INTERRABANG (Berto Pisano)

INTERRABANG (1969)

Musiche di

BERTO PISANO

Tracklist:

1) A Piedi Nudi Sulla Spiaggia
2) La Scogliera Dell'amore
3) Il Colore Degli Angeli
4) Tema Di Valeria
5) Sabbia E Mare
6) Little Snack Bar
7)...e Il Sole Che Scotta
8) Tramonto Sulla Scogliera
9)La Vallata Sommersa
10) Luci Sulla Baia
11) Tema Di Valeria (2)
12)  Tema Di Valeria (3)
13) Tema Di Valeria (4)

Empezamos este nuevo año con una banda sonora que llevaba mucho tiempo queriendo analizar en el blog. Se trata de la composición del músico italiano Berto Pisano para la película Interrabang, una producción italiana de 1969 dirigida por Giuliano Biagetti, que, por desgracia, nunca he tenido ocasión de ver. Al parecer, estamos ante un drama erótico que necesitaba una banda sonora llena de sensualidad, capaz de transmitir la atmósfera del film con una sensibilidad musical sutil y elegante. La banda sonora fue editada originalmente en vinilo en su época, posteriormente reeditada en CD hace ya bastantes años y, más recientemente, ha vuelto a aparecer en una nueva reedición en vinilo.


Su compositor, Berto Pisano (nombre real Umberto Pisano), fue un compositor, arreglista y director de orquesta italiano, nacido el 13 de octubre de 1928 en Cagliari (Cerdeña) y fallecido el 29 de enero de 2002 en Roma. Comenzó su carrera como músico de jazz, principalmente como contrabajista y trompetista, colaborando con figuras destacadas de la escena italiana antes de orientarse definitivamente hacia la composición. Es especialmente recordado por su trabajo en bandas sonoras de cine y televisión, con más de 50 partituras para películas y series, sobre todo dentro de los géneros thriller, policíaco, terror y comedia italiana de los años sesenta y setenta. Su estilo se caracteriza por orquestaciones elegantes, un uso expresivo de las cuerdas y una cuidada fusión de jazz, pop y música orquestal.

Volviendo al CD, se trata de una banda sonora no muy extensa, pero que constituye un ejemplo destacado del estilo lounge italiano de finales de los años sesenta.

Ya desde el primer corte, donde se introduce el tema principal (A piedi nudi sulla spiaggia), se repiten múltiples variaciones a lo largo de la banda sonora. Es prácticamente una BSO monotemática que, sin embargo, no da la sensación de serlo, gracias a los constantes arreglos que combinan instrumentación acústica —flauta, oboe, guitarra y cuerdas— con ritmos suaves de jazz. Aunque la partitura nunca adopta un tono excesivamente dramático, su elegancia y su marcado color mediterráneo refuerzan la estética visual de la película.

Pisano crea un paisaje sonoro evocador y atmosférico que acompaña las escenas de misterio, sol y mar del film. Predominan sonoridades suaves y refinadas: las cuerdas ofrecen un colchón fluido sobre el que se despliegan melodías claras y seductoras, con influencias de latin jazz y bossa nova. La presencia de la vocalista Edda Dell’Orso, con su voz cristalina, añade un sello distintivo y aporta una textura etérea que embellece muchos de los temas. De hecho, Pisano sabe utilizar muy bien los recursos vocales de la cantante, logrando un trabajo que no tiene nada que envidiar a las míticas colaboraciones entre Ennio Morricone y Edda Dell’Orso.

Un CD que se escucha del tirón, una auténtica delicia, y que se puede volver a disfrutar en bucle gracias a su equilibrada fusión de jazz italiano, estilos latinos y un refinado andamiaje orquestal.

THE MOUNTAINS OF THE MOON ( Michael Small)

THE MOUNTAINS OF THE MOON (1990)

Music Composed By MICHAEL SMALL

Tracklist

1. Main Title (01:41)
2. Journey (01:15)
3. Sandy Camp (01:36)
4. The Market (02:03)
(Traditional, arranged by Michael Small)
5. Escape to England (02:31)
6. Isabelle (02:38)
7. Return to Africa (02:14)
8. Mabruki and the Lion Shoot (03:54)
9. The Long Walk (01:37)
10. Burton Sings (The Lone Rock) (01:51)
(Traditional, arranged by Michael Small)
11. Desert Trek (04:12)
12. It's the Lake (00:50)
13. Poison Water (01:41)
14. Dark Caravan (03:12)
15. Ambush (00:45)
16. Ngola's Court (01:44)
17. Speke and the Great Lake (04:03)
18. Farewell to Mabruki (01:42)
19. Journey Home (02:06)
20. The Wedding (Isabelle's Theme) (01:26)
21. The Decision (02:11)
22. Burton's Theme (02:02)
23. Journey Finale (02:22)

