SCACCO ALLA REGINA (Piero Piccioni)

 

SCACCO ALLA REGINA

Musiche Composte e dirette da PIERO PICCIONI

Tracklist:

1. CAPRICCIO 3:20
2. ASPETTO ANCORA UN GIORNO 2:27
3. THE REDCOAT 3:024. SOGNANDO LA TUA VOCE 3:55
5. CON O SENZA SOLE 2:25
6. DA SOLI IN VACANZA 2:29
7. E' VERO, OGNI MONDO E' FELICE 3:48
8. SCACCO ALLA REGINA 3:19
9. ... AL RE 2:33
10. L'ALFIERE 3:00
11. LA TORRE 3:20
12. NERO PIU' BIANCO 3:16
13. POCHE MOSSE ALLA FINE 2:54
14. I CAVALLI 3:30

Bonus tracks (*)

15. SCACCO ALLA REGINA (# 2) 3:34
16. I CAVALLI (#2) 3:00
17. THE RED COAT (#2) 3:25
18. SCACCO ALLA REGINA (# 3) 3:15
19. E' VERO, OGNI MONDO E' FELICE (#2) 3:35
20. I CAVALLI (#3) 2:23
21. CAPRICCIO (#2) 3:17
22. SCACCO ALLA REGINA (vocal) 2:54
23. CAPRICCIO (vocal) 3:07
24. SCACCO ALLA REGINA (off vocal mix) 2:55
25. CAPRICCIO (off vocal mix) 3:07

Nueva entrada para este caluroso mes de Agosto, con uno de mis compositores italianos favoritos: Piero Piccioni. A finales de los sesenta, ya era una figura clave de la música de cine italiana gracias a un estilo inconfundible, capaz de moverse entre la gran orquesta, el jazz, la bossa nova, el pop sofisticado y esos irresistibles sonidos "groovy" que marcaron su producción. Hoy nos detenemos en "Scacco alla regina" (1969), partitura para la extraña y fascinante película de Pasquale Festa Campanile. Con Rosanna Schiaffino y Haydée Politoff, la trama aborda la dominación psicológica y el erotismo bajo una estética psicodélica que evoca una versión provocadora de "Eva al desnudo". Sin embargo, lo que eleva definitivamente la cinta es la música de Piccioni. Lejos de ilustrar imágenes de forma pasiva, el compositor construye un álbum con personalidad propia. A lo largo de sus catorce cortes equilibra jazz, bossa nova, pop orquestal y tensión dramática, logrando melodías sofisticadas y de impacto inmediato.

El doble CD abre con "Capriccio", pieza elegante donde la inconfundible voz de Edda Dell'Orso aporta un aire etéreo y sensual. Le sigue "Aspetto ancora un giorno", una delicada bossa nova dominada por el piano y las cuerdas, mientras que "The Redcoat" cambia el paso hacia un jazz dinámico con ecos del pop instrumental británico de la época.
El punto álgido de lirismo llega con "Sognando la tua voce", donde la voz de Dell'Orso flota sobre una sutil base de cuerda. En una línea más relajada, "Con o senza sole" y "Da soli in vacanza" brillan como joyas de "easy listening", destilando esa sofisticada ligereza del mejor sonido italiano de los sesenta. Ese refinamiento orquestal, teñido de melancolía, se prolonga en "È vero, ogni mondo è felice".

La segunda mitad del álbum gira en torno al tema principal, "Scacco alla regina", que condensa el corazón musical de la obra: ritmo de jazz, cuerdas envolventes y una atmósfera cargada de misterio. A partir de ahí, cortes inspirados en el ajedrez como "...Al re", "L'Alfiere" y "La torre" desarrollan un ambiente de tensión psicológica con bajos marcados y arreglos inquietantes. Tras el lirismo de "Nero più bianco" y el suspense de "Poche mosse alla fine", el cierre llega con "I cavalli", un enérgico broche final de aire "groovy" que retrata al mejor Piccioni.

El segundo CD suma excelentes tomas alternativas de temas clave como "Capriccio" o "I cavalli". Lejos de ser mero relleno para completistas, estas mezclas vocales e instrumentales permiten apreciar la riqueza de la orquestación y el magistral trabajo de Dell'Orso, consolidando esta edición como la opción definitiva para disfrutar de una obra imprescindible.

F.I.S.T. / SLOW DANCING IN THE BIG CITY (Bill Conti)

 

F.I.S.T (1978)

SLOW DANCING IN THE BIG CITY (1978)

Music Composed And Conducted By

BILL CONTI

Tracklist

F.I.S.T.:
1. Main Title (Theme from F.I.S.T.) (02:42)
2. F.I.S.T. is formed (01:58)
3. Preparing to strike (01:51)
4. Torching the Tent (01:42)
5. My Friend Abe (01:45)
6. Convention and Election (01:58)
7. Kissing in the Closet (03:06)
8. The big Strike (02:01)
9. Funeral for Mike (01:40)
10. Enlistment Drive (01:48)
11. Johnny goes to Washington (02:08)
12. Doyle’s Men (01:16)
13. Lights out (01:43)
14. End Title (04:05)

Slow Dancing in the big City:
15. Slow Dancing in the big City (03:02)
16. Good Night (01:29)
17. You can’t dance again (02:24)
18. Alone in Lincoln Center (02:28)
19. Rooftop Dancing (02:14)
20. T.C. Salsa (03:48)
21. Balletto (07:04)
22. The Ovation (04:31)
23 Blue Evening (05:01)

Esta entrada supone el regreso al blog del gran Bill Conti, compositor eternamente ligado a "Rocky" y al enorme éxito que aquella película supuso para todos sus implicados. A partir de 1976, su carrera experimentó un impulso definitivo que lo convirtió en uno de los autores más solicitados del Hollywood de finales de los setenta y primeros ochenta. Conti alternó partituras de corte más contemporáneo con otras en las que pudo desarrollar una escritura sinfónica de gran envergadura. En ese sentido, las bandas sonoras de "F.I.S.T." (1978) y "Slow Dancing in the Big City" (1978) debieron de sorprender a quienes únicamente asociaban su nombre al universo de "Rocky", ya que representan dos vertientes casi antagónicas de su personalidad musical y confirman su categoría como uno de los grandes compositores orquestales de su generación. Ambas partituras fueron grabadas en 1978, editadas originalmente en vinilo ese mismo año y reunidas posteriormente por Varèse Sarabande en una edición limitada en CD publicada en 2005, que es la que comento hoy.

"F.I.S.T.", dirigida por Norman Jewison y protagonizada por Sylvester Stallone, es un drama sindical inspirado libremente en la figura de Jimmy Hoffa, con evidentes elementos de thriller político y ecos de "The Godfather", ya que la influencia de la mafia resulta determinante en la trama. Para esta película, Conti se aparta deliberadamente del tono heroico y triunfal de "Rocky" y construye una partitura de mayor densidad dramática, profundamente americana, con claras resonancias de Aaron Copland tanto en el tratamiento armónico como en la amplitud de sus líneas melódicas. La escritura para la London Symphony Orchestra destaca por una poderosa presencia de metales, unas cuerdas de gran peso expresivo y un sólido soporte percusivo.

El tema principal, "Main Title – Theme from F.I.S.T.", sintetiza perfectamente la dualidad del personaje central mediante una combinación de épica contenida y melancolía, mientras que "Main Title" y "End Title" desarrollan un discurso de gran fuerza sinfónica, apoyado en fanfarrias de metal y timbales que evocan la lucha obrera sin caer nunca en el triunfalismo fácil. Se trata de una partitura magníficamente estructurada, donde la contundencia orquestal convive con momentos de gran delicadeza. Así, "Johnny's Theme" recurre a una trompa solista sostenida por unas cuerdas de gran lirismo para expresar el idealismo del protagonista, mientras que "Love Theme" ofrece una de las melodías más inspiradas de Conti, articulada mediante piano, flauta y una escritura para cuerdas tan elegante como melancólica. En el extremo opuesto, cortes como "Strike Montage" y "Riot" exhiben una escritura rítmica mucho más agresiva, con ostinatos de metal, percusión incisiva y un tratamiento orquestal de enorme tensión dramática que sitúa a Conti en uno de los momentos más inspirados de su carrera.

