THE YAKUZA (Dave Grusin)

THE YAKUZA (1974)

Music Composed And Conducted By 

DAVE GRUSIN

Tracklist:



1) Prologue 2:42
2) Main Title 3:16
3) Samurai Source 2:02
4) Tokyo Return 1:26
5) Scrapbook Montage/Scrapbook Epilogue 2:10
6) Kendo Sword Ritual/Alter Ego/Night Rescue/Amputation/Amputation (alternate) 3:16
7) Man Who Never Smiles 1:48
8) Tanner to Tono/Tono Bridge/The Bath 2:26
9) Girl and Tea 1:32
10) Pavane 1:09
11) Get Tanner 1:38
12) Breather/Final Assault 4:41
13) The Big Fight 5:50
14) No Secrets 1:31
15) Sayonara 2:00
16) Apologies 2:08
17) Bows/End Title (Coda) 1:41
18) Shine On 9:44
19) Bluesy Combo 6:18
20) Year Montage/Scrapbook Montage (film mix) 4:58
21) End Title (film version) 1:08
22) Only the Wind 2:49

La revisión de esta extraordinaria película hace poco me ha llevado a reescuchar esta maravillosa banda sonora compuesta por Dave Grusin en 1974. Un trabajo mayúsculo en el que Grusin combinó con maestría elementos de jazz y música tradicional japonesa, creando una atmósfera única y profundamente emotiva. Todo ello en sintonía con el tono sobrio, introspectivo y melancólico del film, un clásico del cine policíaco de los años 70 y probablemente la obra maestra de Sidney Pollack en unos años en los que estuvo especialmente inspirado. Estamos ante un título mayor que conjuga el exotismo cultural con una profunda melancolía moral. Con una trama tristona, escrita por Robert Towne y Paul Schrader, narra el regreso de un expolicía estadounidense a Japón para saldar una deuda de honor y reencontrarse con un amor del pasado. Pollack filma con elegancia y contención, equilibrando la acción (poca pero intensa) con un tono crepuscular al que ayudan Robert Mitchum y Ken Takakura en estado de gracia. La película se encamina hacia un último acto de gran intensidad emocional y formal —impulsado por la maravillosa banda sonora de Dave Grusin— para cristalizar la idea de la redención a través del sacrificio.

Siendo esta la primera de sus numerosas colaboraciones con Pollack, el compositor desarrolló una partitura de precisión atmosférica, a menudo minimalista, rica en orquestaciones imaginativas y en un uso ingenioso de la instrumentación nipona. Campanas, carillones, tambores y percusiones afinadas conforman un universo sonoro sin precedentes en Hollywood por su intento de recrear la esencia musical japonesa.

El CD se abre, obviamente, con el inolvidable “Prologue”, una obertura en la que las percusiones marcan un tono misterioso y exótico, seguida del “Main Title”, tema principal que condensa la esencia de la historia, una melodía inolvidable utilizada en varias ocasiones, incluida una curiosa versión cantada en japonés que aparece en un momento del film (“Only The Wind”, el corte final del CD). Otros cortes destacables y memorables de la grabación son “Samurai Source”, evocación de la tradición y el espíritu samurái; “Tokyo Return”, retrato sonoro de la ciudad de Tokio; “20 Year Montage”, donde vuelve a utilizarse el tema principal en una orquestación que acentúa la nostálgica relación entre Mitchum y la mujer japonesa; así como “Shine On”, otro tema emotivo que resalta la conexión entre los personajes. También encontramos música de suspense y acción, en la que Grusin adopta un planteamiento más cercano al de coetáneos suyos como Goldsmith o Fielding, en cortes como el genial “Breather/Final Assault”. Aun así, no olvida remarcar el tono exótico con el uso del shakuhachi en “The Big Fight”, siendo además un adelantado al James Horner que tanto recurriría a ese instrumento una década más tarde. 

En definitiva, estamos ante una joya mayor en la carrera del autor de On Golden Pond y una pieza imprescindible en cualquier colección de música de cine que se precie.

DEADFALL (John Barry)

 DEADFALL (1968)

Music Composed And Conducted By

JOHN BARRY

Tracklist:

   1 My Love Has Two Faces (Vocal)

                       Vocals – Shirley Bassey 3:52
2 The Meeting 2:45
3 Statue Dance 2:44
4 The Last Deadfall 6:13
5 My Love Has Two Faces (Instrumental) 3:16
6 Romance For Guitar And Orchestra
Soloist [Guitar] – Renata Tarrago* 14:12
7 My Love Has Two Faces (Male Vocal) 3:32
8 My Love Has Two Faces (Instrumental Demo) 3:18

Clásico esencial de John Barry que nunca puse en el blog y hoy me apetecía especialmente, hoy escribo sobre Deadfall ,una obra maestra del compositor creada en un periodo especialmente inspirado de su carrera (recién acababa de componer  "Boom!" y  enlazaba con su obra magna "El león en invierno") marcando el punto culminante de su madurez creativa. Fue además la última de las seis colaboraciones entre John Barry y el director Bryan Forbes. 

Esta banda sonora fue publicada originalmente por el sello de 20th Century Fox en vinilo y fue reeditada en CD en 1997, por el mítico sello FSM con una versión ampliada que incluye tomas alternativas de la canción.

Rodada en Mallorca, la película presentaba a Michael Caine como un ladrón que, junto a Eric Portman, intenta asaltar una mansión mientras su dueño asiste a un concierto, es un film muy curioso, perjudicado por tramas paralelas que no ayuda y que resulta  ciertamente fallido, que si se sigue recordando es por la famosa secuencia de robo. Para ella Forbes propuso a Barry su mayor reto: Escribir un concierto para guitarra que acompañara una secuencia de robo de quince minutos sin diálogos.

Barry compuso la pieza “Romance para guitarra y orquesta”, interpretada por la Orquesta Filarmónica de Londres con la guitarrista catalana Renata Tarragó como solista y el propio Barry dirigiendo. Forbes filmó la ejecución y la entrelazó con las imágenes del robo, creando una de las secuencias más originales de su tiempo logrando una de las fusiones más audaces entre música clásica y cine de la década de 1960.

Está pieza aparece en el sexto corte del CD ( originalmente abría la cara B del vinilo) “Romance para guitarra y orquesta” consta de dos movimientos: un andante, que sugiere el sigilo y la tensión del robo, y un largo, que gana intensidad a medida que la acción se complica. Los clímax orquestales acompañan momentos de riesgo y culminan con el tema principal interpretado por toda la orquesta...Es una pieza fabulosa y memorable que ya forma parte de las joyas del maestro. 

Ademas, el resto de la partitura es también de una altura enorme, girando en torno a un tema romántico, una canción singular e hipnótica titulada “My Love Has Two Faces”, con letra de Jack Lawrence e interpretada magistralmente por Shirley Bassey combina el lirismo característico del compositor con un tono melancólico y sofisticado., curiosamente en el CD aparecen dos cortes finales con versión alternativa , arreglo inicial diferente y voz masculina.

Esta melodía es utilizada por Barry en otros cortes, combinado ademas bloques de corte mas diegético ("Statue Dance" un delicioso corte bailable de ritmos sixty ), aunque mi momento favorito de esta obra opulenta y singular del maestro es el largo corte "The Last deadfall", una tema lleno de intriga y misterio, donde Barry llega a la cima de su minimalismo formal, repitiendo pequeños motivos musicales y creando capas de armonías y acorde misteriosos sensacionales. Compuesta en el mejor periodo de su carrera, Deadfall ocupa un lugar especial en la trayectoria de Barry, y aunque la película haya caído en el olvido, su música sigue siendo un testimonio de la ambición artística de Barry y su clara maestría en la musica de cine

Agradecimiento especial a Enrique Moreno 

CLEOPATRA ( Trevor Jones)

 

CLEOPATRA (1999)

Music Composed By TREVOR JONES

Conducted By

GEOFFREY ALEXANDER

Tracklist;


1 Cleopatra      3:20
2 Egypt Is Yours For Only One Day      6:08
3 The Tomb Of Kings 6:56
4 Rome Decrees 8:28
5 The Roman Forum 6:47
6 The Eye Of Horus 5:08
7 Temple Of The Sun 4:45
8 Prayer To Isis 4:02
9 To Speed You On Your Way 2:33
10 In The Eyes Of The Gods We Are One 6:56

Creo que esta es la primera vez que comento una banda sonora de Trevor Jones en el blog (¡ya era hora!), y lo hago con una obra que confirma el talento de uno de esos maestros musicales que, tras ser muy solicitados durante las décadas de los 80 y 90, ha caído prácticamente en el olvido dentro de una industria que ya no parece interesada en el sinfonismo orquestal. Una auténtica lástima.