Primera entrada dedicada al gran compositor Michael Small (1939–2003), destacado autor estadounidense especialmente activo durante las décadas de 1970 y 1980. Se caracterizó por un estilo versátil que combinaba jazz, música orquestal y minimalismo. Compuso bandas sonoras para películas emblemáticas como Klute (1971), The Parallax View (1974) y Marathon Man (1976), donde su música intensificaba la tensión psicológica. Fue colaborador habitual de directores como Alan J. Pakula y John Schlesinger, destacando siempre por su uso inteligente del silencio y las texturas sonoras para generar suspense.

La banda sonora que nos ocupa pertenece a su colaboración con Bob Rafelson, tras The Postman Always Rings Twice ("El cartero siempre llama dos veces", 1981) y Black Widow ("Viuda negra", 1987). Para esta película, la música adoptó un enfoque más orquestal y aventurero, siendo una de las pocas partituras de Small publicadas en álbum simultáneamente con el estreno del film. Asimismo, es una de las escasas partituras sinfónicas tradicionales que compuso a lo largo de su carrera. En su época, su sonoridad fue muy celebrada, acercándose en ocasiones a lo que podría haber firmado James Horner en la misma década.

El CD se abre con el espectacular tema principal, "The Journey", un leitmotiv muy horneriano que Small reutiliza más adelante, especialmente en el emotivo final: el corte reflexivo "The Decision" y su versión sublime en el arreglo de concierto de "Burton’s Theme". El último tema, "Journey Final", es una magnífica repetición ampliada del tema principal, con una orquesta más extensa.

Además de este tema central, el CD incluye un tema romántico: "Isabelle" y "La Boda", donde Small muestra su faceta más lírica, con flautas y arpas delicadas acompañadas por elegantes cuerdas, ambas culminando en finales de gran belleza. Estos momentos contrastan con los elementos africanos presentes en cortes como "Return to Africa", donde se mezclan tambores, maracas, instrumentos de viento y orquesta. También destacan las voces y coros en "The Long Walk", "Desert Trek", "Dark Caravan" y "Ngola’s Court".

El álbum presenta además una variación del tema africano: un motivo más ligero y acogedor para el personaje de Mabruki, guía de Burton y Speke, que aparece en "Mabruki and the Lion Shoot" y "Farewell to Mabruki". La música de acción, aunque escasa, se representa con intensidad en el breve pero impactante "Ambush".

Cabe destacar también las dos piezas de música incidental incluidas en el álbum: "The Market", un canto tribal africano tradicional con nuevos arreglos de Small, y "Burton Sings (The Lone Rock)", una versión vocal de la canción tradicional irlandesa Carraig Aonair, con gaita y flauta, interpretada por Patrick Bergin en su papel protagonista.

Michael Small dejó una huella duradera en el cine estadounidense gracias a su enfoque atmosférico e innovador. Con esta esta partitura que hoy reivindico, algunos tienen un excelente punto de partida para descubrir la obra de un compositor formidable y muy añorado.

THE YAKUZA (Dave Grusin)

THE YAKUZA (1974)

Music Composed And Conducted By 

DAVE GRUSIN

Tracklist:



1) Prologue 2:42
2) Main Title 3:16
3) Samurai Source 2:02
4) Tokyo Return 1:26
5) Scrapbook Montage/Scrapbook Epilogue 2:10
6) Kendo Sword Ritual/Alter Ego/Night Rescue/Amputation/Amputation (alternate) 3:16
7) Man Who Never Smiles 1:48
8) Tanner to Tono/Tono Bridge/The Bath 2:26
9) Girl and Tea 1:32
10) Pavane 1:09
11) Get Tanner 1:38
12) Breather/Final Assault 4:41
13) The Big Fight 5:50
14) No Secrets 1:31
15) Sayonara 2:00
16) Apologies 2:08
17) Bows/End Title (Coda) 1:41
18) Shine On 9:44
19) Bluesy Combo 6:18
20) Year Montage/Scrapbook Montage (film mix) 4:58
21) End Title (film version) 1:08
22) Only the Wind 2:49