En el extremo opuesto, aunque igualmente sobresaliente, encontramos "Slow Dancing in the Big City", dirigida por John G. Avildsen y protagonizada por Paul Sorvino y Anne Ditchburn. El filme narra la historia de una bailarina cuya prometedora carrera queda truncada por una enfermedad, proporcionando a Conti el marco ideal para desarrollar una de las partituras más refinadas, íntimas y románticas de toda su filmografía. Aquí desaparece casi por completo el músculo sinfónico de "F.I.S.T." para dar paso a una escritura mucho más camerística, basada en el piano, unas cuerdas aterciopeladas y melodías de una extraordinaria sensibilidad, con una atmósfera íntimamente ligada al universo del ballet.

"Main Title" abre la obra mediante un elegante diálogo entre piano y saxo tenor que dibuja un Nueva York nocturno, sofisticado y melancólico. "Sarah's Theme", verdadero eje emocional de la partitura, presenta una de las melodías más bellas escritas por Conti, inicialmente expuesta por el piano y enriquecida posteriormente mediante oboe y cuerdas ligeras, logrando una emoción contenida de enorme eficacia dramática. "The Dance Studio" introduce un refinado jazz-funk de sabor inequívocamente setentero, sustentado sobre bajo eléctrico, Fender Rhodes y flauta, mientras que "Love in the Park" desarrolla el material romántico mediante una delicada combinación de guitarra acústica y cuerdas. El "Finale" recupera el tema principal en toda su plenitud sinfónica, otorgándole un carácter inevitablemente agridulce que encaja a la perfección con el desenlace de la película.

La pieza más célebre del álbum continúa siendo "The Ovation", una composición de enorme elegancia melódica y exquisita sensibilidad que, con el paso de los años, ha adquirido vida propia entre los aficionados a la música cinematográfica. Recurado la sensación de descubrir este LP hace un montón de años (mucho antes de la edición el CD)  y no dar crédito a este torrente melódico  que nos legó Conti, en una obra maestra que no me extraña acabó siendo utilizada tanto en exhibiciones de patinaje artístico como en diversas ceremonias de los Oscar, convirtiéndose en una de las páginas más emblemáticas de toda la producción de la maestro americano.

LO SQUARTATTORE DI NEW YORK (Francesco De Masi)/UNA TOMBA APERTA, UNA BARA VUOTA (Piero Piccioni)

 

LO SQUARTATTORE DI NEW YORK (1982)

Music Composed By 

Francesco De Masi

UNA TOMBA APERTA, UNA BARA VUOTA (1971) 

Music composed By Piero Piccioni


Tracklist:

The New York Ripper (1982) Francesco De Masi
1) New York One More Day
2 )'Phone Call
3 )New York One Night
4 )Puertorico Club
5 )The Ripper
6 )New York One More Day
7 )Fay
8 )Where Is the Ripper?
9 )New York One Night
10) Puertorico Club
11 )Suspense and Murder
12 )Waiting for the Killer

Una Tomba Aperta, una bara vuota (1972) Piero Piccioni

13)  Helen Where Are You?
14)  It Means Love
15) Hunting Memories
16) It Means Love
17) Ghost Chase
18) Dreaming Again
19) Moonbeams on the Ruins
20)  Echoes of a Name

 

Este mítico CD de BEAT, editado en los años noventa, reunía dos bandas sonoras esenciales del terror italiano: *El Destripador de Nueva York* (*Lo Squartatore di New York*, 1982), dirigida por Lucio Fulci, y *La casa de las muertas vivientes* (*Una tomba aperta, una bara vuota*, 1972), firmada por Alfonso Balcázar bajo el seudónimo de Al Bagram. Se trata de dos films bastante distintos en intenciones y resultados —el primero mucho más atrevido y sangriento; el segundo, más sugerente y atmosférico—, pero que funcionan en perfecta sintonía en esta edición discográfica, permitiendo apreciar dos formas muy diferentes de entender la música en el cine de género.
El film de Fulci, uno de los más famosos y exitosos de su carrera, mezclaba con acierto el *slasher* estadounidense con los códigos del *giallo* italiano. Rodada en Nueva York con un reparto internacional, la cinta narraba la investigación policial de un asesino en serie, bajo una inspirada dirección que dejó varias secuencias gore antológicas. Para ella, Francesco De Masi compuso una partitura de atmósfera urbana, pop y rockera que encaja muy bien con la visión decadente de la ciudad nocturna. El tema principal ("New York One More Day") es una melodía para conjunto moderno, muy rítmica, que el maestro reutiliza constantemente en los pasajes más tensos ("The Ripper", "'Phone Call") y también en una vertiente más sensual. Destaca un magnífico corte de aire blues ("Fay") junto a piezas más agresivas y disonantes ("Suspense and Murder", "Where Is the Ripper?") incluso cortes mas diegeticos (el rítmico "Puerto Rico Club") que refuerzan la violencia de forma contenida pero muy eficaz.

Por su parte, la coproducción hispano-italiana de Balcázar, rodada en Barcelona, es una extraña y sugerente mezcla de *thriller* y terror gótico que evidencia la influencia lejana de "La residencia". Casi toda la acción transcurre en una mansión donde se entrelazan un crimen del pasado sin resolver y las tensiones sexuales protagonizadas por Daniela Giordano, Teresa Gimpera y Nuria Torray. El contraste entre la versión íntegra y la estrenada en España es notable: el montaje uncut conserva los desnudos y desarrolla con más coherencia las relaciones entre los personajes, mientras que la versión censurada sufrió tantos cortes que el relato resultaba difícil de seguir.
Aunque su narrativa no es del todo sólida, la película mantiene el interés gracias a su cuidada ambientación y, sobre todo, a la excelente banda sonora de Piccioni. En ella se alternan piezas orquestales con pasajes de cuerdas y melodías misteriosas ("Helen Where Are You?"), junto a fragmentos de aire más jazzístico donde se combinan el piano y un fondo rítmico, como ocurre en el fabuloso tema romántico "It Means Love". Este último reaparece más adelante en una soberbia instrumentación donde la sección de cuerda lo explora en todo su esplendor, demostrando la exquisita y particular capacidad melódica que poseía el maestro. Asimismo, destacan los inquietantes arreglos camerísticos de gran importancia lírica ("Hunting Memories", "Ghost Chase"). En otros momentos, los vientos suaves y el suspense abstracto crean una atmósfera sensacional ("Dreaming Again"), coronando una obra verdaderamente fantástica que se cierra recuperando ese pulso de jazz gracias al uso del órgano Hammond, el piano y la base orquestal ("Echoes of a Name").

En conjunto, este CD (que hacia mucho tiempo que no escuchaba) es una sorpresa muy reivindicable, ya que refleja dos caras complementarias del cine europeo de terror y suspense firmadas por dos maestros indiscutibles.

MANCINI IN SORROUND (Henry Mancini)

 

MANCINI IN SORROUND (1990)

Mostly Monsters, Murders & Mysteries

Music Composed And Conducted By

HENRY MANCINI








Tracklist


1. SURROUND FANTASTIQUE (00:54)

2. ARCTIC WHALE HUNT (04:00)
from THE WHITE DAWN
3. theme from (02:35)
MOMMY DEAREST
4. Main title (02:15)
FRENZY (rejected)
5. THE MONSTER GETS MARK (06:47)
from THE CREATURE OF THE BLACK LAGOON
6. THE THING STRIKES/DESERT RENDEZVOUS (04:45)
from IT CAME FROM OUTER SPACE
7. TERROR STRIKES (03:15)
from TARANTULA
8. CASEY'S THEME (02:40)
from FEAR
9. LITTLE BOYS (03:33)
from THE MAN WHO LOVED WOMEN
10. MAIN TITLE (04:49)
from THE PRISONER OF ZENDA (tracks 10-12)
11. CORONATION WALTZ (03:11)

12. CROQUETTE (02:54)

13. MAIN TITLE (03:18)
from NIGHTWING
14. SUPER SLEUTH (02:29)
from WITHOUT A CLUE (tracks 14-15)
15. END TITLE (02:47)

16. SUNSET THEME (02:01)
from SUNSET (tracks 16-18)
17. CHERYL'S THEME (04:05)

18. THE COWBOYS (03:56)

Mancini in Surround es un mítico CD editado por Henry Mancini a principios de los noventa, en el que recuperó piezas y temas pertenecientes a películas menos populares, centrándose especialmente en el cine de terror, misterio y aventura, además de rescatar composiciones hasta entonces inéditas o muy poco conocidas. El resultado fue un álbum sensacional que abrió los oídos de muchos aficionados que todavía encasillaban a Mancini únicamente como compositor de jazz ligero, lounge o melodías sofisticadas. Un disco que siempre apetece recuperar y reivindicar.