Para Cleopatra, Trevor Jones compuso una partitura memorable que, de algún modo, seguía la estela de los títulos que le otorgaron éxito en los años anteriores (como The Last of the Mohicans en 1992 o Cliffhanger en 1993). Su tema principal se basa en una melodía poderosa y exuberante, muy “marca de la casa”. Es una composición que introduce elementos más modernos —incluso étnicos—, pero que sigue siendo muy respetuosa con el clasicismo de autores como Miklós Rózsa o Alex North. (Poco después llegaría Hans Zimmer con Gladiator para dinamitar el sinfonismo clásico y, de paso, clavar la primera estaca en la música de cine tradicional).

El CD fue editado de forma más o menos promocional por el propio Trevor Jones, en una época en la que comenzó a publicar sus obras por cuenta propia. La estructura de la partitura es sencilla y gira principalmente en torno al tema principal, titulado precisamente “Cleopatra”, que funciona tanto como obertura como cierre del álbum. Este tema se retoma en varias piezas clave —como “To Speed You on Your Way” e “In the Eyes of the Gods We’re One”— y constituye el eje central de la obra.

En este bloque temático se entrelazan elementos semíticos y motivos propios de la Roma clásica, otorgando a la música una notable riqueza cultural y sonora. La voz solista femenina de Belinda Sykes aporta un color árabe muy distintivo, especialmente en piezas como “Egypt Is Yours for Only One Day”. La cantante también interpreta la chirimía, un instrumento de viento tradicional egipcio que confiere una personalidad única a la partitura, por ejemplo en el corte “The Eye of Horus”.

También destaca un subtema presentado en “The Tomb of Kings”, que actúa como un pariente lejano del tema principal y ofrece una atmósfera inquietante apoyada por sutiles elementos electrónicos. La percusión —humilde pero constante— conduce hacia un cierre elegante y evocador.

La música asociada a Roma, aunque algo predecible en su lenguaje, está bien construida: fanfarrias de trompeta, ritmos marciales, redobles, timbales y cuerdas graves evocan la brutalidad del Imperio. Piezas como “Rome Decrees” y “The Roman Forum” recuerdan la energía salvaje de los metales que Jones empleó en Dark City, generando momentos de gran intensidad.

Otro aspecto notable es la integración de elementos electrónicos —especialmente teclados y efectos— que Jones introduce con mucha delicadeza, logrando una fusión muy equilibrada, visible en cortes como “Egypt Is Yours for Only One Day” o “Temple of the Sun”, donde orquesta y electrónica se presentan perfectamente compenetradas. Esta dualidad, moderna y a la vez clásica, es una de las grandes virtudes de la obra: Trevor Jones alterna con habilidad entre la orquesta tradicional y los instrumentos típicos del antiguo Egipto, creando una banda sonora tan sólida como evocadora.

HEART OF THE STAG (Leonard Rosenman)

HEART OF THE STAG (1984)

Music Composed And Conducted By

LEONARD ROSENMAN

Tracklist:

1) Opening Titles / Father and Daughter (3:38)
2) Peter and Cathy / Cleaning the Rifle (3:52)
3) Seeing the Stag / Hunting Story (4:25)
4) Herding The Sheep (3:06)
5) Memories / Kathy Looks in the Mirror (3:10)
6) Hunting The Stag / Murderous Thoughts (3:50)
7) Attempted Rape / Mother’s Death / Deadly Pursuit (4:06)
8) Final Chase and The Stag Attacks (7:13)
9) Finale (2:41)
10) Lenny and The Band (3:28)

Regreso al gran maestro Leonard Rosenman con su magnífica partitura —editada en CD— para el filme Heart of the Stag, una película dirigida por Michael Firth y estrenada en 1984. La historia narra la vida de Peter (Bruno Lawrence), un trabajador rural en Nueva Zelanda que descubre que Robert (Terence Cooper), el granjero para quien trabaja, mantiene desde hace años una relación incestuosa con su hija Cathy (Mary Regan). A medida que Peter se involucra emocionalmente con Cathy, se ve obligado a enfrentar la oscura y turbulenta dinámica familiar. La película aborda el tabú del incesto con notable sensibilidad y honestidad, lo que le valió el reconocimiento de la crítica en su momento.

Es una película que no he tenido la oportunidad de ver, pero que parece un terreno perfecto para que Leonard Rosenman compusiera una partitura notable. En ella mezcla tonalidades tiernas, melódicas y melancólicas con su característica atonalidad agreste y sin concesiones. No es una obra extensa —apenas unos 35 minutos—, y el CD se completa con un corte jazzístico titulado “Lenny and the Band”.

El primer tema del disco nos presenta el motivo principal (“Opening Titles / Father and Daughter”), que comienza con el sonido de una caja de música y luego desarrolla un leitmotiv de belleza dolorosa, muy típico del maestro. Es un corte que recuerda al tema principal de Sybil, con un enfoque que combina pasajes melódicos y sensibles con elementos más disonantes. No es una banda sonora complaciente: los cortes alternan momentos de lirismo con otros perturbadores, conectando con la sonoridad clásica del compositor tanto en el drama psicológico (The Cobweb, The Chapman Report, Sybil) como en el cine fantástico (hay momentos que recuerdan a The Car o Prophecy).

Es una banda sonora que nos rodea con texturas ásperas, cuerdas que parecen gritar de dolor y armonías cortantes como cristal...Para de vez en cuando aparecer el lado más lírico de Rosenman, que brilla con fuerza aquí, (y también están las inevitables pirámides tonales), pero siempre bajo ese dolor musical que expresa el maestro hay música realmente hermosa (como en “Attempted Rape / Mother’s Death”). Es una partitura cargada de contrastes: tensión, intimidad, drama, persecución y violencia emocional. Temas como “Final Chase and the Stag Attacks” o “Hunting the Stag / Murderous Thoughts” transmiten una intensidad dramática que subraya la oscuridad del relato.

NOTRE DAME DE PARIS: THE MUSIC OF MAURICE JARRE (Maurice Jarre)

 

NOTRE DAME DE PARIS

Music Composed By

MAURICE JARRE

The City of Prague Philharmonic Orchestra & Chorus

Conducted by
NIC RAINE













Tracklist:
CD 1:
World Premiere Recording
Symphonic Dances from NOTRE DAME DE PARIS
1.Prelude 2:13
2.Fête de fous (The Feast of Fools) 3:22
3.Grimace de Quasimodo (Entrance of Quasimodo) 2:01
4.Marche du roi – Le Tour de la ville (The King’s March) 2:35
5.La Belle et la Bête – Pas de deux (Beauty and the Beast) 5:46
6.La Cour des miracles (The Court of Miracles) 6:16

Maurice Jarre and the Orient Suite
7.TAI PAN – Overture 5:40
8.SHOGUN – Mariko’s Theme 3:36
9.SHOGUN – Tea and Jealousy 5:28
10.THE PALANQUIN OF TEARS 2:47

World Premiere Recording
THE MESSAGE – Concert Suite
11.The Declaration 2:09
12.The Hegira and Expulsion 2:57
13. Building the First Mosque 2:31
14.The Prayer and The Spread of Islam 4:41
15.Entry into Mecca 2:22

World Premiere Recording
THE BLACK MARBLE
16. True Romance (Dark Eyes) and End Titles 5:41

TT: 60:13

CD 2
A PASSAGE TO INDIA
1.Bombay March 2:34

THE PRINCE AND THE PAUPER (CROSSED SWORDS)
2.Main Title and The Prince and The Pauper 5:30

MOURIR A MADRID
3.To Die in Madrid 4:47

BEHOLD A PALE HORSE
4.Spain Regained 3:26
5.March from Behold a Pale Horse 2:52

World Premiere Recording
THE COLLECTOR – Concert Suite
6.The Collector / The Catch / End Titles Music 7:41

A WALK IN THE CLOUDS
7.The Harvest 2:56

World Premiere Recording
UPRISING – Concert Suite
8.Out of the Sewers / Uprising / I Am Lucky 8:00

POPE JOAN
9.Overture 4:18

World Premiere Recording
TWO BITS (unused score)
10.Two Bits 3:26

THE NIGHT OF THE GENERALS
11.Lieutenant General Tanz / On the Terrace at Versailles 4:01

THE BRIDE
12.THE BRIDE 4:40 PLAY

GIUBELIO – Cantata for Orchestra & Chorus
13.Heri (Yesterday) 4:05
14.Hodie (Today) 4:01
15.Semper (Always) 4:05

TT: 66:32



El genio francés Maurice Jarre regresa a nuestro blog, en esta ocasión con una regrabación que el sello Tadlow nos regaló hace unos años. Lamentablemente, este tipo de proyectos ya no se realizan con tanta frecuencia.