La revisión de esta extraordinaria película hace poco me ha llevado a reescuchar esta maravillosa banda sonora compuesta por Dave Grusin en 1974. Un trabajo mayúsculo en el que Grusin combinó con maestría elementos de jazz y música tradicional japonesa, creando una atmósfera única y profundamente emotiva. Todo ello en sintonía con el tono sobrio, introspectivo y melancólico del film, un clásico del cine policíaco de los años 70 y probablemente la obra maestra de Sidney Pollack en unos años en los que estuvo especialmente inspirado. Estamos ante un título mayor que conjuga el exotismo cultural con una profunda melancolía moral. Con una trama tristona, escrita por Robert Towne y Paul Schrader, narra el regreso de un expolicía estadounidense a Japón para saldar una deuda de honor y reencontrarse con un amor del pasado. Pollack filma con elegancia y contención, equilibrando la acción (poca pero intensa) con un tono crepuscular al que ayudan Robert Mitchum y Ken Takakura en estado de gracia. La película se encamina hacia un último acto de gran intensidad emocional y formal —impulsado por la maravillosa banda sonora de Dave Grusin— para cristalizar la idea de la redención a través del sacrificio.

Siendo esta la primera de sus numerosas colaboraciones con Pollack, el compositor desarrolló una partitura de precisión atmosférica, a menudo minimalista, rica en orquestaciones imaginativas y en un uso ingenioso de la instrumentación nipona. Campanas, carillones, tambores y percusiones afinadas conforman un universo sonoro sin precedentes en Hollywood por su intento de recrear la esencia musical japonesa.

El CD se abre, obviamente, con el inolvidable “Prologue”, una obertura en la que las percusiones marcan un tono misterioso y exótico, seguida del “Main Title”, tema principal que condensa la esencia de la historia, una melodía inolvidable utilizada en varias ocasiones, incluida una curiosa versión cantada en japonés que aparece en un momento del film (“Only The Wind”, el corte final del CD). Otros cortes destacables y memorables de la grabación son “Samurai Source”, evocación de la tradición y el espíritu samurái; “Tokyo Return”, retrato sonoro de la ciudad de Tokio; “20 Year Montage”, donde vuelve a utilizarse el tema principal en una orquestación que acentúa la nostálgica relación entre Mitchum y la mujer japonesa; así como “Shine On”, otro tema emotivo que resalta la conexión entre los personajes. También encontramos música de suspense y acción, en la que Grusin adopta un planteamiento más cercano al de coetáneos suyos como Goldsmith o Fielding, en cortes como el genial “Breather/Final Assault”. Aun así, no olvida remarcar el tono exótico con el uso del shakuhachi en “The Big Fight”, siendo además un adelantado al James Horner que tanto recurriría a ese instrumento una década más tarde. 

En definitiva, estamos ante una joya mayor en la carrera del autor de On Golden Pond y una pieza imprescindible en cualquier colección de música de cine que se precie.

DEADFALL (John Barry)

 DEADFALL (1968)

Music Composed And Conducted By

JOHN BARRY

Tracklist:

   1 My Love Has Two Faces (Vocal)

                       Vocals – Shirley Bassey 3:52
2 The Meeting 2:45
3 Statue Dance 2:44
4 The Last Deadfall 6:13
5 My Love Has Two Faces (Instrumental) 3:16
6 Romance For Guitar And Orchestra
Soloist [Guitar] – Renata Tarrago* 14:12
7 My Love Has Two Faces (Male Vocal) 3:32
8 My Love Has Two Faces (Instrumental Demo) 3:18

Clásico esencial de John Barry que nunca puse en el blog y hoy me apetecía especialmente, hoy escribo sobre Deadfall ,una obra maestra del compositor creada en un periodo especialmente inspirado de su carrera (recién acababa de componer  "Boom!" y  enlazaba con su obra magna "El león en invierno") marcando el punto culminante de su madurez creativa. Fue además la última de las seis colaboraciones entre John Barry y el director Bryan Forbes. 

Esta banda sonora fue publicada originalmente por el sello de 20th Century Fox en vinilo y fue reeditada en CD en 1997, por el mítico sello FSM con una versión ampliada que incluye tomas alternativas de la canción.

Rodada en Mallorca, la película presentaba a Michael Caine como un ladrón que, junto a Eric Portman, intenta asaltar una mansión mientras su dueño asiste a un concierto, es un film muy curioso, perjudicado por tramas paralelas que no ayuda y que resulta  ciertamente fallido, que si se sigue recordando es por la famosa secuencia de robo. Para ella Forbes propuso a Barry su mayor reto: Escribir un concierto para guitarra que acompañara una secuencia de robo de quince minutos sin diálogos.

Barry compuso la pieza “Romance para guitarra y orquesta”, interpretada por la Orquesta Filarmónica de Londres con la guitarrista catalana Renata Tarragó como solista y el propio Barry dirigiendo. Forbes filmó la ejecución y la entrelazó con las imágenes del robo, creando una de las secuencias más originales de su tiempo logrando una de las fusiones más audaces entre música clásica y cine de la década de 1960.

