretada por Rita Coolidge titulada "All Time High", que aquí se presenta en tres versiones, incluida una versión instrumental extendida. Este tema suave, aunque tal vez no sea la mejor canción compuesta por Barry para el personaje, resulta muy efectivo y curiosamente en su versión orquestal queda perfecto, convirtiéndose en uno de los mejores temas románticos de toda la saga ("It's My Little Octopussy", "Bond Meets Octopussy" o en una versión más "Easy Lisetning" para el momento Casino del track "All Time High (Instrumental) .

En 1983, esta película compitió con "Never Say Never Again", el retorno de Sean Connery al personaje, y por ello se requirió a John Barry que utilizase muchas veces el famoso tema creado por Monty Norman. Es por ello que en Octopussy aparece muchas veces a lo largo de la grabación, siempre orquestado y versionado por un Barry pletórico ("Gunbarrel", "Bond Looks Alike", "Gobinda Attacks", "Follow That Car" entre otros), a la vez que combinándolo con un nuevo tema de acción enérgico -Barry desde "Diamonds Are Forever" siempre creaba un tema de acción que utilizaba en todos los films Bond- y que aquí utiliza en muchas ocasiones a lo largo del film, es un corte enérgico y misterioso, que tiene crescendo y un uso de metales y vientos marca de la casa que aparece en "Yo Yo Fight" o el memorable "The Palace Fight". Obviamente existen corte donde la localización geográfica del film marca el estilo de Barry (pìenso en el soberbio "India") además de un buen grupo de temas misteriosos y sensuales como "Arrival At The Island Of Octopussy" y "Bond and The Moonsonn Palace".

El CD 1 de esta versión de lujo presenta la banda sonora de la película y música adicional, mientras que en el CD 2 se encuentra una remasterización del álbum de la banda sonora original de 1983, junto con el estreno en CD de la "Versión Instrumental Extendida" de "All Time High"...En un regalo para todos aquellos que amen y admiren la música compuesto pro el maestro para la saga del agente 007

THREE DECADES OF TV THEMES (Paul Lewis)

 

THREE DECADES OF TV THEMES

Music Composed And Conducted By 

PAUL LEWIS

Tracklist: 

1)  The Prisoner of Zenda, television serial~Theme 02:48

2)  Spring & Autumn, television sitcom~Autumn Love 04:20
3)  Brendon Chase, television mini series~Theme 04:02
4)  Arthur of the Britons Suite~Flourish for a King 01:36
5)  Arthur of the Britons Suite~Celtic Horns / The Longship 03:28
6)  Arthur of the Britons Suite~Revelry 01:50
7)  Arthur of the Britons Suite~Kai the Saxon / Skirmish and Rout 02:09
8)  Arthur of the Britons Suite~The Fair Rowena 02:21
9)  Arthur of the Britons Suite~Chase! 02:58
10)  The Big Knife, romance for piano & strings 07:07
11)  King's Royal, television mini series~Theme 03:00
12)  The Dark Angel, a Gothic melodrama for orchestra~Maud 04:20
13)  The Dark Angel, a Gothic melodrama for orchestra~The Ball 03:20
14)  The Dark Angel, a Gothic melodrama for orchestra~Madame de la Rougierre 02:17
15)  The Dark Angel, a Gothic melodrama for orchestra

       ~Valse d'amour and Death of Silas 06:05
16)  The Benny Hill Waltz 02:47
17)  c, a mood picture for soprano & orchestra 09:59
18)  Woof!, fantasy for harmonica & orchestra 04:13
19)  Wreckers at Deadeye, overture 07:28

Esta entrada está dedicada a esos compositores de los que nunca nadie se acuerda, los especialistas en la televisión que han brindado trabajos espectaculares. En esta ocasión estamos ante un autor Ingles, se trata de Paul Lewis. 

Nacido en una familia de músicos profesionales en Brighton, Inglaterra, en 1943,  fue educado en Brighton College, donde comenzó a aprender piano a los nueve años. Su pasión por la música se despertó a la edad de doce años cuando vio la película de Laurence Olivier sobre "Ricardo III" de Shakespeare con música de William Walton. 