El propósito de este CD era rescatar al Maurice Jarre de los inicios de su carrera, una época en la que compuso una gran cantidad de música para teatro, conciertos y obras de cámara. Tres años después de su gran éxito con Lawrence de Arabia, en 1965, presentó la música para la producción de ballet Notre-Dame de Paris, de Roland Petit, basada en la obra de Victor Hugo. Este ballet es una de las composiciones más ambiciosas de Jarre, pero debido a sus grandes requerimientos orquestales y corales, rara vez se interpreta en su totalidad.

Este álbum de Tadlow incluye una suite de 22 minutos, con la que abre el primer CD. Se compone de seis movimientos basados en las danzas sinfónicas, destacando los momentos más memorables de la obra. La pieza es un testimonio del talento de Jarre y muestra una gran variedad de estilos, que incluyen pasajes vanguardistas y el dramatismo que caracteriza su trabajo cinematográfico.

La suite comienza con una apertura solemne en el "Prelude", donde el sonido de una campana de catedral marca el inicio. El siguiente movimiento, "Fête de fous", tiene un carácter agresivo, con una percusión sobresaliente. En el encantador "La Belle et la Bête – Pas de deux", la pieza ofrece una delicada y romántica danza para Quasimodo, muy típica del autor de Doctor Zhivago. El clímax dramático de la obra aparece en el corte "La Cour des miracles", un crescendo de tensión y belleza que demuestra la grandeza creativa de Jarre, quien en esos años se encontraba en pleno esplendor artístico.

El resto del primer CD está dedicado a obras memorables del autor, específicamente piezas relacionadas con Oriente, de ahí el título "Maurice Jarre and the Orient Suite". La colección de temas comienza con la obertura de Tai-Pan, una de sus obras maestras indiscutibles de la maravillosa década de los ochenta, la cual exhibe una grandiosidad única en su trabajo. De la serie televisiva Shogun aparecen dos temas: el delicado "Mariko’s Theme" y "Tea and Jealousy". La suite culmina con el tema final de The Palaquin of Tears, una pieza romántica y exótica, ambientada en un contexto chino. En todas estas piezas se aprecia el talento del compositor para incorporar instrumentos exóticos y percusión tradicional, dándole un matiz auténtico al conjunto.

Le sigue su nominación al Óscar en 1977 por Mahoma, el mensajero de Dios (The Message), la ambiciosa película sobre el profeta Mahoma. Jarre fue seleccionado por su prestigio y el éxito de Lawrence de Arabia, pero en este trabajo la música de Jarre, excepcional, fue más allá, logrando una fusión del estilo sinfónico occidental con elementos auténticos árabes y obteniendo resultados insuperables.

El disco uno concluye con otra grabación inédita: Una suite corta de The Black Marble, una comedia de 1980 (no la conozco) para la que compuso una bonita danza de vals.

El segundo CD presenta una serie de composiciones que varían enormemente en estilo y tono. Se abre con el famoso "Bombay March" de A Passage to India, seguido por el tema principal de The Prince and the Pauper, con su leitmotiv vibrante, expansivo y maravilloso. También hay espacio para el lado más sutil e intimista de Jarre en dos cortes relacionados con la Guerra Civil Española: Mourir à Madrid, con su sutil tema de guitarras, y Behold a Pale Horse, una pieza tan sencilla como evocadora y elegante.

Más adelante encontramos el tema principal de The Collector, otra pieza maravillosa del maestro. Otros cortes memorables que se incluyen son la obertura de Pope Joan, con una melodía majestuosa y un toque litúrgico que realza la seriedad del tema, así como las composiciones de The Night of the Generals, The Bride, "The Harvest" de A Walk in the Clouds o el sombrío tema de Uprising, la última película para la que Jarre compuso.

Finalmente, Giubelio cierra el álbum con tres piezas encargadas por el Vaticano en el año 2000. Curiosamente, algunas de las piezas ya habían sido compuestas por Jarre para la película de ciencia ficción Solar Crisis, aunque esto no le resta espectacularidad a una obra que explora los contrastes entre la luz y la oscuridad.

En resumen: Este es un álbum sobresaliente, al que tenia ganas de volver y reivindicar, no solo por la reveladora suite de ballet, sino también por las diversas suites y temas de películas que permiten apreciar la amplitud y la riqueza de la música de Jarre.

THE ISLAND OF DR MOREAU (Laurence Rosenthal)

 

THE ISLAND OF Dr. MOREAU (1979)

Music Composed And Conducted By

LAURENCE ROSENTHAL

Tracklist :

1. Main Title/The Jungle [5:24]
2. Maria and Friend/After Dinner/Doctor's Study [4:18]
3. On the Beach/More Questions [5:40]
4. Forest Murmurs/Dr. Moreau's Zoo/Moreau Explains [5:28]
5. Maria and Andrew [3:05]
6. Bear Man/To the Cave/In the Garden/Tiger Fight/Dead Tiger [7:32]
7. To the House of Pain/Funeral Pyre [4:33]
8. Involution [3:44]
9. Braddock's Cage/The Humanimals [3:57]
10. Moreau's Death [2:41]
11. Man and Beast [2:18]
12. The Holocaust [1:30]
13. The Real Maria/End Credits [2:41]
14. Jungle Pursuit [1:34]
15. To the House of Pain [2:44]

Siempre quise escribir sobre esta magnífica banda sonora. Se trata del trabajo de Laurence Rosenthal para la versión cinematográfica de la novela de H.G. Wells de 1979. Ene sta ocasión fue rodada en color obviamente y contó con la participación de Burt Lancaster como el inquietante Dr. Moreau, quien ejecuta experimentos bizarros mezclando humanos y animales que luego viven sometidos a la ley creada por el científico. El film, del que guardo un discreto recuerdo, no lograba del todo un tono intenso, tal vez por la dirección de una mano gris como la de Don Taylor, que no supo sacar buen partido de la trama.

Con todo, hay un elemento que sobresale muchísimo en la película: La extraordinaria partitura de Laurence Rosenthal, que en esta ocasión se atrevió a dar un paso diferente en su carrera y acercarse al género de terror-fantástico, con unos resultados soberbios y superiores. En su época fue editada en un vinilo pirata...Y con la llegada del CD ya recibió adecuadamente ediciones a apropiadas.

Con "La isla del Dr. Moreau" (1977), Rosenthal salió de géneros más habituales y se puso a la obra de crear un fresco musical de misterio y terror, sumergiendo al oyente en una sinfonía, a la vez moderna y primitiva,("The hummanimals" ) que mezcla atonalidad,  ambiente tribal y un romanticismo temático( "The Island" bloque inicial que introduce al espectador en el misterio)...Es -en cierto modo- el "Planeta de los Simios" de Rosenthal, (bloques como "Forest Murmura/ Dr.Moreau,s  Zoo" "The Holocausto" o el memorable " The House Of Pain" con un trabajo a fondo de la percusión y sus toques a la" Bartók" ) son lo más cercano en orquestación y estilo al Goldsmith experimental que ha compuesto Rosenthal) más si tenemos en cuenta que es un compositor del que solemos estar más acostumbrados a escuchar composiciones más tonales y no tan agresivas...Y aquí también las hay, en concreto una melodía sencilla, que recuerda un poco el tema de amor de "Clash Of Titans") ("Maria And Andrew", retomada en cortes como "On the Beach") y que aparece como contraste mesurado entre explosiones de música agresiva y oscura de primera categoría.