Está pieza aparece en el sexto corte del CD ( originalmente abría la cara B del vinilo) “Romance para guitarra y orquesta” consta de dos movimientos: un andante, que sugiere el sigilo y la tensión del robo, y un largo, que gana intensidad a medida que la acción se complica. Los clímax orquestales acompañan momentos de riesgo y culminan con el tema principal interpretado por toda la orquesta...Es una pieza fabulosa y memorable que ya forma parte de las joyas del maestro. 

Ademas, el resto de la partitura es también de una altura enorme, girando en torno a un tema romántico, una canción singular e hipnótica titulada “My Love Has Two Faces”, con letra de Jack Lawrence e interpretada magistralmente por Shirley Bassey combina el lirismo característico del compositor con un tono melancólico y sofisticado., curiosamente en el CD aparecen dos cortes finales con versión alternativa , arreglo inicial diferente y voz masculina.

Esta melodía es utilizada por Barry en otros cortes, combinado ademas bloques de corte mas diegético ("Statue Dance" un delicioso corte bailable de ritmos sixty ), aunque mi momento favorito de esta obra opulenta y singular del maestro es el largo corte "The Last deadfall", una tema lleno de intriga y misterio, donde Barry llega a la cima de su minimalismo formal, repitiendo pequeños motivos musicales y creando capas de armonías y acorde misteriosos sensacionales. Compuesta en el mejor periodo de su carrera, Deadfall ocupa un lugar especial en la trayectoria de Barry, y aunque la película haya caído en el olvido, su música sigue siendo un testimonio de la ambición artística de Barry y su clara maestría en la musica de cine

Agradecimiento especial a Enrique Moreno 

CLEOPATRA (Trevor Jones)

 

CLEOPATRA (1999)

Music Composed By TREVOR JONES

Conducted By

GEOFFREY ALEXANDER

Tracklist;


1 Cleopatra      3:20
2 Egypt Is Yours For Only One Day      6:08
3 The Tomb Of Kings 6:56
4 Rome Decrees 8:28
5 The Roman Forum 6:47
6 The Eye Of Horus 5:08
7 Temple Of The Sun 4:45
8 Prayer To Isis 4:02
9 To Speed You On Your Way 2:33
10 In The Eyes Of The Gods We Are One 6:56

Creo que esta es la primera vez que comento una banda sonora de Trevor Jones en el blog (¡ya era hora!), y lo hago con una obra que confirma el talento de uno de esos maestros musicales que, tras ser muy solicitados durante las décadas de los 80 y 90, ha caído prácticamente en el olvido dentro de una industria que ya no parece interesada en el sinfonismo orquestal. Una auténtica lástima.

Para Cleopatra, Trevor Jones compuso una partitura memorable que, de algún modo, seguía la estela de los títulos que le otorgaron éxito en los años anteriores (como The Last of the Mohicans en 1992 o Cliffhanger en 1993). Su tema principal se basa en una melodía poderosa y exuberante, muy “marca de la casa”. Es una composición que introduce elementos más modernos —incluso étnicos—, pero que sigue siendo muy respetuosa con el clasicismo de autores como Miklós Rózsa o Alex North. (Poco después llegaría Hans Zimmer con Gladiator para dinamitar el sinfonismo clásico y, de paso, clavar la primera estaca en la música de cine tradicional).

El CD fue editado de forma más o menos promocional por el propio Trevor Jones, en una época en la que comenzó a publicar sus obras por cuenta propia. La estructura de la partitura es sencilla y gira principalmente en torno al tema principal, titulado precisamente “Cleopatra”, que funciona tanto como obertura como cierre del álbum. Este tema se retoma en varias piezas clave —como “To Speed You on Your Way” e “In the Eyes of the Gods We’re One”— y constituye el eje central de la obra.

En este bloque temático se entrelazan elementos semíticos y motivos propios de la Roma clásica, otorgando a la música una notable riqueza cultural y sonora. La voz solista femenina de Belinda Sykes aporta un color árabe muy distintivo, especialmente en piezas como “Egypt Is Yours for Only One Day”. La cantante también interpreta la chirimía, un instrumento de viento tradicional egipcio que confiere una personalidad única a la partitura, por ejemplo en el corte “The Eye of Horus”.

También destaca un subtema presentado en “The Tomb of Kings”, que actúa como un pariente lejano del tema principal y ofrece una atmósfera inquietante apoyada por sutiles elementos electrónicos. La percusión —humilde pero constante— conduce hacia un cierre elegante y evocador.