 A los diecinueve años, sus composiciones orquestales comenzaron a ser grabadas por varias bibliotecas de música de producción, y a los veinte años se convirtió en Asistente Asesor Musical de ABC Television. Durante casi cincuenta años, trabajó en más de 150 series y programas únicos para televisión y en 1995 fue el tema de un documental de ITV.

Su trabajo televisivo abarcó muchos géneros. Ha compuesto más de 130 obras diferentes para programas y series de televisión, desde dramas intensos (con Peter O'Toole en "The Dark Angel") hasta comedias infantiles (la serie de larga duración "Woow!"). Paul también ha compuesto obras de concierto y de cámara, especialmente en los últimos diez años, creando un catálogo de más de 150 obras publicadas (la mayoría de ellas Todas ellas tonales y generalmente de naturaleza romántica) desde conciertos hasta música de cámara.

Este CD fue editado por primera vez en 2002 y más tarde reeditado en 2018, siendo un magnífico muestrario de su música televisiva y se centra en ofrecer el abanico estilístico de un compositor que adora el clasicismo y la melodía, como perfecto seguidor de autores al estilo de Malcolm Arnold, Richard Rodney Bennett o John Scott

Es una generosa selección de algunas de las mejores partituras para televisión y se han grabado suites considerablemente amplias. Ahí está la épica "Arthur Of The Brittons" obra claramente heroica y tiene influencias de Malcolm Arnold ("Flourish for a King") y también Aaron Copland, mostrando un maravilloso tema romántico y lírico ("The Fair Rowena").

Otra suite presentada es para "The Dark Angel" , una partitura compleja con enfoque orquestal más variado y rico y que el compositor ha convertido en un bloque de melodías y  ritmos de vals se varían sutilmente según la trama o los personajes y que suena totalmente delicioso.

Lewis logra mantener su propia identidad, como en la encantadora fantasía corta "Woow!"  y el magnífico "The Island" pieza sublime para soprano y orquesta, todo un poema tonal  que recuerda mucho a los paisajes marinos compuestos pro Arnold Bax. 

Finalmente se cierra el Cd en un homenaje a Malcolm Arnold: la brillante obertura "Wreckers at Deadeye, overture" que finaliza una escucha maravillosa

LEE HOLDRIDGE DOCUMENTARIES (Lee Holdridge)

 

LEE HOLDRIDGE DOCUMENTARIES

The Sharks

The Great Whales

Gold!

Music Composed And Conducted By

LEE HOLDRIDGE

Tracklist:

THE SHARKS
1. The History Of Sharks (2:26)
2. Studying Sharks (5:02)
3. Mega Mouth/Man And Shark (7:45)
4. The Great White/Electric Fields (4:34)
5. Hammerheads/Squids/Protective Suits (5:25)
6. Gliding Underwater/Birth of a Shark/Finale (4:03)

THE GREAT WHALES
7. Opening (2:51)
8. Whales In Captivity (2:32)
9. Whales At Play (1:54)
10. Whales On The High Seas (1:27)
11. Pods (2:20)
12. The Baby Whale (1:53)
13. Gigi (3:45)
14. Russians and Greenpeace (1:10)
15. Finale (2:09)

GOLD!
16. Good As Gold (2:13)
17. Noble Gold/History Of Gold (2:18)
18. Germany In The 1920s/“God Gave Us Gold” (2:46)
19. Mining/Dubai/Italy (2:54)
20. Legend Of El Dorado/Burial Chamber (3:21)
21. Almighty Gold/Closing Credits (4:38)
22. Introduction and Theme (From “The Great Whales”) (4:04)
Performed by the London Symphony Orchestra
Conducted by Charles Gerhardt


Aprovechando el lanzamiento de este CD comienzo el año con una entrada dedicada al compositor Lee Holdridge. Autor nacido en Puerto Príncipe, Haití, en 1944. Pasó sus primeros años en Costa Rica, iniciando sus estudios de música en el violín a los diez años con Hugo Mariani, en ese momento director de la Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica. Posteriormente, Holdridge se trasladó a Nueva York para continuar sus estudios de música y dar inicio a su carrera profesional como compositor. 