SPY KIDS (Robert Rodriguez, John Debney, Danny Elfman,Gavin Greenaway, Heitor Pereira / Harry Gregson Williams)

 

SPY KIDS (2001)

Music Composed And Conducted By

ROBERT RODRIGUEZ,

 JOHN DEBNEY, 

DANNY ELFMAN, 

GAVIN GREENAWAY,

 HEITOR PEREIRA,

 HARRY GREGSON-WILLIAMS



Tracklist:

1) Gavin Greenaway / Heitor Pereira / Harry Gregson Williams – Cortez Family (01:39)

2) Danny Elfman – My Parents Are Spies (02:09)
3)  Los Lobos & Rodriguez, Robert – Spy Wedding (02:11)
4) Debney, John / Rodriguez, Robert / Rodriguez, Marcel – Spy Kids Demonstration (01:07)
5) Debney, John / Elfman, Danny / Greenaway, Gavin / Pereira, Heitor – Parents On Mission (01:17)
6) Greenaway, Gavin / Pereira, Heitor – Kids Escape House (03:14)

7) John Debney / Danny Elfman / Harry Gregson Williams – Pod Chase (01:38)
8) Debney, John & Elfman, Danny – The Safehouse (00:47)
9) Debney, John / Rodriguez, Robert / Rodriguez, Marcel – The Third Brain (01:00)
10) Danny Elfman – Buddy Pack Escape (01:39)
11) Robert Rodrigurez,David Garza & Tito Puente – Oye Como Spy (02:59)
12) Danny Elfman – Floop’s Song (Cruel World) (00:59)
13) Greenaway, Gavin / Pereira, Heitor / Rodriguez, Robert / Rodriguez, Marcel – Spy Go Round (02:11)
14) Boardman, Chris / Greenaway, Gavin / Pereira, Heitor / Rodriguez, Robert – Minion (01:03)
15) Danny Elfman – Sneaking Around Machetes (00:36)
16) Debney, John & Elfman, Danny – The Spy Plane (01:29)
17) Chris Boardman – Floop’s Castle (01:29)
18) Harry Gregson-Williams – Final Family Theme (01:44)
19) Fonda – Spy Kids (Save The World) (02:20)

Hace años que quería escribir sobre la bso de esta película, que fue (y sigue siendo) una de las propuestas más divertidas de Robert Rodríguez en toda su filmografía. Spy Kids lograba fusionar una temática dirigida a niños con un homenaje a las películas de agentes secretos. Marcó el inicio de una curiosa tetralogía que Rodríguez, un director multifacético capaz de lo mejor y lo peor, que en esta ocasión pensó y diseñó un film para un público infantil que se hace muy ameno también para el espectador adulto.

Rodríguez, además de director, siempre ha demostrado ser un hombre orquesta que maneja muchas facetas del cine. Para este proyecto, decidió componer parte de la música por sí mismo, con la colaboración de varios compositores que aportaron su grano de arena. Lo más curioso es que, tanto en la película como en el estupendo CD de la banda sonora, la música resulta tan vibrante, ecléctica y llena de energía como la propia película. Además, tiene una unidad y coherencia sorprendentes, considerando que hasta seis compositores trabajaron en ella. Esta armonía sonora refuerza el espíritu lúdico y aventurero del film. También hay que señalar que algunos de ellos, especialmente John  Debney volverían a repetir experiencia con Rodríguez en las secuelas y en otras producciones de director.

Desde el primer instante, estamos ante un remix musical con una mezcla contagiosa de estilos, en primer logar temas de aire "Espionaje" de toda la vida (como un cruce entre John Barry y Lalo Schifrin) con acción trepidante en pistas como "Pod Chase" o "Parents on Mission", con orquestaciones ágiles y ritmos intensos, hasta pasajes más íntimos o cómicos que muestran la versatilidad de los compositores. La capacidad de este grupo de músicos para mantener una identidad sonora cohesiva, a pesar de la intervención de varios autores, es notable. Hay claras influencias del universo sonoro de Danny Elfman, especialmente en temas como "My Parents Are Spies" o "Floop's Song (Cruel World)", donde su toque orquestal y peculiar, con elementos excéntricos, es inconfundible. Estas piezas capturan perfectamente el encanto del villano Floop y la atmósfera de fantasía y peligro que rodea a los Cortez. También existe una enorme influencia latina en temas como "Cortez Family" o "Oye Como Spy" (una ingeniosa adaptación del clásico de Tito Puente "Oye Como Va", interpretada por Los Lobos junto a Robert Rodríguez y David Garza), canciones que ambientan la herencia cultural de los protagonistas y añaden un ritmo/ vitalidad esenciales para el dinamismo de la película...En un álbum divertido,  que funciona tanto dentro como fuera de la pantalla y que demuestra que a veces, el trabajo en conjunto, puede dar grandes resultados.

EXODUS (Ernest Gold)

 

EXODUS  (1960)

Music Composed By ERNEST GOLD

Conducted By NIC RAINE

Tracklist:

CD 1)

01. Prelude (2:42)
02. Summer in Cyprus (1:55)
03. Escape / The General (2:06)
04. Ari (3:49)
05. On the Beach* (2:06)
06. The Tent – Karen / Lorries / The Convoy* (4:13)
07. The Star of David* (0:40)
08. Odenheim’s Death / Karen’s Story *(4:02)
09. Approaching Haifa / The Oath* (3:03)
10. Kitty *(2:02)
11. Akiva’s Hideout (1:41)
12. Love is Where You Find It / The Valley of Jezreel * (6:08)
13. Yad El / He is Dead* (2:26)
14. Goodbye / Intermission Music – Fight for Survival (2:44)
15. Karen’s Father (In Jerusalem) ((3:51)
16. Akiva’s Arrest* (3:21)
17. Execution Chamber / Don’t Let My Brother Die* (1:36)
18. Acre Prison / The Chess Game (Conspiracy)* (5:41)
19. D-Day / The Bombs (Prison Break)* (7:43)

CD 2)

01. The Arsenal* (1:26)
02. The Operation *(1:47)
03. Children on the Hill* (2:04)
04. Dawn / Finale – The Fight for Peace (6:45)
05. Exit Music - Hatikvah (3:30)
06. EXODUS – This Land is Mine (Lyrics by Pat Boone) (2:20)

BONUS TRACKS
07. IT’S A MAD, MAD, MAD, MAD WORLD - Exit Music (2:06)
08. SHIP OF FOOLS = Candlelight and Silver Waltz (5:11)
09. JUDITH – Main Title Music - Sol Kaplan (4:09)

Suite from QB VII Composed by Jerry Goldsmith
10. Main Title (2:02)
11. The Holocaust (2:52)
12. Visit to the Sheikh (2:14)
13. The Wailing Wall (3:15)
14. Kaddish for the Six Million (3:20)

SCHINDLER’S LIST - John Williams
15. Schindler’s List (4:18)
16. Remembrances (5:55)

17. CAST A GIANT SHADOW – Prelude - Elmer Bernstein (3:00)
18. CAST A GIANT SHADOW – Land of Hope - Elmer Bernstein (3:21)
19. EXODUS - Rhapsody for Cello and Orchestra (6:56)
20. EXODUS – Concert Overture (4:28)

Parece mentira, pero en todos estos años no había abordado nada del gran Ernest Gold. Por eso, creo apropiado reivindicar esta regrabación de su obra más conocida: Exodus, la película dirigida por Otto Preminger que lo catapultó al estrellato musical, a pesar de que ya llevaba muchos años "picando piedra" en Hollywood.

Nacido como Ernst Gold en Viena, Austria (13 de julio de 1921 – Santa Mónica, California, 17 de marzo de 1999), fue un compositor austriaco naturalizado estadounidense. Compuso cerca de un centenar de partituras originales para cine y televisión entre 1945 y 1992, además de un musical para Broadway en 1968: I'm Solomon (Soy Salomón). También incursionó en la música clásica, con piezas como un concierto para piano, un cuarteto de cuerdas y una sonata para piano.

El doble CD que nos ocupa representa la mejor y más completa versión de la banda sonora de Exodus, que ganó el Óscar y, en 1961, el Grammy a la "Canción del Año".

La música regrabada, al presentarse en su totalidad, resulta una auténtica revelación. Más allá del célebre tema principal, el resto de la partitura había recibido escasa atención en grabaciones anteriores, y su calidad solía sonar discreta. Además, gran parte de la música fue recortada o directamente eliminada en el montaje final de la película. Esta edición nos permite disfrutar de una partitura magistral y muy variada, que el sello Tadlow regrabó con precisión y respeto.

El compacto se abre con el "Prelude", que introduce el inolvidable tema principal de Gold: una melodía mítica que musicaliza el viaje a la "tierra prometida". Es uno de los temas más conocidos y grabados de la historia del cine, y aquí recupera todo su esplendor en una versión robusta y noble. Este leitmotiv aparece también en otras variaciones y arreglos como "Ari" y "Akiva´s Hideout" o en "The Valley of Jezreel" donde recibe un desarrollo más extenso.

Gold no se limitó al tema principal. Compuso también una delicada melodía titulada Karen, que aparece por primera vez en "The Tent" interpretada por un acordeón solista, y que luego retoma toda la orquesta. Este leitmotiv también se emplea con gran sensibilidad en "Karen’s Father". Por otro lado, Gold demuestra su habilidad para el dramatismo con pasajes orquestales intensos como "The Bombs" o "The Conspiracy".

Dado que se trataba de una superproducción de larga duración, la grabación incluye los cortes correspondientes al intermedio (Intermission) y a la salida de sala (Exit Music). Incluso en esta banda sonora de tono tan épico hay espacio para piezas más ligeras, como Kitty, de aire lounge, que aporta frescura y contraste al conjunto. La partitura, profundamente emotiva, también refleja una esencia judía a través del uso de escalas y armonías características de la música hebrea.