La música asociada a Roma, aunque algo predecible en su lenguaje, está bien construida: fanfarrias de trompeta, ritmos marciales, redobles, timbales y cuerdas graves evocan la brutalidad del Imperio. Piezas como “Rome Decrees” y “The Roman Forum” recuerdan la energía salvaje de los metales que Jones empleó en Dark City, generando momentos de gran intensidad.

Otro aspecto notable es la integración de elementos electrónicos —especialmente teclados y efectos— que Jones introduce con mucha delicadeza, logrando una fusión muy equilibrada, visible en cortes como “Egypt Is Yours for Only One Day” o “Temple of the Sun”, donde orquesta y electrónica se presentan perfectamente compenetradas. Esta dualidad, moderna y a la vez clásica, es una de las grandes virtudes de la obra: Trevor Jones alterna con habilidad entre la orquesta tradicional y los instrumentos típicos del antiguo Egipto, creando una banda sonora tan sólida como evocadora.

HEART OF THE STAG (Leonard Rosenman)

HEART OF THE STAG (1984)

Music Composed And Conducted By

LEONARD ROSENMAN

Tracklist:

1) Opening Titles / Father and Daughter (3:38)
2) Peter and Cathy / Cleaning the Rifle (3:52)
3) Seeing the Stag / Hunting Story (4:25)
4) Herding The Sheep (3:06)
5) Memories / Kathy Looks in the Mirror (3:10)
6) Hunting The Stag / Murderous Thoughts (3:50)
7) Attempted Rape / Mother’s Death / Deadly Pursuit (4:06)
8) Final Chase and The Stag Attacks (7:13)
9) Finale (2:41)
10) Lenny and The Band (3:28)

Regreso al gran maestro Leonard Rosenman con su magnífica partitura —editada en CD— para el filme Heart of the Stag, una película dirigida por Michael Firth y estrenada en 1984. La historia narra la vida de Peter (Bruno Lawrence), un trabajador rural en Nueva Zelanda que descubre que Robert (Terence Cooper), el granjero para quien trabaja, mantiene desde hace años una relación incestuosa con su hija Cathy (Mary Regan). A medida que Peter se involucra emocionalmente con Cathy, se ve obligado a enfrentar la oscura y turbulenta dinámica familiar. La película aborda el tabú del incesto con notable sensibilidad y honestidad, lo que le valió el reconocimiento de la crítica en su momento.

Es una película que no he tenido la oportunidad de ver, pero que parece un terreno perfecto para que Leonard Rosenman compusiera una partitura notable. En ella mezcla tonalidades tiernas, melódicas y melancólicas con su característica atonalidad agreste y sin concesiones. No es una obra extensa —apenas unos 35 minutos—, y el CD se completa con un corte jazzístico titulado “Lenny and the Band”.

El primer tema del disco nos presenta el motivo principal (“Opening Titles / Father and Daughter”), que comienza con el sonido de una caja de música y luego desarrolla un leitmotiv de belleza dolorosa, muy típico del maestro. Es un corte que recuerda al tema principal de Sybil, con un enfoque que combina pasajes melódicos y sensibles con elementos más disonantes. No es una banda sonora complaciente: los cortes alternan momentos de lirismo con otros perturbadores, conectando con la sonoridad clásica del compositor tanto en el drama psicológico (The Cobweb, The Chapman Report, Sybil) como en el cine fantástico (hay momentos que recuerdan a The Car o Prophecy).

Es una banda sonora que nos rodea con texturas ásperas, cuerdas que parecen gritar de dolor y armonías cortantes como cristal...Para de vez en cuando aparecer el lado más lírico de Rosenman, que brilla con fuerza aquí, (y también están las inevitables pirámides tonales), pero siempre bajo ese dolor musical que expresa el maestro hay música realmente hermosa (como en “Attempted Rape / Mother’s Death”). Es una partitura cargada de contrastes: tensión, intimidad, drama, persecución y violencia emocional. Temas como “Final Chase and the Stag Attacks” o “Hunting the Stag / Murderous Thoughts” transmiten una intensidad dramática que subraya la oscuridad del relato.