Sus éxitos en Nueva York atrajeron la atención de Neil Diamond que lo llevó a Los Ángeles para crear arreglos para sus próximos álbumes. Los éxitos culminaron en la colaboración entre Diamond y Holdridge para la banda sonora de "Jonathan Livingston Seagull" y a partir de ese monento Holdridge compondría música para numerosas películas como "Splash","16 Bays Of Glory" "El Pueblo Del Sol", Old Gringo" etc...Además de trabajos en televisión como "Moonlighting", "Beauty And The Beast" o "East of Eden". Además de su carrera cinematográfica, el  maestro Holdridge tiene un extenso repertorio de obras de concierto interpretadas y grabadas.

El CD que estoy comentando ofrece música compuesta para tres películas documentales de la extensa filmografía de Holdridge: "The Sharks" (1982) , "The Great Whales" (1978) y "Gold!" (1978) Se trata de tres documentales televisivos donde se puede detectar la grandeza y la maestría de Holdridge en el género. 

Así para "The Sharks" la música narra una expedición para estudiar tiburones y desafiar los mitos que los rodean. Llama la atención que Holdridge compone una música sinfónica que en ningún momento trata de referenciarse en el famoso "Jaws" de John Williams, por lo tanto ofrece bloque de gran dramatismo como "Mega Mouth/Man And Shark ", donde la partitura siempre muestra elementos impresionistas, con figuras altas de cuerdas, acordes ascendentes de metales, un vibrato oscuro de cuerdas bajas contra una creciente ansiedad de platillos que se contrapone con las entonaciones bajas de los metales, tales como en "The Great White/Electric Fields".

También de ambientación acuática "The Great Whales" ofrece uno de los leitmotiv más bellos y majestuosos del compositor, este tema aparece al final del CD en una versión dirigida por Charles Gerhardt (" Introduction and Theme From “The Great Whales” ) mientras que los cortes de este trabajo presentan una música siempre melódica ("Whales On the High Seas" , "Pods", "The Baby Whale") y además de la orquesta, el compositor incorpora un sonido sintético que identifica el peso e inteligencia de las ballenas...Tal vez en estos cortes se puede poner una pega en la calidad del sonido, algo inferior a lao esperado. 

Finalmente el tercer documental presentado es "Gold!", que le dio al compositor la oportunidad de escribir una canción, de aire más jazzístico ("Good As Gold") donde la presencia del saxo y la melodía tienen un aire casi Bondiano...Y un resto de temas donde, aunque la orquesta sigue siendo importante, el maestro incorpora elementos más modernos ("Noble Gold/History Of Gold") o bien étnicos ("The Legend Of El Dorado")

Finalmente y como ya he comentado previamente, el CD se cierra con un reprise del tema principal de "The Great Whales", en un conjunto que aunque heterogéneo, nos muestra lo mejor de un creador siempre interesado en utilizar al melodía como estandarte de sus trabajos.

BORN THE FOURTH OF JULY (John Williams)

BORN ON THE FOURTH OF JULY

(1989)

Music Composed And Conducted By 

JOHN WILLIAMS

Tracklist:

1) A Hard Rain’s a-Gonna Fall (written by Bob Dylan, performed by Edie Brickell & New Bohemians) (4:58)

2) Born on the Bayou (written by John Fogerty, performed by The Broken Homes) (4:54)

3) Brown Eyed Girl (written and performed by Van Morrison) (3:07)

4) American Pie (written and performed by Don McLean) (8:32)

5) My Girl (written by William Robinson and Ronald White, performed by The Temptations) (2:43)

6) Soldier Boy (written by Luther Dixon and Florence Greenberg, performed by The Shirelles) (2:39)

7) Venus (written by Ed Marshall, performed by Frankie Avalon) (2:21)

8) Moon River (written by Henry Mancini and Johnny Mercer) (2:41)

9) Prologue (1:22)

10) The Early Days, Massapequa, 1957 (4:57)

11) The Shooting of Wilson (5:07)

12) Cua Viet River, Vietnam, 1967 (5:02)

13) Homecoming (2:38)

14) Born on the Fourth of July (5:44)

Me apetecía cerrar el año dedicando una entrada al último de los grandes que nos queda, el legendario John Williams (1932) y en concreto escribir sobre una de sus apasionantes obras, me refiero a su composición memorable y mayestática para el film de Oliver Stone "Nacido el 4 de Julio" (1989).