Como es habitual en Tadlow, el CD doble incluye generosos bonus. En este caso, se suman piezas adicionales de Ernest Gold, como dos cortes de sus emblemáticas "It’s a Mad, Mad, Mad, Mad World" y "Ship of Fools". También se presentan selecciones de películas con una temática similar, como "Judith" de Sol Kaplan, una magnífica suite de "QB VII" (con música de Jerry Goldsmith), la mítica "Schindler’s List" de John Williams, e incluso un corte de Elmer Bernstein con espíritu judío: Cast a Giant Shadow. Todo esto convierte a este doble compacto en una edición de gran valor musical y cultural.

El cierre perfecto llega con un regreso a la música de Gold para Exodus, incluyendo la excelente "Rapsodia para violonchelo y orquesta" y la "Obertura de concierto", ambas desarrolladas a partir de su partitura original.

MY LIFE IN MUSIC (Lalo Schifrin)

 

MY LIFE IN MUSIC (2012)

Music Composed And Conducted By 

LALO SCHIFRIN

Tracklist:

CD1)

1 'Enter the Dragon' Main Title
2 Samba Para Dos from 'Bossa Nova Groove'
3 'The Fox' Main Title
4 Eagle Falls in Love from 'The Eagle Has Landed'
5 Transporting Rhino from 'Rhino!'
6 'Fast Walking' Main Title
7 Burning Bridges from 'Kelly's Heroes'
8 Invisible City
9 'Dirty Harry' Main Title
10 New Orleans Procession from 'The Cincinnati Kid'
11 'Caveman' End Title
12 There Is Something Out There from 'Abominable'
13 'Cool Hand Luke' Main Title
14 'Telefon' Main Title
15 The Pier, the Bridge and the City from 'The Dead Pool'
16 Love Poem for Donna
17 Bank Robbery from 'Charley Varrick'
18 'Bullitt' Main Title
19 'Coogan's Bluff' Main Title
20 'Rush Hour' Main Title


CD 2)

1 'Joe Kidd' Main Title
2 Tar Sequence from 'Cool Hand Luke'
3 The Face of Love from 'The Osterman Weekend'
4 Calliope of Death from 'Rollercoaster'5 All for the Love of Sunshine from 'Kelly's Heroes'
6 Venice After Dark from 'The Venetian Affair'
7 Scorpio's View from 'Dirty Harry'
8 The Statue of Liberty March
9 'Brubaker' Theme
10 'The Cincinnati Kid' Instrumental Theme
11 The Miracle from 'Something to Believe In'
12 Amputation Aftermath from 'The Beguiled'
13 Che from 'Che!'
14 El Dorado
15 'Sudden Impact' Main Title
16 Pablito/Guitarra/Padre Van Horne from 'The Wrath of God'
17 'Magnum Force' Main Title
18 'The Amityville Horror' Main Title
19 Take Me to Ringerman from 'Coogan's Bluff'
20 Justine
21 The Plot from 'Mission: Impossible'

CD3)

1 The Cincinnati Kid (Vocals from Ray Charles)
2 Arletta Blues from 'Cool Hand Luke'
3 'Les Felins' Main Title
4 'The Fourth Protocol' Main Title
5 The Forces of Darkness
6 Finding McB from 'The Beguiled'
7 'Mannix' Theme
8 Ice Pick Mike from 'Bullitt'
9 Bach to the Blues
10 'Magnum Force' Main Title
11 Tango Del Atardecer
12 Chama from 'Joe Kidd'
13 Movement from String Quartette from 'Rollercoaster'
14 Summer Dance
15 My Lord Don Quixote/End Title
16 'Rage' End Title
17 'Enter the Dragon' Main Title
18 Tema D'amore from 'La Pelle'
19 Last of the Independents from 'Charley Varrick'
20 Robbery Suspect from 'Sudden Impact'
21 'Rush Hour' Main Title


CD 4)
1 Suite - Concorde: Airport 79
2 Paraphrase
3 Panamericana
4 Once a Thief
5 Resonances
6 Montuno
7 People Alone from 'The Competition'
8 Intersections
9 Agnus Dei
10 Toccata
11 Mission: Impossible

El deceso muy reciente del irremplazable compositor Lalo Schifrin me ha obligado a alterar el orden previsto en el blog, por lo que adelanto esta entrada para rendirle homenaje póstumo. Con su muerte desaparece otra figura legendaria de la música de cine, totalmente única e irremplazable, que en mi caso tuve el privilegio de conocer personalmente.

Lalo Schifrin nació en Buenos Aires, Argentina, el 21 de junio de 1932, y se interesó por la música gracias a su padre, quien fue concertino de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires durante más de 30 años. Animado por su padre, violinista sinfónico, Lalo comenzó a tocar el piano a los 6 años y su primer maestro fue Enrique Barenboim, padre del pianista y director de orquesta Daniel Barenboim. Cursó la secundaria en el Colegio Nacional de Buenos Aires. En 1952, viajó a Francia para estudiar en el Conservatorio de París y participó de la vida jazzística nocturna parisina.

Tras regresar a Buenos Aires, Schifrin formó una big band. En 1956, conoció al trompetista Dizzy Gillespie, que venía acompañado de Quincy Jones; ambos compartieron un encuentro fortuito en el que improvisaron junto a Schifrin y su joven amigo Astor Piazzolla.

Schifrin fue pianista del quinteto de Dizzy Gillespie desde 1960 hasta 1962, tras ser descubierto en Buenos Aires, mudándose a Nueva York en 1958.

Aunque permaneció con Gillespie durante un período relativamente corto, contribuyó con dos piezas importantes a su repertorio: "Gillespiana", un retrato notable del trompetista en una suite de cinco movimientos, y "The New Continent", una suite de tres movimientos grabada en 1962.

Tras ese periodo y sin abandonar el jazz, Schifrin empezó a hacerse un nombre como compositor de televisión y cine, eternamente conocido por su tema para "Misión: Imposible". También fue el creador de las bandas sonoras de películas icónicas como "Cool Hand Luke" (1967), "The Fox" (1968) y "The Amityville Horror" (1979). Aunque no se puede negar que "Harry el sucio" (1971) y "Bullitt" (1968) lo convirtieron en un ícono del cine de acción, al menos en lo que respecta a la música.

El maestro ganó un Grammy por "Mission Impossible", así como un Grammy Latino. Además, recibió un merecido Oscar honorífico a su carrera en 2018, tras un total de seis nominaciones.

Con su muerte tan cercana, ¿qué mejor homenaje a su obra completa que este cuádruple recopilatorio de su trabajo, editado en 2012 por su propio sello Aleph Records? Este álbum celebraba el octogésimo aniversario del maestro y su maestría en el cine, la televisión, el jazz y, en definitiva, en el universo de la música total. Son cuatro CDs y 73 pistas, que sirven como una muestra (muy certera) de la obra completa de Schifrin, en una selección inteligente de sus composiciones.

No voy a citar disco por disco, porque realmente es una fiesta, pero obviamente encontramos cortes de su emblemáticas "Mission Impossible", "Bullitt", "Dirty Harry" "Kelly´s Heroes" o "Enter The Dragon". Incluso sus más recientes entonces  (ahora ya no tanto) "Rush Hour" o "Abominable". Asimismo, hay un buen balance entre obras menos conocidas que merecen igual reconocimiento, tales como la suite sinfónica de "Concorde: Airport 79", un bloque sublime de su primer film americano "Rhino" ("Transporting Rhino from 'Rhino!'") o el tema del robo del banco de "La gran estafa" ("Bank Robbery from 'Charley Varrick'").

Y entre lo más conocido, obviamente, también encontramos a Ray Charles cantando en el dinámico/mítico tema de "The Cincinnati Kid", su canción nominada al Oscar por "The Competition" ("People Alone"), el tema principal de su memorable "The Amityville Horror", un corte genial ("Tar Sequence") para "La leyenda del indomable" ("Cool Hand Luke"), un tema de raíces españolas maravillosas para su excelente composición para Don Quijote, producida por Emiliano Piedra ("My Lord Don Quixote/End Title"), la música extrañamente suave para "Brubaker" de Robert Redford, y también un montón de piezas de corte sinfónico y jazzístico hechas para la sala de conciertos, tales como "Toccata", de "Gillespiana" y "Panamericana" de su suite "Gillespiana", o el "Resonances" de su ambiciosa obra "Esperanto". Añado su memorable tema para conmemorar la Estatua de la Libertad ("The Statue of Liberty March")… Además de su "Montuno" de su suite "Latin Jazz", el expresivo "Tango del Atardecer" de "Letters from Argentina"… Podría seguir escribiendo mucho más, pero lo mejor es escuchar y unirse a una fiesta Schifriniana para conmemorar un legado ,irrepetible, de otro Dios de la música de cine que nos deja.