El álbum equilibra con maestría lo lúdico y lo oscuro, reflejando la dualidad presente en gran parte de la obra del compositor. Todo ello queda además realzado por el uso de las técnicas de surround, un formato envolvente que daba nueva vida a la música y sumergía al oyente en un paisaje sonoro tan nostálgico como espectacular. La mezcla realizada por el propio Mancini mejoraba notablemente la separación instrumental, permitiendo apreciar la compleja interacción de melodías, armonías y texturas orquestales que siempre caracterizó su estilo.

Más que una simple recopilación, Mancini in Surround funciona como una auténtica experiencia cinematográfica continua. Mancini reorganiza los temas para construir un recorrido dramático que pasa del espectáculo tecnológico al suspense, el terror, la aventura y finalmente a una atmósfera más melancólica y nostálgica. Al mismo tiempo, el disco funciona en varios niveles: como demostración audiófila de sonido envolvente, como recopilación alternativa de su catálogo menos conocido, como reivindicación de su faceta más experimental y sinfónica y también como documento histórico de una época en la que Hollywood comenzaba a explorar seriamente las posibilidades del audio digital inmersivo.

El CD se abre con el espectacular “Surround Fantastique”, quizá la pieza más famosa del álbum. Compuesta para los tráilers demostrativos de Dolby Surround en salas de cine, funciona como una poderosa declaración de intenciones. Percusiones que parecen desplazarse por la sala, fanfarrias masivas de metal y violentos golpes orquestales convierten el tema en una especie de miniobertura futurista, sorprendentemente agresiva para el estilo habitual de Mancini. Muchos aficionados recuerdan todavía haberla escuchado antes de las proyecciones cinematográficas de los años noventa.

A continuación aparece “Arctic Whale Hunt”, perteneciente a The White Dawn, una de las grandes joyas ocultas del álbum. Se trata de música de acción pura: percusión tribal, metales salvajes y cuerdas tensísimas que describen la brutalidad de la caza de la ballena en el Ártico. Aquí aparece un Mancini épico y físico, muy alejado de la imagen elegante y jazzística asociada habitualmente a su nombre.

El álbum continúa alternando estilos y atmósferas. El tema de Mommie Dearest aporta un tono decadente y lírico, con una melodía sofisticada y casi romántica atravesada por una inquietante oscuridad emocional. Muy distinto resulta “Frenzy Rejected – Main Title”, la famosa música rechazada que Mancini compuso para Frenzy de Alfred Hitchcock. Hitchcock descartó el score porque buscaba algo más sombrío y menos “americano”, pero lo que se escucha aquí sigue siendo fascinante: suspense hitchcockiano filtrado a través del refinamiento armónico y jazzístico característico de Mancini.

Una de las secciones más llamativas del disco es la dedicada al cine fantástico clásico de los años cincuenta, con música escrita para Creature from the Black Lagoon, It Came from Outer Space y Tarantula. Se trata de una suite fabulosa, llena de suspense y atmósferas casi brutalistas. Cortes como “The Monster Gets Mark” o el extraordinario “The Thing Strikes / Desert Rendezvous” muestran a un Mancini situado a años luz del autor de Breakfast at Tiffany's y, al mismo tiempo, igual de genial.

Tras estos pasajes oscuros, el álbum se relaja ligeramente y aparecen momentos mucho más íntimos, como “Casey’s Theme”, procedente de Fear, donde reaparece el Mancini melódico y melancólico. Algo parecido ocurre con “Little Boys”, de The Man Who Loved Women, probablemente el corte más ligero del disco, impregnado de esa sofisticación urbana tan característica del compositor en los años setenta y ochenta.

Otro de los grandes bloques del álbum es la suite dedicada a The Prisoner of Zenda, formada por “Main Title”, “Coronation Waltz” y “Croquette”. Aquí Mancini abraza plenamente el gran sinfonismo europeo: fanfarrias reales, valses aristocráticos y un refinamiento casi vienés que demuestra su extraordinaria versatilidad como orquestador. “Coronation Waltz”, en particular, destaca por su majestuosidad y elegancia.

El tema principal de Nightwing devuelve el álbum a un territorio oscuro y atmosférico, con texturas densas y casi góticas que aprovechan al máximo las posibilidades del sonido envolvente. Posteriormente, la música de Without a Clue introduce una nota de humor y aventura: “Super Sleuth” posee un aire detectivesco muy británico, mientras que el “End Title” recupera un tono más clásico y elegante.

El cierre llega con la suite de Sunset, compuesta por “Sunset Theme”, “Cheryl’s Theme” y “The Cowboys”. Estas piezas mezclan nostalgia hollywoodiense, western crepuscular y jazz cinematográfico. “Cheryl’s Theme” es uno de los momentos más bellos y melancólicos del disco, mientras que “The Cowboys” aporta una energía expansiva y aventurera que cierra el recorrido de manera magnífica.

En definitiva, volver a Mancini in Surround sigue siendo un auténtico disfrute: un álbum que revela una faceta menos conocida de Mancini, no solo como compositor de melodías inmortales, sino también como un auténtico arquitecto del sonido orquestal.

IL COMMISSARIO PEPE / SPLENDORI E MISERIE DI MADAME ROYALE / SISSIGNORE (Armando Trovaioli, Fiorenzo Carpi, Berto Pisano)

 

IL COMMISSARIO PEPE (1969) 

Music By  

ARMANDO TROVAIOLI

 

SPLENDORI E MISERIE DI MADAME ROYALE  

 

Music By FIORENZO CARPI

 

SISSIGNORE

 Music By  BERTO PISANO 

Tracklist: 


Tracks 1-10: Score for "Il Commissario Pepe" by Armando Trovaioli

 1. Theme (03:42)
2. Beat For A Nun (02:08)
3. A Lonely Man (03:37)
4. We'll Keep Trying (03:42)
Sung by Lydia Mac Donald
5. Masquerade (02:59)
6. Love Is A Woman (02:34)
7. Surrender (02:48)
8. Waltz Theme (01:51)
9. Love Theme (02:27)
10. Final (03:04)

 

Tracks 11-17: Score for "Splendori E Miserie Di Madame Royale" by Fiorenzo Capri

11. Splendori E Miserie Di Madame Royale (02:50)
12. Madame Royale E Le Amiche (01:10)
13. Come In Un Western (01:28)
14. Quelle Come Me (02:25)
15. Alla Corte Di Madame Royale (01:03)
16. Il Destino Di Madame Royale (02:28)
17. Quelle Come Me (02:44)
 

Tracks 18-22: Score for "Sissignore" by Berto Pisano

18. Tema Di Oscar (02:28)
19. Finger Prinz (01:07)
20. High Altar (01:57)
21. Side Slip (01:49)
22. Jumping On The Sand (00:57)

Con esta entrada pretendo recuperar un CD publicado en la década de los noventa por la mítica editora Point Records, que en su momento sacó a la luz un buen número de joyas de la banda sonora italiana, para regocijo de todos aquellos aficionados a la música de cine de la época. En este caso, el CD se presenta como un homenaje a la figura de Ugo Tognazzi, mostrando tres trabajos correspondientes a tres films, obra de tres compositores distintos: Il Commissario Pepe (Armando Trovaioli), Splendori e miserie di Madame Royale (Fiorenzo Carpi) y, finalmente, Sissignore (Berto Pisano).

Bien agrupadas en un CD, esta trilogía sonora creada por Trovaioli, Carpi y Pisano representa un fresco musical de lo rica y divertida que era la banda sonora en la Italia de finales de los 60 y principios de los 70. Para Il Commissario Pepe, Trovaioli despliega un lenguaje de jazz de cámara y bossa nova melancólica, siempre centrado en la psicología del personaje. Su tema principal, "Il Commissario Pepe Theme", con su cadencia pausada, es ya un clásico en la obra del compositor y uno de sus leitmotivs más reconocibles. Este leitmotiv se repite en varios cortes con diferentes arreglos ("A Lonely Man", "Masquerade"), siempre apoyado en el uso de un piano eléctrico y en el silbido de Alessandro Alessandroni, lo que aporta una textura melancólica magnífica y convierte al instrumento en la voz del desencanto del comisario interpretado por Tognazzi.

También contamos con una canción magnífica cantada por Lydia McCdonald ("We'll Keep Trying"). Otros cortes, como "Beat of a Nun", introducen órgano de iglesia junto con cuerdas y arreglos pop. Asimismo, aparece la inevitable voz de Edda Dell'Orso en "Love Is a Woman", marcando un conjunto de cortes maravillosos con un tono de música lounge propio de la época, en el que Trovaioli se muestra como un maestro sublime.