La película es notable film biográfico sobre el descenso a los infiernos del veterano de Vietnam Ron Kovic (una esforzada interpretación de Tom Cruise) La película se ve ocasionalmente lastrada por la tendencia al efectismo de Stone, pero también es muy brillante en otras secuencias (especialmente todos los momentos de drama intimista) conformando un film en esencia atractivo donde obviamente destaca y mucho el inolvidable y conmovedor score de John Williams.

La partitura de "Nacido el Cuatro de Julio" de John Williams  fue la primera de las tres películas en las que colaboró con Stone, las otras siendo "JFK" en 1991 y "Nixon" en 1995. Williams. Para esta obra el maestro decidió no componer un score excesivamente extenso -En el álbum de la banda sonora solo hay 25 minutos de partitura, teniendo en cuenta que Stone además utiliza muchas canciones y temas estándar para ilustrar el film.

Al parecer tras visionar el film y de común acuerdo con el director, Williams decidió utilizar una orquesta de cuerdas  a los Samuel Barber -como ya hizo anteriormente Georges Delerue en "Platoon"- y así mostrar los horrores de la guerra, contando además con una trompeta solista para ilustrar la juventud feliz, inocente perdida en las selvas lejanas de Vietnam.

El disco afortunadamente ofrece tras una buena selección de canciones la obra de Williams. Esta se abre con un "Prologue" que muestra el tema de apertura, una elegía profunda y sencilla, en una interpretación magistral de la trompeta (Tim Morrison). La obra sigue con "The Early Days, Massapequa, 1957" , toda una evocación musical de la juventud idílica de su protagonista, en una muestra musical del llamado  sueño americano que Williams expone en con una orquesta pletórica...Y el maestro ya va marcando dentro de este corte momentos en los que la música adelanta el horror y la oscuridad posterior, como en el siguiente corte "The Shooting of Wilson"" una pieza que subraya la escena donde la compañía de Kovic masacra accidentalmente a una casa llena de granjeros vietnamitas inocentes. La música nos muestra un estilo de Williams más cercano a "The Fury"o "Images"  donde la disonancia disonancia orquestal recalca la tragedia de la guerra. 

La próxima pieza, "Cua Viet River, Vietnam, 1967", marca la tragedia melancólica de protagonista, con un Williams que marca el disparo que cambia la vida de Kovic, utilizando cuerdas , piano, sintetizadores incluso voces fantasmales que crean un tono muy desesperado. Tras este corte llega la penúltima pieza, "Homecoming", donde el tono de Williams es más esperanzador, aunque los altibajos anímicos están muy bien expresados...Llegando al corte final : "Born on the Fourth of July" , el bloque que acompaña los créditos finales, donde de nuevo la música -soberbia- de John Williams estalla en todo su esplendor sinfónico, cerrado una de sus más memorables y emocionales bandas sonoras

THE FILM MUSIC OF JOHN ADDISON (John Addison)

THE FILM MUSIC OF JOHN ADDISON 

Music composed By 

JOHN ADDISON

 Orchestra Conducted By

RUMON GAMBA

Tracklist:
1.I Was Monty's Double 2:58
2.Centennial (main theme)4:09
3.Swashbuckler5:46
4.A Bridge Too Far10:24
5.The Maggie2:31
6.Reach For The Sky4:07
7.Strange Invaders9:28
8.The Man Between2:10
9.Tom Jones4:45
10.The Charge Of The Light Brigade7:19
11.Brandy For The Parson (opening titles)1:20
12.Brandy For the Parson (end titles)1:43
13.Torn Curtain (main titles)2:22
14.Touch And Go2:41
15.Sleuth3:08
16.Carlton-Browne Of The F.O1:49
17.Murder, She Wrote (main theme)2:10



Hasta hoy, sorprendentemente, no había tenido la oportunidad colocar al compositor inglés John Addison en mi blog. Para enmendar este error, he decidido escribir una entrada sobre este excelente recopilatorio, regrabado por el sello Chandos en el año 2000, que incluye una selección de sus temas y suites más destacados de las bandas sonoras que compuso tanto para la televisión como para el cine. 