MAN ON FIRE (John Scott)

 

MAN ON FIRE (1988)

Music Composed And Conducted By

JOHN SCOTT

Tracklist:

1. Man On Fire (04:41)
2. The Bomb (02:51)
3. Snake’s First Victim (02:04)
4. Sam Wins the Race (02:00)
5. The Villa At Night (01:41)
6. The Ransom Drop (01:48)
7. Start of the Search (02:37)
8. Death Of Creasy (02:52)
9. Becoming Friends (01:50)
10. The Kidnapping (01:11)
11. We’ve Got Each Other (01:57)
12. Rabbia Must Die (03:08)
13. Sam Runs Into Danger (01:12)
14. Reconciliation (01:42)
15. Premature Death (01:43)
16. Reunited (03:14)


Volvemos en este caluroso junio al gran maestro John Scott y su banda sonora para el notable thriller de 1987, Man on Fire. Esta película, basada en la novela de A. J. Quinnell, fue objeto años después de un remake igualmente destacado —aunque visualmente muy distinto— dirigido por Tony Scott y protagonizado por Denzel Washington. En esta, la versión original, nos encontramos con una peculiar coproducción rodada en Italia que narra la historia de la venganza de un guardaespaldas (interpretado por Scott Glenn) que sobrevive de milagro tras el secuestro de la niña a la que protegía y con quien mantenía una relación casi paternal.

El film destaca por su lograda atmósfera seca y pesimista, así como por una violencia sin concesiones que el director Elie Chouraqui maneja con elegancia y mirada concisa. Su parte final es especialmente poderosa, transformando la película en un sublime film de venganza que eleva los conceptos clásicos del género. Todo ello está realzado por un sólido reparto que incluye a Joe Pesci, Danny Aiello y Jonathan Pryce, una excelente puesta en escena y, por supuesto, la brillante partitura de John Scott, que hoy nos ocupa en este blog.

La banda sonora de Man on Fire (1987) es otra obra magistral del compositor británico, en la que despliega su talento para crear atmósferas intensas y emotivas. Fue editada originalmente en LP y más tarde reeditada en CD por el sello Varèse Sarabande.

John Scott, un compositor al que nunca dejaremos de reivindicar y alabar, consigue aquí subrayar de manera conmovedora la conexión emocional entre el guardaespaldas Creasy y la niña Sam, así como la brutal determinación de Creasy en su búsqueda de venganza tras el secuestro. Para ello compuso un tema principal que muchos consideran entre los mejores de su carrera: una melodía melancólica (presente en cortes como "Man on Fire" y "Reunited"), pero que a la vez encierra una épica exuberante que se queda grabada en la memoria del oyente.

Curiosamente, este tema ganó cierta notoriedad cuando fue utilizado en la resolución final de Die Hard (Jungla de Cristal), durante el abrazo entre John y Holly McClane. El montador lo eligió como temp track y terminó quedándose en el corte final, lo que lo hizo aún más conocido para el gran público.  La música alterna con acierto entre temas románticos de gran lirismo (el leitmotiv ya citado, presentado en el corte épico titulado "Sam Wins The Race")  , con bloque de isntrumentación más Pop y moderna ("Start Of The Search") además de cortes de suspense intensos y aterradores ("The Bomb" o  "Snake’s First Victim") reflejando perfectamente el equilibrio entre drama y acción que define a la película. Quedando en definitiva como una banda sonora/composición modélica en la carrera del autor de "Anthony & Cleopatra"

ZULU DAWN (Elmer Bernstein)

 

ZULU DAWN (1979)

Music Composed And Conducted By

ELMER BERNSTEIN

Tracklist:

01. Morning & Main Title (00:59)
02. The Chase (02:06)
03. Regimental March (02:06)
04. River Ccrossing (04:47)
05. Scouting (01:03)
06. The Hunt (02:31)
07. Stand to (01:45)
08. Error (01:59)
09. Escape (01:31)
10. Zulus (02:30)
11. Men of Harlech (02:21)
12. More Zulus (04:28)
13. Glory (02:29)
14. Formation (02:34)
15. Into Battle (01:14)
16. Isandhlawana, Part 1 (02:13)
17. Isandhlwana, Part 2 (02:24)
18. Durnford (01:40)
19. Saving the Colors (03:48)
20. Aftermath (02:09)

Regresamos a Elmer Bernstein, esta vez para adentrarnos en su magnífica partitura para Zulu Dawn ("Amanecer Zulú", 1979), una película dirigida por Douglas Hickox. Este film funcionaba como una precuela del clásico Zulu (Cy Endfield, 1964) y narraba la trágica batalla de Isandlwana, donde las fuerzas británicas sufrieron una derrota completa a manos del ejército zulú. Aunque la película es bastante notable —con un reparto impresionante y una factura técnica impecable—, no logró alcanzar la fama ni el impacto de su antecesor.

En esta ocasión, Bernstein tomó el relevo de John Barry, cuya breve pero icónica banda sonora fue fundamental en la película original. La música que Bernstein compuso para Zulu Dawn adopta un enfoque claramente distinto: en ningún momento intenta imitar a Barry. De hecho, esta partitura pertenece a una etapa gloriosa de su carrera, cuando regresó con fuerza al sinfonismo tras una década —los años setenta— en la que trabajó en proyectos quizás menores. Sin duda, fue uno de los grandes beneficiados del renacer sinfónico impulsado por el éxito de Star Wars y el estilo orquestal de John Williams.

La partitura es, en mi opinión, sencillamente magnífica. Con orquestaciones memorables de Christopher Palmer (quien embellecía toda obra en la que participaba) e interpretada por la Royal Philharmonic Orchestra, esta banda sonora se erige como una de las grandes joyas del maestro.

Destaca por su uso de una orquesta sinfónica completa, con metales, cuerdas y percusión que evocan tanto el poder imponente del Imperio Británico como la energía vibrante del continente africano. Bernstein establece una contraposición brillante entre temas marciales británicos y ritmos tribales zulúes, logrando evitar caer en estereotipos y resaltando el profundo trasfondo cultural del conflicto.

Editada primeramente en un LP y posteriormente en dos ediciones en Compacto, el CD se abre con el breve tema “Morning”, con un destello de percusión que sugiere la calma de un amanecer africano....Es un corte muy "Bernstein", inmediatamente después, aparece “The Chase”, con tambores resonantes y un coro que imita las voces zulúes, aportando una gran intensidad. El “Main Title” establece el tono solemne del film con una mezcla imponente de coros y percusión. Temas como “The Chase” y “Final Attack” brillan por su dinamismo, capturando con gran eficacia la energía de las escenas de combate. Bernstein demuestra aquí su maestría para traducir el ritmo visual en un lenguaje musical envolvente.

Es un CD apoteósico donde también encontramos pasajes de carácter marcadamente patriótico, como “Regimental March” o el espléndido “River Crossing”, que inicia como una marcha vibrante y desemboca en una versión heroica del tema principal: uno de los momentos más destacados de toda la obra y un corte inolvidable también en la película. Otros cortes muy notables son “Escape”, que transmite el terror y la desesperación de la huida, desembocando en el enfrentamiento devastador de “Zulus”. Luego viene “More Zulus”, con una acción aún más vertiginosa e implacable, pero también con un destello de heroísmo y giros rítmicos electrizantes. “Formation” es otra poderosa pieza de batalla, con un coro masculino sin palabras que aporta una inmensa gravedad. Finalmente, el disco cierra con “Aftermath”, un lamento profundo hacia la muerte. 

Como ya comenté, es una de las grandes obras maestras de Bernstein, y la partitura mantiene un nivel sobresaliente de principio a fin, consolidándose como una de las mejores del género de acción y aventura de finales de la década de los setenta.

THE OTHER (Jerry Goldsmith)

 

THE OTHER (1972)

Music Composed And Conducted By 

JERRY GOLDSMITH

Tracklist:

1. Main Title (“The Other”) 1:39
2. Summer Fun 1:26
3. The Apple Cellar 3:07
4. The Well 2:20
5. The Flight 2:19
6. The Finger and Free Admission 1:35
7. The Game :56
8. The Ice Truck :58
9. Alexandra 2:03
10. The Pond 2:19
11. Mother Knows 3:38
12. The Portrait 1:21
13. The Cemetery 2:55
14. The Casket 5:26
15. No More Games and A Visit with Mother 4:05
16. Angel of Fire 3:06
17. End Title (“The Other”) 1:35
18. Oriental Source (Chan-Yu) 2:33
19. Main Title (“The Other”) (Alternate) 1:40

Regreso en este blog al gran Jerry Goldsmith, en este caso con la reciente edición en CD de una de sus obras maestras indiscutibles: Su excelente trabajo para el film de Robert Mulligan 'The Other'.