La siguiente obra es la de Carpi. En Splendori e miserie di Madame Royale construye un universo sonoro radicalmente distinto, basado en la ambigüedad y la teatralidad. Maestro de la música para escena, utiliza una instrumentación de corte barroco y circense para ilustrar la doble vida de su protagonista. El tema central es un vals decadente ("Splendori e miserie di Madame Royale"), donde los violines realizan giros melódicos casi burlones, apoyados por el uso del clavicordio y una armónica que interpreta la triste melodía. La obra, variada, también incluye temas de clasicismo total ("Alla Corte di Madame"). Carpi incluso se permite un coro de instrumentación al estilo Western ("Come Un Western") e incluye una canción titulada "Quelle Come Me", de la que existe también versión instrumental.

Finalmente, Pisano, en Sissignore, nos traslada al epicentro del pop-soul y el beat orquestal. A diferencia del intimismo de Trovaioli o la teatralidad de Carpi, apuesta por una sección de metales explosiva y un bajo eléctrico con un “groove” muy marcado que domina toda la partitura. El tema de los créditos, Sissignore (Titoli), es una marcha moderna, de construcción circular —casi morriconiana— y de una energía arrolladora, donde las cuerdas y la orquesta brillan con destellos psicodélicos típicos de 1968. Este leitmotiv presenta una delicada variación titulada "Park For Two". Otros cortes, como "Finger Prinz", tienen un aire más jazz, casi al estilo de Henry Mancini, mientras que "Side Slip" apuesta por un enfoque más pop. El CD cierra con el estupendo "Jumpin’ On", con ritmos sincopados, cuerdas y una producción de sonido muy brillante y espaciosa.



En definitiva, un CD tan variado como coherente, que vale la pena escuchar y recuperar como catálogo de las alegrías e inspiraciones sonoras de la gran banda sonora italiana de los años sesenta.

PICNIC (George Duning)

 

PICNIC (1955)

Music Composed By GEORGE DUNING

Conducted By
MORRIS STOLOFF













Tracklist:

1) Love Theme2:38
2) Hal's Theme1:58
3) The Owens Family4:15
4) Flo And Madge4:29
5) Hal's Boots2:17
6) Moonglow And Love Theme3:49
7) It’s A Blue World - Torn Shirt (Part 1)5:02
8) Torn Shirt (Concluded) - Hal's Turmoil 6:38
9) Rosemary Pleads - Rosemary Alone2:15
10) Culmination - Hal's Escape5:56
11) That Owens Girl - Millie1:35
12) You Love Me - Madge Decides 5:41

Entrada dedicada nuevamente a un clásico de la banda sonora americana: El compositor George Duning y su trabajo para el film Picnic (1955), dirigido por Joshua Logan.

Nacido en Indiana, Duning se formó en Cincinnati bajo la tutela de Mario Castelnuovo-Tedesco y se curtió tocando la trompeta en la orquesta de Kay Kyser. Morris Stoloff, productor musical de esta banda sonora clásica, lo incorporó a Columbia Pictures en 1946, donde Duning reinó como compositor de la casa. Entre sus títulos más emblemáticos se encuentran Bell, Book and Candle, Cowboy o 3:10 to Yuma, todas ellas ya comentadas anteriormente en este blog, además de desarrollar más tarde una extensa labor en televisión en series como The Naked City, The Big Valley o Star Trek.

Volviendo al film, nos encontramos ante un melodrama romántico de mediados de los años cincuenta y un clásico absoluto del género. La película consagró a William Holden y Kim Novak como pareja protagonista. Su estructura no oculta el origen teatral del material, pero está dirigida con elegancia y talento por Joshua Logan, de quien conviene recordar también la excelente "Bus Stop" . La trama narra un amor a primera vista entre un vagabundo que desea dejar atrás su vida disoluta (Holden) y la reina de la belleza de una ciudad de provincias (Novak), que oculta tras su fachada una profunda soledad. Todo ello se articula con gran refinamiento, apoyado por un magnífico conjunto de personajes secundarios —destaca una inmensa Rosalind Russell— y por algunas secuencias ya míticas, como el célebre baile nocturno entre Novak y Holden, auténtica antología de la historia del cine en la que la música de Duning cobra un papel esencial.

Y es que estamos ante una de las partituras más memorables del cine clásico estadounidense, repleta de delicadeza. Para ella, el maestro adoptó un enfoque de lirismo siempre contenido, elegante sin excederse, partiendo de melodías sencillas pero profundamente expresivas. El tema principal de Picnic ("Love Theme") es romántico y a la vez nostálgico, atravesado por una leve melancolía que, en el fondo, representa la tristeza de ambos protagonistas: La joven insatisfecha (Kim Novak) y el hombre que acaba de abandonar la juventud y empezar a entrar en la madurez (William Holden). A lo largo del film, este tema reaparece en distintas variaciones, adaptándose a los cambios emocionales de la historia -llegó incluso a adquirir popularidad fuera de la película- siendo regrabado por otros artistas.

Elmdisco muestra la maestría de Duning, donde tenemos cortes memorables ( "Culmination - Hal's Escape")  secuencia de persecución particularmente brillante, con el desenlace y una versión orquestal del gran tema de la seducción... Además obviamente de uno de los momentos más emblemáticos del film:  La escena del baile entre Kim Novak y William Holden, donde música e imagen se funden de manera casi inseparable. Duning construye aquí una atmósfera sensual y fluida, interpolando dos melodías simultáneamente —"Moonglow" y el tema de "Picnic"— en un pasaje que demuestra su delicadeza y maestría orquestal, sin subrayados evidentes, acompañando el despertar del deseo de forma natural y profundamente cinematográfica.

La banda sonora de Picnic consolidó a George Duning como uno de los grandes compositores y le valió una nominación al Óscar, demostrando que la contención, la elegancia y la sensibilidad podían ser tan poderosas como la grandilocuencia orquestal.

INTERRABANG (Berto Pisano)

INTERRABANG (1969)

Musiche di

BERTO PISANO

Tracklist:

1) A Piedi Nudi Sulla Spiaggia
2) La Scogliera Dell'amore
3) Il Colore Degli Angeli
4) Tema Di Valeria
5) Sabbia E Mare
6) Little Snack Bar
7)...e Il Sole Che Scotta
8) Tramonto Sulla Scogliera
9)La Vallata Sommersa
10) Luci Sulla Baia
11) Tema Di Valeria (2)
12)  Tema Di Valeria (3)
13) Tema Di Valeria (4)

Empezamos este nuevo año con una banda sonora que llevaba mucho tiempo queriendo analizar en el blog. Se trata de la composición del músico italiano Berto Pisano para la película Interrabang, una producción italiana de 1969 dirigida por Giuliano Biagetti, que, por desgracia, nunca he tenido ocasión de ver. Al parecer, estamos ante un drama erótico que necesitaba una banda sonora llena de sensualidad, capaz de transmitir la atmósfera del film con una sensibilidad musical sutil y elegante. La banda sonora fue editada originalmente en vinilo en su época, posteriormente reeditada en CD hace ya bastantes años y, más recientemente, ha vuelto a aparecer en una nueva reedición en vinilo.


Su compositor, Berto Pisano (nombre real Umberto Pisano), fue un compositor, arreglista y director de orquesta italiano, nacido el 13 de octubre de 1928 en Cagliari (Cerdeña) y fallecido el 29 de enero de 2002 en Roma. Comenzó su carrera como músico de jazz, principalmente como contrabajista y trompetista, colaborando con figuras destacadas de la escena italiana antes de orientarse definitivamente hacia la composición. Es especialmente recordado por su trabajo en bandas sonoras de cine y televisión, con más de 50 partituras para películas y series, sobre todo dentro de los géneros thriller, policíaco, terror y comedia italiana de los años sesenta y setenta. Su estilo se caracteriza por orquestaciones elegantes, un uso expresivo de las cuerdas y una cuidada fusión de jazz, pop y música orquestal.

Volviendo al CD, se trata de una banda sonora no muy extensa, pero que constituye un ejemplo destacado del estilo lounge italiano de finales de los años sesenta.