John Addison (Mervyn John Addison (1920 - 1998)​ fue un compositor británico conocido por sus partituras para el cine y la televisión, se destacó inicialmente en su país con composiciones cinematográficas asociadas al movimiento del "Free cinema" para luego diversificarse en diversos géneros. Su éxito le abrió las puertas de Estados Unidos, especialmente después de ganar un Oscar por su banda sonora para la película "Tom Jones", lo que le otorgó renombre a nivel mundial. También ganó un premio Bafta por la música de la película "Un Puente lejano" (A Brige too Far, 1977). Entre sus bandas sonoras destacan: That Lady (La princesa de Éboli, 1955), A Taste of Honey (1961) La chica de los ojos verdes (1964),Smashing Time (1967), Mujeres en Venecia (1967), Sleuth (La huella, 1972), El Corsario Escarlata (Swashbuckler 1976) y la serie de televisión Centennial (1978)...Además, se hizo muy popular al componer el tema musical de la serie de televisión "Murder, She Wrote" por el cual ganó un premio Emmy.

Este recopilatorio es una excelente muestra de la versatilidad de sus trabajos para el cine, ya que ofrece una variedad de formas y estilos que demuestran la maestría de un compositor que, a pesar de su virtuosismo técnico, siempre se mantuvo fiel a la tradición sinfónica, siguiendo la estela de autores clásicos como William Walton o Benjamin Britten y a la vez no le hizo ascos a homenajear constantemente a las creaciones de la música popular con instrumentaciones y formas melódicas con apego al estilo del music hall inglés, añadiendo un aire picante y neo-clásico que contribuyó a forjar su reputación.

En este CD encontramos una abundancia de música cinematográfica brillante, innovadora y original, se abre con un tema del film "I Was A Monty Double" corte con aire marcial y a la vez irónico al que sigue una magnífica suite sinfónica dedicada a "Centennial" , mini serie de TV americana en la que logra una música mucho más solemne y a la vez épica, que narra la américa de los pioneros. A lo largo del compacto aparecen otros ejemplos notables del oficio probado y la maestría de Addison, como "The Maggie", "Strange Invaders" (una de sus escasas incursiones en el cine de ciencia ficción, donde compuso una banda sonora que sigue la estela de John Williams, aunque pasada por su toque personal), obviamente la oscarizada  "Tom Jones", con su creación claramente burlesca y juguetona con al que ganó el premio de la academia, "A Brige Too Far" con una música militarista para la que creó una memorable marcha militar (nominada al Oscar de 1977), la sensacional partitura para el film de piratas "El Corsario Escarlata (Swashbuckler") para el que creó una añeja bso de aire clásico justo una ños antes de que la guerra de las galaxias pusiese de moda este estilo sinfónico,,,También citar la magnífica y juguetona música para "La Huella"("Sleuth") con una instrumentación/orquestación deliciosamente añeja y exagerada, de teatro popular...Cerrando la grabación con el inevitable (y memorable) tema más reconocido de Addison, la melodía que le valió un premio Emmy como tema de apertura de la serie de televisión "Se ha escrito un crimen"(Murder She Wrote).

THE RAINBOW (Carl Davis)

 

THE RAINBOW (1989)

Music Composed And Conducted By

CARL DAVIS

Tracklist:



1 Prelude And Opening Titles 4:13
2 Walking Home 1:03
3 The Swingboats 1:37
4 Ursula And Winifred 2:40
5 Seduction/The Lettuce Patch 3:17
6 Exam Results 2:02
7 School Assembly (Playmates)
Composed By – Ida Hampden
Performer – Simon Chamberlain
Composed By – Ida Hampden
Performer – Simon Chamberlain 1:22
8 Mr Harby 3:34
9 The Wedding
10 Moonlight Lovers 2:42
11 Military Two-Step 1:26
12 The Waterfall 3:27
13 Cottage Idyll 2:57
14 Pursuit Through The Forest 4:14
15 Ursula's Dream 1:37
16 The Rainbow - End Titles 2:47
17 Opening Titles (Alternative Version) 2:43
18 Moonlight Lovers (Alternative Version) 2:14
19 The Rainbow - End Titles (Alternative Version) 2:45