NOTRE DAME DE PARIS: THE MUSIC OF MAURICE JARRE (Maurice Jarre)

 

NOTRE DAME DE PARIS

Music Composed By

MAURICE JARRE

The City of Prague Philharmonic Orchestra & Chorus

Conducted by
NIC RAINE













Tracklist:
CD 1:
World Premiere Recording
Symphonic Dances from NOTRE DAME DE PARIS
1.Prelude 2:13
2.Fête de fous (The Feast of Fools) 3:22
3.Grimace de Quasimodo (Entrance of Quasimodo) 2:01
4.Marche du roi – Le Tour de la ville (The King’s March) 2:35
5.La Belle et la Bête – Pas de deux (Beauty and the Beast) 5:46
6.La Cour des miracles (The Court of Miracles) 6:16

Maurice Jarre and the Orient Suite
7.TAI PAN – Overture 5:40
8.SHOGUN – Mariko’s Theme 3:36
9.SHOGUN – Tea and Jealousy 5:28
10.THE PALANQUIN OF TEARS 2:47

World Premiere Recording
THE MESSAGE – Concert Suite
11.The Declaration 2:09
12.The Hegira and Expulsion 2:57
13. Building the First Mosque 2:31
14.The Prayer and The Spread of Islam 4:41
15.Entry into Mecca 2:22

World Premiere Recording
THE BLACK MARBLE
16. True Romance (Dark Eyes) and End Titles 5:41

TT: 60:13

CD 2
A PASSAGE TO INDIA
1.Bombay March 2:34

THE PRINCE AND THE PAUPER (CROSSED SWORDS)
2.Main Title and The Prince and The Pauper 5:30

MOURIR A MADRID
3.To Die in Madrid 4:47

BEHOLD A PALE HORSE
4.Spain Regained 3:26
5.March from Behold a Pale Horse 2:52

World Premiere Recording
THE COLLECTOR – Concert Suite
6.The Collector / The Catch / End Titles Music 7:41

A WALK IN THE CLOUDS
7.The Harvest 2:56

World Premiere Recording
UPRISING – Concert Suite
8.Out of the Sewers / Uprising / I Am Lucky 8:00

POPE JOAN
9.Overture 4:18

World Premiere Recording
TWO BITS (unused score)
10.Two Bits 3:26

THE NIGHT OF THE GENERALS
11.Lieutenant General Tanz / On the Terrace at Versailles 4:01

THE BRIDE
12.THE BRIDE 4:40 PLAY

GIUBELIO – Cantata for Orchestra & Chorus
13.Heri (Yesterday) 4:05
14.Hodie (Today) 4:01
15.Semper (Always) 4:05

TT: 66:32



El genio francés Maurice Jarre regresa a nuestro blog, en esta ocasión con una regrabación que el sello Tadlow nos regaló hace unos años. Lamentablemente, este tipo de proyectos ya no se realizan con tanta frecuencia.

El propósito de este CD era rescatar al Maurice Jarre de los inicios de su carrera, una época en la que compuso una gran cantidad de música para teatro, conciertos y obras de cámara. Tres años después de su gran éxito con Lawrence de Arabia, en 1965, presentó la música para la producción de ballet Notre-Dame de Paris, de Roland Petit, basada en la obra de Victor Hugo. Este ballet es una de las composiciones más ambiciosas de Jarre, pero debido a sus grandes requerimientos orquestales y corales, rara vez se interpreta en su totalidad.

Este álbum de Tadlow incluye una suite de 22 minutos, con la que abre el primer CD. Se compone de seis movimientos basados en las danzas sinfónicas, destacando los momentos más memorables de la obra. La pieza es un testimonio del talento de Jarre y muestra una gran variedad de estilos, que incluyen pasajes vanguardistas y el dramatismo que caracteriza su trabajo cinematográfico.

La suite comienza con una apertura solemne en el "Prelude", donde el sonido de una campana de catedral marca el inicio. El siguiente movimiento, "Fête de fous", tiene un carácter agresivo, con una percusión sobresaliente. En el encantador "La Belle et la Bête – Pas de deux", la pieza ofrece una delicada y romántica danza para Quasimodo, muy típica del autor de Doctor Zhivago. El clímax dramático de la obra aparece en el corte "La Cour des miracles", un crescendo de tensión y belleza que demuestra la grandeza creativa de Jarre, quien en esos años se encontraba en pleno esplendor artístico.

El resto del primer CD está dedicado a obras memorables del autor, específicamente piezas relacionadas con Oriente, de ahí el título "Maurice Jarre and the Orient Suite". La colección de temas comienza con la obertura de Tai-Pan, una de sus obras maestras indiscutibles de la maravillosa década de los ochenta, la cual exhibe una grandiosidad única en su trabajo. De la serie televisiva Shogun aparecen dos temas: el delicado "Mariko’s Theme" y "Tea and Jealousy". La suite culmina con el tema final de The Palaquin of Tears, una pieza romántica y exótica, ambientada en un contexto chino. En todas estas piezas se aprecia el talento del compositor para incorporar instrumentos exóticos y percusión tradicional, dándole un matiz auténtico al conjunto.