Ya desde el primer corte, donde se introduce el tema principal (A piedi nudi sulla spiaggia), se repiten múltiples variaciones a lo largo de la banda sonora. Es prácticamente una BSO monotemática que, sin embargo, no da la sensación de serlo, gracias a los constantes arreglos que combinan instrumentación acústica —flauta, oboe, guitarra y cuerdas— con ritmos suaves de jazz. Aunque la partitura nunca adopta un tono excesivamente dramático, su elegancia y su marcado color mediterráneo refuerzan la estética visual de la película.

Pisano crea un paisaje sonoro evocador y atmosférico que acompaña las escenas de misterio, sol y mar del film. Predominan sonoridades suaves y refinadas: las cuerdas ofrecen un colchón fluido sobre el que se despliegan melodías claras y seductoras, con influencias de latin jazz y bossa nova. La presencia de la vocalista Edda Dell’Orso, con su voz cristalina, añade un sello distintivo y aporta una textura etérea que embellece muchos de los temas. De hecho, Pisano sabe utilizar muy bien los recursos vocales de la cantante, logrando un trabajo que no tiene nada que envidiar a las míticas colaboraciones entre Ennio Morricone y Edda Dell’Orso.

Un CD que se escucha del tirón, una auténtica delicia, y que se puede volver a disfrutar en bucle gracias a su equilibrada fusión de jazz italiano, estilos latinos y un refinado andamiaje orquestal.

THE YAKUZA (Dave Grusin)

THE YAKUZA (1974)

Music Composed And Conducted By 

DAVE GRUSIN

Tracklist:



1) Prologue 2:42
2) Main Title 3:16
3) Samurai Source 2:02
4) Tokyo Return 1:26
5) Scrapbook Montage/Scrapbook Epilogue 2:10
6) Kendo Sword Ritual/Alter Ego/Night Rescue/Amputation/Amputation (alternate) 3:16
7) Man Who Never Smiles 1:48
8) Tanner to Tono/Tono Bridge/The Bath 2:26
9) Girl and Tea 1:32
10) Pavane 1:09
11) Get Tanner 1:38
12) Breather/Final Assault 4:41
13) The Big Fight 5:50
14) No Secrets 1:31
15) Sayonara 2:00
16) Apologies 2:08
17) Bows/End Title (Coda) 1:41
18) Shine On 9:44
19) Bluesy Combo 6:18
20) Year Montage/Scrapbook Montage (film mix) 4:58
21) End Title (film version) 1:08
22) Only the Wind 2:49

La revisión de esta extraordinaria película hace poco me ha llevado a reescuchar esta maravillosa banda sonora compuesta por Dave Grusin en 1974. Un trabajo mayúsculo en el que Grusin combinó con maestría elementos de jazz y música tradicional japonesa, creando una atmósfera única y profundamente emotiva. Todo ello en sintonía con el tono sobrio, introspectivo y melancólico del film, un clásico del cine policíaco de los años 70 y probablemente la obra maestra de Sidney Pollack en unos años en los que estuvo especialmente inspirado. Estamos ante un título mayor que conjuga el exotismo cultural con una profunda melancolía moral. Con una trama tristona, escrita por Robert Towne y Paul Schrader, narra el regreso de un expolicía estadounidense a Japón para saldar una deuda de honor y reencontrarse con un amor del pasado. Pollack filma con elegancia y contención, equilibrando la acción (poca pero intensa) con un tono crepuscular al que ayudan Robert Mitchum y Ken Takakura en estado de gracia. La película se encamina hacia un último acto de gran intensidad emocional y formal —impulsado por la maravillosa banda sonora de Dave Grusin— para cristalizar la idea de la redención a través del sacrificio.

Siendo esta la primera de sus numerosas colaboraciones con Pollack, el compositor desarrolló una partitura de precisión atmosférica, a menudo minimalista, rica en orquestaciones imaginativas y en un uso ingenioso de la instrumentación nipona. Campanas, carillones, tambores y percusiones afinadas conforman un universo sonoro sin precedentes en Hollywood por su intento de recrear la esencia musical japonesa.

El CD se abre, obviamente, con el inolvidable “Prologue”, una obertura en la que las percusiones marcan un tono misterioso y exótico, seguida del “Main Title”, tema principal que condensa la esencia de la historia, una melodía inolvidable utilizada en varias ocasiones, incluida una curiosa versión cantada en japonés que aparece en un momento del film (“Only The Wind”, el corte final del CD). Otros cortes destacables y memorables de la grabación son “Samurai Source”, evocación de la tradición y el espíritu samurái; “Tokyo Return”, retrato sonoro de la ciudad de Tokio; “20 Year Montage”, donde vuelve a utilizarse el tema principal en una orquestación que acentúa la nostálgica relación entre Mitchum y la mujer japonesa; así como “Shine On”, otro tema emotivo que resalta la conexión entre los personajes. También encontramos música de suspense y acción, en la que Grusin adopta un planteamiento más cercano al de coetáneos suyos como Goldsmith o Fielding, en cortes como el genial “Breather/Final Assault”. Aun así, no olvida remarcar el tono exótico con el uso del shakuhachi en “The Big Fight”, siendo además un adelantado al James Horner que tanto recurriría a ese instrumento una década más tarde. 

En definitiva, estamos ante una joya mayor en la carrera del autor de On Golden Pond y una pieza imprescindible en cualquier colección de música de cine que se precie.

SPY KIDS (Robert Rodriguez, John Debney, Danny Elfman,Gavin Greenaway, Heitor Pereira / Harry Gregson Williams)

 

SPY KIDS (2001)

Music Composed And Conducted By

ROBERT RODRIGUEZ,

 JOHN DEBNEY, 

DANNY ELFMAN, 

GAVIN GREENAWAY,

 HEITOR PEREIRA,

 HARRY GREGSON-WILLIAMS



Tracklist:

1) Gavin Greenaway / Heitor Pereira / Harry Gregson Williams – Cortez Family (01:39)

2) Danny Elfman – My Parents Are Spies (02:09)
3)  Los Lobos & Rodriguez, Robert – Spy Wedding (02:11)
4) Debney, John / Rodriguez, Robert / Rodriguez, Marcel – Spy Kids Demonstration (01:07)
5) Debney, John / Elfman, Danny / Greenaway, Gavin / Pereira, Heitor – Parents On Mission (01:17)
6) Greenaway, Gavin / Pereira, Heitor – Kids Escape House (03:14)

7) John Debney / Danny Elfman / Harry Gregson Williams – Pod Chase (01:38)
8) Debney, John & Elfman, Danny – The Safehouse (00:47)
9) Debney, John / Rodriguez, Robert / Rodriguez, Marcel – The Third Brain (01:00)
10) Danny Elfman – Buddy Pack Escape (01:39)
11) Robert Rodrigurez,David Garza & Tito Puente – Oye Como Spy (02:59)
12) Danny Elfman – Floop’s Song (Cruel World) (00:59)
13) Greenaway, Gavin / Pereira, Heitor / Rodriguez, Robert / Rodriguez, Marcel – Spy Go Round (02:11)
14) Boardman, Chris / Greenaway, Gavin / Pereira, Heitor / Rodriguez, Robert – Minion (01:03)
15) Danny Elfman – Sneaking Around Machetes (00:36)
16) Debney, John & Elfman, Danny – The Spy Plane (01:29)
17) Chris Boardman – Floop’s Castle (01:29)
18) Harry Gregson-Williams – Final Family Theme (01:44)
19) Fonda – Spy Kids (Save The World) (02:20)

Hace años que quería escribir sobre la bso de esta película, que fue (y sigue siendo) una de las propuestas más divertidas de Robert Rodríguez en toda su filmografía. Spy Kids lograba fusionar una temática dirigida a niños con un homenaje a las películas de agentes secretos. Marcó el inicio de una curiosa tetralogía que Rodríguez, un director multifacético capaz de lo mejor y lo peor, que en esta ocasión pensó y diseñó un film para un público infantil que se hace muy ameno también para el espectador adulto.

Rodríguez, además de director, siempre ha demostrado ser un hombre orquesta que maneja muchas facetas del cine. Para este proyecto, decidió componer parte de la música por sí mismo, con la colaboración de varios compositores que aportaron su grano de arena. Lo más curioso es que, tanto en la película como en el estupendo CD de la banda sonora, la música resulta tan vibrante, ecléctica y llena de energía como la propia película. Además, tiene una unidad y coherencia sorprendentes, considerando que hasta seis compositores trabajaron en ella. Esta armonía sonora refuerza el espíritu lúdico y aventurero del film. También hay que señalar que algunos de ellos, especialmente John  Debney volverían a repetir experiencia con Rodríguez en las secuelas y en otras producciones de director.