Estamos ante una de las partituras de terror más originales de Goldsmith y esta es la primera vez que aparece de modo completo, anteriormente fue lanzada en una suite extendida  junto con el score completo de "The Mephisto Waltz" en el ya lejano 1997...Finalmente es en esta edición Deluxe donde se presenta la banda sonora estéreo completa en una nueva restauración de audio que suena como si se hubiera grabado hoy.

En cuanto a la película para mi es un titulo interesante, pero sobrevalorado (es mi opinión, se que voy a la contra). Y que partiendo de un guion-libro de Tom Tryon y coprotagonizada por Uta Hagan y Diana Muldaur, creo que es un film bastante decepcionante para lo atrevido de su propuesta: A medio camino del drama y la historia de misterio, Mulligan rodó este curioso film, bastante desigual para los resultados reales que propone. Una historia curiosa sobre un niño y su (otro) hermano, que funciona más o menos a lo largo de su desarrollo, pero siempre está perjudicada por una vulgar, feísima y televisiva puesta en escena, con abuso de zoom in y zoom out casi por corte, amén de una total falta de valentía al abordar un tono realmente fantástico. Aun no entiendo la fama que tiene, aunque sin duda lo mejor se encuentra en la magnífica partitura de Jerry Goldsmith que sustenta el film y su credibilidad por sí solo.

El maestro estaba en la cima creativa (¿alguna vez no lo estuvo en el periodo 1960-1990?) y logró combinar los polos opuestos del film en una unidad perfecta: Hermosa música para el nostálgico escenario de la película y la intimidad de la infancia y melodías oscuras para los horrores indescriptibles de las revelaciones de la historia. Banda sonora que referencia la dualidad de los hermanos. Parte de un tema principal de una belleza melancólica irreprochable: Inocencia y nostalgia del entorno rural (" Main Title -The Other”). Un leitmotiv a menudo interpretado con instrumentos de cuerda y piano, establece una atmósfera lírica y entrañable ("Summer Fun", con aire a lo Elmer Bernstein), donde la música navega fluidamente en la calidez de la infancia ("Alexandra", "The Aple Cellar" ) que contrasta fuertemente con los horrores que se van revelando en la trama donde aparecen melodías oscuras y disonantes para el terror,  en bloques como "The Game" o el sublime "The Cemetery"...Donde el maestro sabe generar un escalofrío del misterio a través de sus armonías.

Esta edición añade además música más incidental y diegética también fabulosa (como el corte de la feria titulado "Oriental Source (Chan-Yu)") que deja el sabor global de un trabajo maravilloso, original y admirable que vale la pena escuchar muchas veces.

L,HOMME PRESSE/LE BEAUJOLAIS NOVEAU EST ARRIVE (Carlo Rustichelli)

-L,HOMME PRESSE (1977)

-LE BEAUJOLAIS NOVEAU EST ARRIVE (1978)

Musique de

CARLO RUSTICHELLI

Tracklist:


01. Generique – La quietude (1:53)02. L’Homme presse [Theme 2] (2:29)
03. L’Homme presse [L’affrontement] (1:32)
04. L’Homme presse [Theme 3] (3:28)
05. L’Homme presse [Venise] (0:56)
06. L’Homme presse [Les fouilles] (1:11)
07. L’Homme presse [L’Afrique] (0:58)
08. L’Homme presse [L’appartement] (1:35)
09. L’Homme presse [La course] (1:09)
10. L’Homme presse [Le cardiologue] (1:15)
11. L’Homme presse [Theme d’amour] (1:54)
12. L’Homme presse [Le vase Etrusque] (1:33)
13. L’Homme presse [La naissance] (1:27)
14. L’Homme presse [Vente aux encheres] (1:35)
15. Generique fin – La conquete (2:07)
16. Le beaujolais nouveau est arrive [Generique] (1:43)
17. Le beaujolais nouveau est arrive [La banlieue] (2:03)
18. Le beaujolais nouveau est arrive [L’aventure] (2:15)
19. Le beaujolais nouveau est arrive [Le restaurant] (2:05)
20. Le beaujolais nouveau est arrive [La quete] (2:50)
21. Le beaujolais nouveau est arrive [L’idylle] (1:26)
22. Le beaujolais nouveau est arrive [La bagarre] (2:10)
23. Le beaujolais nouveau est arrive [Sacre Gaston] (0:58)
24. Le beaujolais nouveau est arrive [Generique fin] (3:12)



Llevaba mucho tiempo sin compartir en este blog una banda sonora de Carlo Rustichelli, así que aprovecho para presentar un CD editado, ya hace unos años, por Music Box Records que incluye dos de sus trabajos: L'Homme pressé (El hombre apresurado, 1977), dirigida por Édouard Molinaro, y Le beaujolais nouveau est arrivé (Ha llegado el Beaujolais nuevo, 1978), dirigida por Jean-Luc Voulfow.

Basada en la novela del escritor francés Paul Morand, L’Homme pressé contaba la historia de un ocupado marchante de antigüedades parisino luchando contra el paso del tiempo, viviendo cada momento de su existencia al máximo. La película estaba protagonizada por Alain Delon, Mireille Darc, Michel Duchaussoy y Monica Guerritore. Contiene una banda sonora de Carlo Rustichelli que pivota siempre desde un fuerte tema melancólico que se presenta en diversas variaciones. Tema muy emotivo, ("L’Homme presse -L’affrontement") permite que la música se adapte a las diferentes emociones y situaciones del protagonista. La música de Rustichelli subraya la energía, pero también la posible tristeza o reflexión que puede surgir de esa constante prisa. La introducción del motivo principal (" Genèrique- La quietude") en el primer corte tiene un aire bucólico que Rustichelli transforma rápidamente en una melodía profundamente melancólica, cuyas primeras notas incluso pueden recordar a una de las obras más conocidas del compositor: "Bubu de Montparnasse".

Y es que durante los años setenta, hubo una corriente interesante entre compositores que trabajaban en bandas sonoras, basándose en un único tema principal que luego se reutilizaba en diferentes orquestaciones y tonos. Rustichelli, en estos dos trabajos, emplea este sistema de manera brillante. Logrando da un carácter especial a cada corte mediante sutiles cambios en la orquestación y en los instrumentos, haciendo que suene prácticamente como nuevo en cada pieza. Una banda sonora que resume el lirismo apasionado y, a la vez, sutil de este magnífico compositor.

Por otro lado, el trabajo presentado para "Le Beaujolais nouveau est arrivé" era para una road movie al estilo francés, vagamente basada en la novela homónima de René Fallet. Película protagonizada por Jean Carmet, Michel Galabru y Pierre Mondy...Y aquí también una melodía recurrente, descrita como un “ritornello muy ligero”( "La Banlieule"). Esta melodía funciona como un hilo conductor musical que acompaña las aventuras del trío protagonista  durante su viaje por carretera.

Este ritornello adquiere un carácter ligero,  alegre o incluso un poco nostálgico, para encajar con el tono de comedia y aventura de la película. Es una melodía sencilla y pegadiza que evoca la sensación de recorrer la campiña francesa, descubriendo nuevos lugares ( "La Quete") y viviendo experiencias juntos.

En resumen, un par de trabajos excelentes que me permiten retornar a escribir sobre este gran compositor, demostrando nuevamente la grandeza sin par de Rustichelli.

THE WONDERFULL COUNTRY (Alex North)

THE WONDERFUL COUNTRY

Music Composed And Conducted By

ALEX NORTH

Tracklist: 

1) Main Title (2:04)
2) Riding Into Pueblo (3:51)
3) Hellen’s Theme (1:27)
4) Smuggling Guns (2:11)
5) Across the Rio Grande (1:58)
6) Chief Pistalere (1:18)
7) Murder At the Fiesta (2:58)
8) Escape (1:38)
9) Reunion With Castro (1:13)
10) General Mareos (1:09)
11) Capital City (1:38)
12) Reunion At Fort Jeffin (4:05)
13) The Wonderful Country (1:27)
14) The Chase (1:52)
15) Indian Fight (3:27)
16) Brady and Helen (3:13)
17) End Title (3:40)
18) Bonus The Wonderful Country Suite (18:54)

Este mes nos sumergimos en la obra de uno de los grandes maestros de la música cinematográfica: El inigualable Alex North. En esta ocasión, nos enfocamos en la banda sonora que compuso para el western Más allá del Río Grande (The Wonderful Country), un filme de los años 50, considerada por muchos la época dorada del género.