Le sigue su nominación al Óscar en 1977 por Mahoma, el mensajero de Dios (The Message), la ambiciosa película sobre el profeta Mahoma. Jarre fue seleccionado por su prestigio y el éxito de Lawrence de Arabia, pero en este trabajo la música de Jarre, excepcional, fue más allá, logrando una fusión del estilo sinfónico occidental con elementos auténticos árabes y obteniendo resultados insuperables.

El disco uno concluye con otra grabación inédita: Una suite corta de The Black Marble, una comedia de 1980 (no la conozco) para la que compuso una bonita danza de vals.

El segundo CD presenta una serie de composiciones que varían enormemente en estilo y tono. Se abre con el famoso "Bombay March" de A Passage to India, seguido por el tema principal de The Prince and the Pauper, con su leitmotiv vibrante, expansivo y maravilloso. También hay espacio para el lado más sutil e intimista de Jarre en dos cortes relacionados con la Guerra Civil Española: Mourir à Madrid, con su sutil tema de guitarras, y Behold a Pale Horse, una pieza tan sencilla como evocadora y elegante.

Más adelante encontramos el tema principal de The Collector, otra pieza maravillosa del maestro. Otros cortes memorables que se incluyen son la obertura de Pope Joan, con una melodía majestuosa y un toque litúrgico que realza la seriedad del tema, así como las composiciones de The Night of the Generals, The Bride, "The Harvest" de A Walk in the Clouds o el sombrío tema de Uprising, la última película para la que Jarre compuso.

Finalmente, Giubelio cierra el álbum con tres piezas encargadas por el Vaticano en el año 2000. Curiosamente, algunas de las piezas ya habían sido compuestas por Jarre para la película de ciencia ficción Solar Crisis, aunque esto no le resta espectacularidad a una obra que explora los contrastes entre la luz y la oscuridad.

En resumen: Este es un álbum sobresaliente, al que tenia ganas de volver y reivindicar, no solo por la reveladora suite de ballet, sino también por las diversas suites y temas de películas que permiten apreciar la amplitud y la riqueza de la música de Jarre.

THE ISLAND OF DR MOREAU (Laurence Rosenthal)

 

THE ISLAND OF Dr. MOREAU (1979)

Music Composed And Conducted By

LAURENCE ROSENTHAL

Tracklist :

1. Main Title/The Jungle [5:24]
2. Maria and Friend/After Dinner/Doctor's Study [4:18]
3. On the Beach/More Questions [5:40]
4. Forest Murmurs/Dr. Moreau's Zoo/Moreau Explains [5:28]
5. Maria and Andrew [3:05]
6. Bear Man/To the Cave/In the Garden/Tiger Fight/Dead Tiger [7:32]
7. To the House of Pain/Funeral Pyre [4:33]
8. Involution [3:44]
9. Braddock's Cage/The Humanimals [3:57]
10. Moreau's Death [2:41]
11. Man and Beast [2:18]
12. The Holocaust [1:30]
13. The Real Maria/End Credits [2:41]
14. Jungle Pursuit [1:34]
15. To the House of Pain [2:44]

Siempre quise escribir sobre esta magnífica banda sonora. Se trata del trabajo de Laurence Rosenthal para la versión cinematográfica de la novela de H.G. Wells de 1979. Ene sta ocasión fue rodada en color obviamente y contó con la participación de Burt Lancaster como el inquietante Dr. Moreau, quien ejecuta experimentos bizarros mezclando humanos y animales que luego viven sometidos a la ley creada por el científico. El film, del que guardo un discreto recuerdo, no lograba del todo un tono intenso, tal vez por la dirección de una mano gris como la de Don Taylor, que no supo sacar buen partido de la trama.

Con todo, hay un elemento que sobresale muchísimo en la película: La extraordinaria partitura de Laurence Rosenthal, que en esta ocasión se atrevió a dar un paso diferente en su carrera y acercarse al género de terror-fantástico, con unos resultados soberbios y superiores. En su época fue editada en un vinilo pirata...Y con la llegada del CD ya recibió adecuadamente ediciones a apropiadas.