Desde el primer instante, estamos ante un remix musical con una mezcla contagiosa de estilos, en primer logar temas de aire "Espionaje" de toda la vida (como un cruce entre John Barry y Lalo Schifrin) con acción trepidante en pistas como "Pod Chase" o "Parents on Mission", con orquestaciones ágiles y ritmos intensos, hasta pasajes más íntimos o cómicos que muestran la versatilidad de los compositores. La capacidad de este grupo de músicos para mantener una identidad sonora cohesiva, a pesar de la intervención de varios autores, es notable. Hay claras influencias del universo sonoro de Danny Elfman, especialmente en temas como "My Parents Are Spies" o "Floop's Song (Cruel World)", donde su toque orquestal y peculiar, con elementos excéntricos, es inconfundible. Estas piezas capturan perfectamente el encanto del villano Floop y la atmósfera de fantasía y peligro que rodea a los Cortez. También existe una enorme influencia latina en temas como "Cortez Family" o "Oye Como Spy" (una ingeniosa adaptación del clásico de Tito Puente "Oye Como Va", interpretada por Los Lobos junto a Robert Rodríguez y David Garza), canciones que ambientan la herencia cultural de los protagonistas y añaden un ritmo/ vitalidad esenciales para el dinamismo de la película...En un álbum divertido,  que funciona tanto dentro como fuera de la pantalla y que demuestra que a veces, el trabajo en conjunto, puede dar grandes resultados.

MY LIFE IN MUSIC (Lalo Schifrin)

 

MY LIFE IN MUSIC (2012)

Music Composed And Conducted By 

LALO SCHIFRIN

Tracklist:

CD1)

1 'Enter the Dragon' Main Title
2 Samba Para Dos from 'Bossa Nova Groove'
3 'The Fox' Main Title
4 Eagle Falls in Love from 'The Eagle Has Landed'
5 Transporting Rhino from 'Rhino!'
6 'Fast Walking' Main Title
7 Burning Bridges from 'Kelly's Heroes'
8 Invisible City
9 'Dirty Harry' Main Title
10 New Orleans Procession from 'The Cincinnati Kid'
11 'Caveman' End Title
12 There Is Something Out There from 'Abominable'
13 'Cool Hand Luke' Main Title
14 'Telefon' Main Title
15 The Pier, the Bridge and the City from 'The Dead Pool'
16 Love Poem for Donna
17 Bank Robbery from 'Charley Varrick'
18 'Bullitt' Main Title
19 'Coogan's Bluff' Main Title
20 'Rush Hour' Main Title


CD 2)

1 'Joe Kidd' Main Title
2 Tar Sequence from 'Cool Hand Luke'
3 The Face of Love from 'The Osterman Weekend'
4 Calliope of Death from 'Rollercoaster'5 All for the Love of Sunshine from 'Kelly's Heroes'
6 Venice After Dark from 'The Venetian Affair'
7 Scorpio's View from 'Dirty Harry'
8 The Statue of Liberty March
9 'Brubaker' Theme
10 'The Cincinnati Kid' Instrumental Theme
11 The Miracle from 'Something to Believe In'
12 Amputation Aftermath from 'The Beguiled'
13 Che from 'Che!'
14 El Dorado
15 'Sudden Impact' Main Title
16 Pablito/Guitarra/Padre Van Horne from 'The Wrath of God'
17 'Magnum Force' Main Title
18 'The Amityville Horror' Main Title
19 Take Me to Ringerman from 'Coogan's Bluff'
20 Justine
21 The Plot from 'Mission: Impossible'

CD3)

1 The Cincinnati Kid (Vocals from Ray Charles)
2 Arletta Blues from 'Cool Hand Luke'
3 'Les Felins' Main Title
4 'The Fourth Protocol' Main Title
5 The Forces of Darkness
6 Finding McB from 'The Beguiled'
7 'Mannix' Theme
8 Ice Pick Mike from 'Bullitt'
9 Bach to the Blues
10 'Magnum Force' Main Title
11 Tango Del Atardecer
12 Chama from 'Joe Kidd'
13 Movement from String Quartette from 'Rollercoaster'
14 Summer Dance
15 My Lord Don Quixote/End Title
16 'Rage' End Title
17 'Enter the Dragon' Main Title
18 Tema D'amore from 'La Pelle'
19 Last of the Independents from 'Charley Varrick'
20 Robbery Suspect from 'Sudden Impact'
21 'Rush Hour' Main Title


CD 4)
1 Suite - Concorde: Airport 79
2 Paraphrase
3 Panamericana
4 Once a Thief
5 Resonances
6 Montuno
7 People Alone from 'The Competition'
8 Intersections
9 Agnus Dei
10 Toccata
11 Mission: Impossible

El deceso muy reciente del irremplazable compositor Lalo Schifrin me ha obligado a alterar el orden previsto en el blog, por lo que adelanto esta entrada para rendirle homenaje póstumo. Con su muerte desaparece otra figura legendaria de la música de cine, totalmente única e irremplazable, que en mi caso tuve el privilegio de conocer personalmente.

Lalo Schifrin nació en Buenos Aires, Argentina, el 21 de junio de 1932, y se interesó por la música gracias a su padre, quien fue concertino de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires durante más de 30 años. Animado por su padre, violinista sinfónico, Lalo comenzó a tocar el piano a los 6 años y su primer maestro fue Enrique Barenboim, padre del pianista y director de orquesta Daniel Barenboim. Cursó la secundaria en el Colegio Nacional de Buenos Aires. En 1952, viajó a Francia para estudiar en el Conservatorio de París y participó de la vida jazzística nocturna parisina.

Tras regresar a Buenos Aires, Schifrin formó una big band. En 1956, conoció al trompetista Dizzy Gillespie, que venía acompañado de Quincy Jones; ambos compartieron un encuentro fortuito en el que improvisaron junto a Schifrin y su joven amigo Astor Piazzolla.

Schifrin fue pianista del quinteto de Dizzy Gillespie desde 1960 hasta 1962, tras ser descubierto en Buenos Aires, mudándose a Nueva York en 1958.

Aunque permaneció con Gillespie durante un período relativamente corto, contribuyó con dos piezas importantes a su repertorio: "Gillespiana", un retrato notable del trompetista en una suite de cinco movimientos, y "The New Continent", una suite de tres movimientos grabada en 1962.

Tras ese periodo y sin abandonar el jazz, Schifrin empezó a hacerse un nombre como compositor de televisión y cine, eternamente conocido por su tema para "Misión: Imposible". También fue el creador de las bandas sonoras de películas icónicas como "Cool Hand Luke" (1967), "The Fox" (1968) y "The Amityville Horror" (1979). Aunque no se puede negar que "Harry el sucio" (1971) y "Bullitt" (1968) lo convirtieron en un ícono del cine de acción, al menos en lo que respecta a la música.

El maestro ganó un Grammy por "Mission Impossible", así como un Grammy Latino. Además, recibió un merecido Oscar honorífico a su carrera en 2018, tras un total de seis nominaciones.

Con su muerte tan cercana, ¿qué mejor homenaje a su obra completa que este cuádruple recopilatorio de su trabajo, editado en 2012 por su propio sello Aleph Records? Este álbum celebraba el octogésimo aniversario del maestro y su maestría en el cine, la televisión, el jazz y, en definitiva, en el universo de la música total. Son cuatro CDs y 73 pistas, que sirven como una muestra (muy certera) de la obra completa de Schifrin, en una selección inteligente de sus composiciones.

No voy a citar disco por disco, porque realmente es una fiesta, pero obviamente encontramos cortes de su emblemáticas "Mission Impossible", "Bullitt", "Dirty Harry" "Kelly´s Heroes" o "Enter The Dragon". Incluso sus más recientes entonces  (ahora ya no tanto) "Rush Hour" o "Abominable". Asimismo, hay un buen balance entre obras menos conocidas que merecen igual reconocimiento, tales como la suite sinfónica de "Concorde: Airport 79", un bloque sublime de su primer film americano "Rhino" ("Transporting Rhino from 'Rhino!'") o el tema del robo del banco de "La gran estafa" ("Bank Robbery from 'Charley Varrick'").