La muerte de Carl Davis en el pasado mes de agosto (1936-2023) me ha impulsado a inaugurar el mes de Septiembre con un tributo a su legado. He optado por destacar su excepcional banda sonora compuesta para la película de Ken Russell, "The Rainbow" (1989).

La historia de Davis es peculiar, ya que, para la mayoría, se le considera un compositor "Inglés", aunque en realidad era estadounidense de nacimiento y residió en el Reino Unido desde 1961. En 1970, contrajo matrimonio con la actriz inglesa Jean Boht. A lo largo de su carrera, Davis escribió música para más de cien programas de televisión, pero es más reconocido por su contribución a las películas mudas. Además, colaboró con Paul McCartney en la creación del álbum "Liverpool Oratorio".

La obra de Davis merece ser redescubierta, especialmente en el ámbito televisivo, con trabajos notables como "The World At War" (1973-74), "Winston Churchill: The Wilderness Years" (1981), "The Hound of the Baskervilles" (1982), "The Far Pavilions" (1984), "Pride and Prejudice" (1995), "Upstairs Downstairs" (2010), y en la pantalla grande con obras destacadas como "The French Lieutenant's Woman" (1981, por la que recibió un Premio BAFTA a la Mejor Música Original), "Champions" (1983), "King David" (1985), "Scandal" (1989), "The Rainbow" (1989), "Frankenstein Unbound" (1990), "The Trial" (1993), "Widows' Peak" (1994) y "The Understudy" (2008).

"The Rainbow" es, indiscutiblemente, una maravilla y una película que, por sí sola, representa una joya oculta en la filmografía de Ken Russell. Russell, conocido por su estilo extravagante, optaba en esta obra por una narrativa pausada y hermosa. La película se basa en una novela de D. H. Lawrence y narra el despertar sexual y vital de una joven inglesa, magistralmente interpretada por la actriz Sammi Davis y su relación con diversos personajes en la trama. La película está magníficamente rodada y presenta una fotografía hermosa y deslumbrante. En este filme, Ken Russell se mostraba más elegante, reemplazando la provocación por una sensualidad a veces poética. A pesar de su ritmo pausado, la película es cautivadora y todo resulta fascinante.

No se puede negar que Russell siempre tuvo buen oído en su selección de compositores y pro ellos su elección e Carl Davis fue acertadísima. Para esta obra, el maestro  compuso un leitmotiv apasionado y sensacional que encapsula la pasión y el despertar de la sexualidad de la protagonista, la búsqueda del "Arco Iris" expresada de manera inigualable en el tema "Prelude And Opening Titles" que acompaña los creditos iniciales. Este leitmotiv reaparece en otros cortes, orquestado con igual maestría ("Ursula And Winifred", el sensioble "Cottage Idyl") ). Davis, aunque Norteamericano de nacimiento siempre fue muy "British" en su estilo, aquí en unos bloques románticos, de inspiración pastoral un poco a lo Delius ("Walking Home") o bien creando un delicioso vals para orquesta y piano en "The Swingboats". Al ser un film que trata sobre el despertar sensual/sexual de su protagonista tenemos cortes de aire más atrevido "Moonlight Love" (con una introducción misteriosa) o bien "The Seduction" -con una parte de aire casi marcial que luego deviene dulce- además demelodías dedicados a otros personajes: "Mr Harby". Los elementos trágicos de la historia permiten crear bloques de gran tensión  que el maestro utiliza para cerrar con su leitmotiv principal, por ejemplo en el muy memorable "The Waterfall". En definitiva, un CD/LP muy reivindicable y una pieza que aun es relativamente fácil de conseguir en el catalogo de obras de este magnifico creador