La dirección de Robert Parrish en este film es excelente y en algunos momentos se percibe una conexión con el estilo de Nicholas Ray, especialmente por el aire desencantado y la pátina melancólica que impregnan la historia. La partitura de North es sencillamente exuberante, una auténtica declaración de amor del compositor hacia la música de raíces mexicanas.

No era la primera vez que North exploraba el folclore mexicano en su música, pues una de sus obras maestras indiscutibles es Viva Zapata!. Sin embargo, en Más allá del Río Grande, la música adquiere un tono más festivo desde los créditos iniciales ("Main Titles")...Y es que ambas partituras comparten muchas similitudes, en especial la fusión del estilo ultramodernista de North con hermosas melodías pastorales que parecen fluir con naturalidad.  Añadiendo siempre esas orquestaciones increíblemente sofisticadas, intrincadas con detalladisimas secciones de percusión.

Muy destacables cortes como "Smuggling Guns" con un maravilloso tema para armónica que se repite en varias ocasiones a lo largo de la partitura, también el magnífico "Murder at the Fiesta" que transforma lo que inicialmente parece música de carnaval en una composición dramática e intensa; Escape, con quizá el uso más impactante de una guitarra acústica en una banda sonora; Capitol City, que combina las clásicas orquestaciones de North con música folclórica mexicana de una belleza excepcional; The Chase, una emocionante pieza de acción; y finalmente, Brady and Helen, que presenta una magnífica interpretación del tema romántico principal y demuestra la habilidad de North para componer música sentimental sin recurrir a los enfoques trillados de sus contemporáneos.

En definiotiva, estamos ante una partitura está llena de momentos brillantes, sin un solo instante monótono. Sin duda, es una de las mejores bandas sonoras de Alex North y del género western jamás escritas

THE DA VINCI CODE (Hans Zimmer)

 

THE DA VINCI CODE (2006)

Music Composed By 

HANS ZIMMER

"Kyrie for the Magdalene", 

Composed By

RICHARD HARVEY

Tracklist:

1) Dies Mercurii I Martius
2) L'Esprit Des Gabriel
3) The Paschal Spiral
4) Fructus Gravis
5) Ad Arcana
6) Malleus Maleficarum
7) Salvete Virgines
8) Daniel's 9th Cipher
9) Poisoned Chalice
10) The Citrine Cross
11) Rose Of Arimathea
12) Beneath Alrischa
13) Chevaliers De Sangreal
14) Kyrie For The Magdalene - Various Artists

Hacía tiempo que no compartía en el blog una banda sonora de Hans Zimmer, y hoy quiero rescatar una auténtica joya de 2006: la música de The Da Vinci Code. Esta obra juega un papel crucial en la atmósfera de misterio y suspense de la —irregular— película dirigida por Ron Howard. Sin duda, es uno de los puntos más destacados del film, con una composición solemne y enigmática que combina cuerdas, metales y percusión de manera magistral.

Aunque la base es orquestal, Zimmer introduce efectos electrónicos y modernos que refuerzan la conexión entre lo antiguo y lo contemporáneo. Todo el álbum ofrece una experiencia envolvente, en la que el compositor recurre a elementos característicos de su estilo, como el violonchelo de Martin Tillman y el violín de Hugh Marsh, para enriquecer las texturas sonoras.

La dirección coral, a cargo de Nick Glennie-Smith y Gregson-Williams, cobra especial relevancia en las escenas de acción y revelación, donde la música intensifica la conexión entre pasado y presente. Los cortes musicales suelen ser largos y presentan una unidad estilística muy notable.

El tema principal, The Da Vinci Code, establece un tono inquietante que impregna toda la película, mientras que piezas como Chevaliers de Sangreal alcanzan un clímax emocional que refleja a la perfección la resolución del misterio. El uso del coro añade una dimensión religiosa y ancestral en cortes magníficos como Salvete Virgines o Rose of Arimathea, otorgando una conexión profunda con el misterio de la trama. Incluso Zimmer plantea un corte más intenso y potente en el uso de las cuerdas con el penúltimo tema, Beneath Alrischa.

Se trata de un trabajo muy atmosférico, donde la voz juega un papel primordial y que se resuelve de manera memorable en la última pista: el espectacular Kyrie for the Magdalene. A diferencia del resto del álbum, esta pieza coral profundamente emotiva no fue compuesta por Zimmer, sino por Richard Harvey, y cierra el disco de manera magistral.

En definitiva, esta banda sonora, ya clásica dentro de la obra del compositor alemán, ayuda a intensificar la narrativa de la película. Aquí, Zimmer apostó más por la atmósfera envolvente que por la descripción pura y dura.

THUNDERBALL (John Barry)

 

THUNDERBALL (1965)

Music Composed And Conducted By

JOHN BARRY

Tracklist:

1. "Thunderball" - Main Title - Tom Jones 3:03
2. Chateau Flight 2:31
3. The Spa 2:43
4. Switching the Body 2:48
5. The Bomb 5:45
6. Cafe Martinique 3:46
7. Thunderball 3:57
8. Death of Fiona 2:31
9. Bond Below Disco Volante 4:05
10. Search for Vulcan 2:25
11. 007 2:27
12. Mr. Kiss Kiss Bang Bang 3:19
13. Gunbarrel / Traction Table / Gassing the Plane / Car Chase 4:43
14. Bond Meets Domino / Shark Tank / Lights Out For Paula / For King and Country 8:18
15. Street Chase 3:24
16. Finding the Plane / Underwater Ballet / Bond with SPECTRE Frogmen / Leiter to the Rescue / Bond Joins Underwater Battle 10:15
17. Underwater Mayhem / Death of Largo / End Titles 10:21
18. Mr. Kiss Kiss Bang Bang (Mono) 2:40

En esta parada de nuestro viaje por las bandas sonoras del cine, volvemos a sumergirnos en el universo de James Bond con 'Thunderball' (Operación Trueno), la cuarta entrega de la saga. Este film, con un presupuesto sin precedentes, marcó un curioso descenso hacia la mediocridad en la fórmula Bond. La película se divide en dos mitades contrastadas: Una primera parte lograda, fiel al espíritu de las entregas anteriores, con su cinismo, acción y espectacularidad y un Sean Connery en su apogeo sarcástico, acompañado por el encanto de Molly Peters y Luciana Paluzzi. Sin embargo, la segunda mitad, a pesar de sus recursos y escenarios impactantes, se diluye en un ritmo tedioso, culminando en una batalla submarina excesiva.

La banda sonora, durante años, estuvo envuelta en confusión debido a una edición promocional que limitó el vinilo original a la mitad de la música grabada. Afortunadamente, una reedición en CD en 2003 rescató 40 minutos de música inédita.

John Barry, bajo la sombra del éxito de 'Goldfinger', se enfrentó al reto de superarse a sí mismo y de integrar el peculiar título de la película en una canción memorable. En su búsqueda de éxito, compuso un tema alternativo, 'Mr. Kiss Kiss Bang Bang', que sirvió como base melódica para el resto de la banda sonora. Esta melodía se escucha en cortes como 'Cafe Martinique' y 'Death of Fiona', creando un ambiente nocturno perfecto para Nassau. Sin embargo, los productores insistieron en incluir el título de la película en la canción principal, y así nació 'Thunderball', una interpretación potente de Tom Jones, con una orquestación majestuosa, que se fusiona con los icónicos créditos de Maurice Binder.

A diferencia de 'Goldfinger', esta banda sonora posee una atmósfera más oscura, resultado de las escenas submarinas y la ambientación nocturna. Desde el inicio, 'Chateau Flight' destaca por sus dos versiones del tema de Bond, especialmente la segunda, con un arreglo frenético para trompetas.

Uno de los segmentos más notables es el extenso 'Finding the Plane / Underwater Ballet / Bond with SPECTRE Frogmen / Leiter to the Rescue / Bond Joins Underwater Battle', donde Barry crea un ambiente misterioso e intrigante para las escenas subacuáticas. Otros cortes interesantes incluyen una versión jazzística de 'Thunderball' y 'Death of Fiona', una bossa nova de 'Mr. Kiss Kiss Bang Bang'. La música se torna más ligera en las escenas submarinas, antes de culminar con el regreso triunfal del tema de 007 en el corte del mismo título. El álbum cierra con una versión mono de 'Mr. Kiss Kiss Bang Bang' y pistas adicionales como 'Street Chase' y 'Finding the Plane'. Sin ser la mejor de la saga (Barry venía de una cumbre), esta banda sonora es notable y entretenida.