Y entre lo más conocido, obviamente, también encontramos a Ray Charles cantando en el dinámico/mítico tema de "The Cincinnati Kid", su canción nominada al Oscar por "The Competition" ("People Alone"), el tema principal de su memorable "The Amityville Horror", un corte genial ("Tar Sequence") para "La leyenda del indomable" ("Cool Hand Luke"), un tema de raíces españolas maravillosas para su excelente composición para Don Quijote, producida por Emiliano Piedra ("My Lord Don Quixote/End Title"), la música extrañamente suave para "Brubaker" de Robert Redford, y también un montón de piezas de corte sinfónico y jazzístico hechas para la sala de conciertos, tales como "Toccata", de "Gillespiana" y "Panamericana" de su suite "Gillespiana", o el "Resonances" de su ambiciosa obra "Esperanto". Añado su memorable tema para conmemorar la Estatua de la Libertad ("The Statue of Liberty March")… Además de su "Montuno" de su suite "Latin Jazz", el expresivo "Tango del Atardecer" de "Letters from Argentina"… Podría seguir escribiendo mucho más, pero lo mejor es escuchar y unirse a una fiesta Schifriniana para conmemorar un legado ,irrepetible, de otro Dios de la música de cine que nos deja.

MAN ON FIRE (John Scott)

 

MAN ON FIRE (1988)

Music Composed And Conducted By

JOHN SCOTT

Tracklist:

1. Man On Fire (04:41)
2. The Bomb (02:51)
3. Snake’s First Victim (02:04)
4. Sam Wins the Race (02:00)
5. The Villa At Night (01:41)
6. The Ransom Drop (01:48)
7. Start of the Search (02:37)
8. Death Of Creasy (02:52)
9. Becoming Friends (01:50)
10. The Kidnapping (01:11)
11. We’ve Got Each Other (01:57)
12. Rabbia Must Die (03:08)
13. Sam Runs Into Danger (01:12)
14. Reconciliation (01:42)
15. Premature Death (01:43)
16. Reunited (03:14)


Volvemos en este caluroso junio al gran maestro John Scott y su banda sonora para el notable thriller de 1987, Man on Fire. Esta película, basada en la novela de A. J. Quinnell, fue objeto años después de un remake igualmente destacado —aunque visualmente muy distinto— dirigido por Tony Scott y protagonizado por Denzel Washington. En esta, la versión original, nos encontramos con una peculiar coproducción rodada en Italia que narra la historia de la venganza de un guardaespaldas (interpretado por Scott Glenn) que sobrevive de milagro tras el secuestro de la niña a la que protegía y con quien mantenía una relación casi paternal.

El film destaca por su lograda atmósfera seca y pesimista, así como por una violencia sin concesiones que el director Elie Chouraqui maneja con elegancia y mirada concisa. Su parte final es especialmente poderosa, transformando la película en un sublime film de venganza que eleva los conceptos clásicos del género. Todo ello está realzado por un sólido reparto que incluye a Joe Pesci, Danny Aiello y Jonathan Pryce, una excelente puesta en escena y, por supuesto, la brillante partitura de John Scott, que hoy nos ocupa en este blog.

La banda sonora de Man on Fire (1987) es otra obra magistral del compositor británico, en la que despliega su talento para crear atmósferas intensas y emotivas. Fue editada originalmente en LP y más tarde reeditada en CD por el sello Varèse Sarabande.

John Scott, un compositor al que nunca dejaremos de reivindicar y alabar, consigue aquí subrayar de manera conmovedora la conexión emocional entre el guardaespaldas Creasy y la niña Sam, así como la brutal determinación de Creasy en su búsqueda de venganza tras el secuestro. Para ello compuso un tema principal que muchos consideran entre los mejores de su carrera: una melodía melancólica (presente en cortes como "Man on Fire" y "Reunited"), pero que a la vez encierra una épica exuberante que se queda grabada en la memoria del oyente.

Curiosamente, este tema ganó cierta notoriedad cuando fue utilizado en la resolución final de Die Hard (Jungla de Cristal), durante el abrazo entre John y Holly McClane. El montador lo eligió como temp track y terminó quedándose en el corte final, lo que lo hizo aún más conocido para el gran público.  La música alterna con acierto entre temas románticos de gran lirismo (el leitmotiv ya citado, presentado en el corte épico titulado "Sam Wins The Race")  , con bloque de isntrumentación más Pop y moderna ("Start Of The Search") además de cortes de suspense intensos y aterradores ("The Bomb" o  "Snake’s First Victim") reflejando perfectamente el equilibrio entre drama y acción que define a la película. Quedando en definitiva como una banda sonora/composición modélica en la carrera del autor de "Anthony & Cleopatra"

L,HOMME PRESSE/LE BEAUJOLAIS NOVEAU EST ARRIVE (Carlo Rustichelli)

-L,HOMME PRESSE (1977)

-LE BEAUJOLAIS NOVEAU EST ARRIVE (1978)

Musique de

CARLO RUSTICHELLI

Tracklist:


01. Generique – La quietude (1:53)02. L’Homme presse [Theme 2] (2:29)
03. L’Homme presse [L’affrontement] (1:32)
04. L’Homme presse [Theme 3] (3:28)
05. L’Homme presse [Venise] (0:56)
06. L’Homme presse [Les fouilles] (1:11)
07. L’Homme presse [L’Afrique] (0:58)
08. L’Homme presse [L’appartement] (1:35)
09. L’Homme presse [La course] (1:09)
10. L’Homme presse [Le cardiologue] (1:15)
11. L’Homme presse [Theme d’amour] (1:54)
12. L’Homme presse [Le vase Etrusque] (1:33)
13. L’Homme presse [La naissance] (1:27)
14. L’Homme presse [Vente aux encheres] (1:35)
15. Generique fin – La conquete (2:07)
16. Le beaujolais nouveau est arrive [Generique] (1:43)
17. Le beaujolais nouveau est arrive [La banlieue] (2:03)
18. Le beaujolais nouveau est arrive [L’aventure] (2:15)
19. Le beaujolais nouveau est arrive [Le restaurant] (2:05)
20. Le beaujolais nouveau est arrive [La quete] (2:50)
21. Le beaujolais nouveau est arrive [L’idylle] (1:26)
22. Le beaujolais nouveau est arrive [La bagarre] (2:10)
23. Le beaujolais nouveau est arrive [Sacre Gaston] (0:58)
24. Le beaujolais nouveau est arrive [Generique fin] (3:12)



Llevaba mucho tiempo sin compartir en este blog una banda sonora de Carlo Rustichelli, así que aprovecho para presentar un CD editado, ya hace unos años, por Music Box Records que incluye dos de sus trabajos: L'Homme pressé (El hombre apresurado, 1977), dirigida por Édouard Molinaro, y Le beaujolais nouveau est arrivé (Ha llegado el Beaujolais nuevo, 1978), dirigida por Jean-Luc Voulfow.

Basada en la novela del escritor francés Paul Morand, L’Homme pressé contaba la historia de un ocupado marchante de antigüedades parisino luchando contra el paso del tiempo, viviendo cada momento de su existencia al máximo. La película estaba protagonizada por Alain Delon, Mireille Darc, Michel Duchaussoy y Monica Guerritore. Contiene una banda sonora de Carlo Rustichelli que pivota siempre desde un fuerte tema melancólico que se presenta en diversas variaciones. Tema muy emotivo, ("L’Homme presse -L’affrontement") permite que la música se adapte a las diferentes emociones y situaciones del protagonista. La música de Rustichelli subraya la energía, pero también la posible tristeza o reflexión que puede surgir de esa constante prisa. La introducción del motivo principal (" Genèrique- La quietude") en el primer corte tiene un aire bucólico que Rustichelli transforma rápidamente en una melodía profundamente melancólica, cuyas primeras notas incluso pueden recordar a una de las obras más conocidas del compositor: "Bubu de Montparnasse".

Y es que durante los años setenta, hubo una corriente interesante entre compositores que trabajaban en bandas sonoras, basándose en un único tema principal que luego se reutilizaba en diferentes orquestaciones y tonos. Rustichelli, en estos dos trabajos, emplea este sistema de manera brillante. Logrando da un carácter especial a cada corte mediante sutiles cambios en la orquestación y en los instrumentos, haciendo que suene prácticamente como nuevo en cada pieza. Una banda sonora que resume el lirismo apasionado y, a la vez, sutil de este magnífico compositor.

Por otro lado, el trabajo presentado para "Le Beaujolais nouveau est arrivé" era para una road movie al estilo francés, vagamente basada en la novela homónima de René Fallet. Película protagonizada por Jean Carmet, Michel Galabru y Pierre Mondy...Y aquí también una melodía recurrente, descrita como un “ritornello muy ligero”( "La Banlieule"). Esta melodía funciona como un hilo conductor musical que acompaña las aventuras del trío protagonista  durante su viaje por carretera.

Este ritornello adquiere un carácter ligero,  alegre o incluso un poco nostálgico, para encajar con el tono de comedia y aventura de la película. Es una melodía sencilla y pegadiza que evoca la sensación de recorrer la campiña francesa, descubriendo nuevos lugares ( "La Quete") y viviendo experiencias juntos.

En resumen, un par de trabajos excelentes que me permiten retornar a escribir sobre este gran compositor, demostrando nuevamente la grandeza sin par de Rustichelli.

NO TIME TO DIE (Hans Zimmer)

 

NO TIME TO DIE (2021)

Music Composed By 

HANS ZIMMER

Tracklist: 

1) Gun Barrel   0:56

2) Matera 1:59

3) –Message From An Old Friend 6:35

4) –Square Escape 2:07

5) 
Someone Was Here 2:57

6) Not What I Expected 1:24

7) 
What Have You Done? 2:15

8) 
Shouldn't We Get To Know Each Other First? 1:22

9) 
Cuba Chase 5:41

10) 
Back To MI6 1:30

11) –Good To Have You Back 1:17

12) 
Lovely To See You Again 1:26

13) 
Home 3:45

14) Norway Chase 5:07

15) Gearing Up 2:53

16) Poison Garden 3:58

17) –The Factory 6:43

18) –I'll Be Right Back 5:00

19) 
Opening The Doors 2:45

20) Final Ascent 7:25

21) –No Time To Die (Written-By – Billie Eilish, Finneas O'Connell

Written-By – Billie Eilish, Finneas O'Connell

) 4:04

Última banda sonora para una película de James Bond ( esperemos que realmente no sea la última) en la quinta aventura de James Bond encarnado por Daniel Craig, que trata de cerrar ( y literalmente lo cierra) el círculo de este extraño experimento/ reboot que se inició con "Casino Royale". El resultado de este film  deja un sabor agridulce, de oportunidad perdida, toda una lastima porque en lo positivo la primera mitad del film está bien entonada y es lo más auténticamente Bondiano que uno vio en los films con Craig (excelente el bloque de Cuba  El film, es pues una obra de estructura irregular que en su segunda mitad toma un camino en picado, decidido a completar con uno de los tercios finales más poco logrados de la saga, incoherente, contradictorio...Donde la presencia de un villano sin carisma y además el uso de elementos clásicos (la música de John Barry para "Al servicio secreto de su majestad") completa un ejercicio burdo, prefabricado, falso, de búsqueda de la emoción, la lágrima fácil, que en mi caso ha logrado la sensación contraria. 

Uno de los elementos curiosamente más salvables del film es la banda sonora de Hans Zimmer, elección a priori "temible" para muchos puristas, pero que a mí me pareció siempre  buena (solo había que fijarse en lo que hizo en la franquicia "Misión Imposible" en la película que acometió) . Es una BSO claramente superior a los grises trabajos de Thomas Newman en "Skyfall" y " Spectre", en la que Zimmer (con la ayuda de Steve Nazzarro) tiene muy claro que hay que respetar la tradición y no tiene miedo en evocar el sonido Bond, utilizando su emblemático leitmotiv sin miedo. Además toma referencia a John Barry utilizando dos temas de "Al Servicio secreto de su Majestad" que coloca a lo largo de la trama, en concreto en el corte"Matera" (con una bella introducción de claro aire "Barryano" que enlaza con el tema " We have all te time in the World") y por el otro una variante del leitmotiv de aquel film, que evoca a Ernst Stavros Blofeld ("Message from an old friend").

La bso tiene un aire más tristón ya que pivota sobre una canción "No Time To Die"  escrita por Billie Eilish y Finneas O'Connell, arreglada por Hans Zimmer, que aquí aparece como último corte del CD de aire despedida, una canción que cada vez que escucho me gusta más (sin ser de las mejores de la saga) y que Zimmer/Nazzarro colocan a lo largo de la grabación con cortes como

También hay cortes de acción, en los que el tema de Monty Norman aparece orquestado de modo muy dinámico, tales como "Back To MI6", "Norway Chase"

Los dos últimos cortes marcan el final del personaje, su muerte en " Final Ascent" con un tema típico de Zimmer evocando con cuerdas la emoción...Y la ya citada canción, que cierra el círculo de películas protagonizadas por el discutible Daniel Craig, en una BSO -con todo- más que disfrutable y con la que Zimmer se muestra respetuoso y evocador con el personaje y la tradición musical Bondiana.

Written-By – Billie Eilish, Finneas O'Connell

 

MÚSICA PER A VENTURA PONS (Carles Cases)

 

MÚSICA PER A VENTURA PONS

MÚSICA COMPUESTA POR 

CARLES CASES

Tracklist:

1) Voluntat (Film: El perquè de tot plegat 1995)
2) Submissió (Film: El perquè de tot plegat 1995)
3) Obertura I (Film: Amic/Amat. 1998)
4) Obertura II (Film: Amic/Amat. 1998)
5) Irina (Film: Animals ferits 2005)
6) Moderato (Film: Anita no perd el tren 2000)
7) Finale presto (Film: Anita no perd el tren 2000)
8) Music of The Beauty (Film: Food of love 2001)
9) Amor idiota (Film: Amor Idiota 2004)
10) Trio (Film: Actrius 1996)
11) Efigenia (Film: Actrius 1996)
12) No morir (Film: Morir o no 1999)
13) Resurecció (Film: Morir o no 1999)
14) Forasters (Film: Forasters 2008)
15) Ruleta Rusa (Film: La vida abismal 2006)
16) Rosita please! (Film: Rosita, please! 1993)

Esta edición es una alegría porque recupera lo mejor de un compositor indispensable del que la industria ya no se acuerda: el gran Carles Cases. Ha creado un CD que se convierte en un tributo esencial al director de cine que le ofreció más oportunidades a lo largo de su carrera.

"Música per a Ventura Pons" es una recopilación de dieciséis versiones originales de las bandas sonoras que Cases compuso para las películas del cineasta Ventura Pons entre 1991 y 2011.  Como dato decir que de las treinta y tres películas dirigidas por Pons, Cases creó la música para dieciséis de ellas en una colaboración muy profunda.

El legado cinematográfico de Ventura Pons (1945-2024) no sería el mismo sin las contribuciones musicales de Carles Cases en todas sus películas entre 1991 y 2011. La colaboración entre Pons y Cases se extiendió a lo largo de dieciséis filmes, incluyendo títulos como "Aquesta nit o mai" (1992), "¡Rosita, please!" (1993), "El perqué de tot plegat" (1995), "Actrius" (1997), "Caricies" (1998), "Amic/Amat" (1999), "Morir (o no)" (2000), "Anita no perd el tren" (2001), "Food of Love" (2002), "Amor idiota" (2004), "Animals ferits" (2005), "La vida abismal" (2006), "Barcelona (un mapa)" (2007), "Forasters" (2008), "A la deriva" (2009) y "Mil Cretins" (2010).

 El álbum condensa esos veinte años en dieciséis temas pertenecientes a once películas distintas. El compacto se abre con el emblemático tema "Voluntat", una pieza que es ya un clásico en el repertorio de Cases, con una construcción de aire minimalista y a la vez clásica, sencillamente magnífica. Le sigue el tema reflexivo "Submissio", donde ya se nota la querencia del maestro por las cuerdas. Otro corte de estas características es el de "Beauty", para la película "Food Of Love", con un leitmotiv de aire Morriconiano. O bien el "Trío", una composición inigualable creada para el film "Actrius". La música de Cases nunca ha ocultado sus raíces clásicas, con influencias barrocas, como las dos sublimes piezas que creó para "Amic/Amat", aquí presentadas como "Obertura 1" y "Obertura 2", de clara influencia clásica e interpretadas de modo impecable por las cuerdas.

También es importante destacar que a lo largo de la escucha se aprecia cómo el jazz es otra de las pasiones del maestro, por lo que tenemos cortes más cercanos a los ritmos y armonías del estilo, piezas espléndidas como "Irina" (Animales Heridos) o el aire blues de "Ruleta Rusa" perteneciente a "La Viad Abismal".

En definitiva, un CD imprescindible que vuelve a determinar la grandeza de la música de Cases (y el pena que no trabaje en el cine actual) en una definición de cómo de grises son los tiempos actuales y cuánto talento gigantesco no se aprovecha.