Con "La isla del Dr. Moreau" (1977), Rosenthal salió de géneros más habituales y se puso a la obra de crear un fresco musical de misterio y terror, sumergiendo al oyente en una sinfonía, a la vez moderna y primitiva,("The hummanimals" ) que mezcla atonalidad,  ambiente tribal y un romanticismo temático( "The Island" bloque inicial que introduce al espectador en el misterio)...Es -en cierto modo- el "Planeta de los Simios" de Rosenthal, (bloques como "Forest Murmura/ Dr.Moreau,s  Zoo" "The Holocausto" o el memorable " The House Of Pain" con un trabajo a fondo de la percusión y sus toques a la" Bartók" ) son lo más cercano en orquestación y estilo al Goldsmith experimental que ha compuesto Rosenthal) más si tenemos en cuenta que es un compositor del que solemos estar más acostumbrados a escuchar composiciones más tonales y no tan agresivas...Y aquí también las hay, en concreto una melodía sencilla, que recuerda un poco el tema de amor de "Clash Of Titans") ("Maria And Andrew", retomada en cortes como "On the Beach") y que aparece como contraste mesurado entre explosiones de música agresiva y oscura de primera categoría.

SPY KIDS (Robert Rodriguez, John Debney, Danny Elfman,Gavin Greenaway, Heitor Pereira / Harry Gregson Williams)

 

SPY KIDS (2001)

Music Composed And Conducted By

ROBERT RODRIGUEZ,

 JOHN DEBNEY, 

DANNY ELFMAN, 

GAVIN GREENAWAY,

 HEITOR PEREIRA,

 HARRY GREGSON-WILLIAMS



Tracklist:

1) Gavin Greenaway / Heitor Pereira / Harry Gregson Williams – Cortez Family (01:39)

2) Danny Elfman – My Parents Are Spies (02:09)
3)  Los Lobos & Rodriguez, Robert – Spy Wedding (02:11)
4) Debney, John / Rodriguez, Robert / Rodriguez, Marcel – Spy Kids Demonstration (01:07)
5) Debney, John / Elfman, Danny / Greenaway, Gavin / Pereira, Heitor – Parents On Mission (01:17)
6) Greenaway, Gavin / Pereira, Heitor – Kids Escape House (03:14)

7) John Debney / Danny Elfman / Harry Gregson Williams – Pod Chase (01:38)
8) Debney, John & Elfman, Danny – The Safehouse (00:47)
9) Debney, John / Rodriguez, Robert / Rodriguez, Marcel – The Third Brain (01:00)
10) Danny Elfman – Buddy Pack Escape (01:39)
11) Robert Rodrigurez,David Garza & Tito Puente – Oye Como Spy (02:59)
12) Danny Elfman – Floop’s Song (Cruel World) (00:59)
13) Greenaway, Gavin / Pereira, Heitor / Rodriguez, Robert / Rodriguez, Marcel – Spy Go Round (02:11)
14) Boardman, Chris / Greenaway, Gavin / Pereira, Heitor / Rodriguez, Robert – Minion (01:03)
15) Danny Elfman – Sneaking Around Machetes (00:36)
16) Debney, John & Elfman, Danny – The Spy Plane (01:29)
17) Chris Boardman – Floop’s Castle (01:29)
18) Harry Gregson-Williams – Final Family Theme (01:44)
19) Fonda – Spy Kids (Save The World) (02:20)

Hace años que quería escribir sobre la bso de esta película, que fue (y sigue siendo) una de las propuestas más divertidas de Robert Rodríguez en toda su filmografía. Spy Kids lograba fusionar una temática dirigida a niños con un homenaje a las películas de agentes secretos. Marcó el inicio de una curiosa tetralogía que Rodríguez, un director multifacético capaz de lo mejor y lo peor, que en esta ocasión pensó y diseñó un film para un público infantil que se hace muy ameno también para el espectador adulto.

Rodríguez, además de director, siempre ha demostrado ser un hombre orquesta que maneja muchas facetas del cine. Para este proyecto, decidió componer parte de la música por sí mismo, con la colaboración de varios compositores que aportaron su grano de arena. Lo más curioso es que, tanto en la película como en el estupendo CD de la banda sonora, la música resulta tan vibrante, ecléctica y llena de energía como la propia película. Además, tiene una unidad y coherencia sorprendentes, considerando que hasta seis compositores trabajaron en ella. Esta armonía sonora refuerza el espíritu lúdico y aventurero del film. También hay que señalar que algunos de ellos, especialmente John  Debney volverían a repetir experiencia con Rodríguez en las secuelas y en otras producciones de director.

Desde el primer instante, estamos ante un remix musical con una mezcla contagiosa de estilos, en primer logar temas de aire "Espionaje" de toda la vida (como un cruce entre John Barry y Lalo Schifrin) con acción trepidante en pistas como "Pod Chase" o "Parents on Mission", con orquestaciones ágiles y ritmos intensos, hasta pasajes más íntimos o cómicos que muestran la versatilidad de los compositores. La capacidad de este grupo de músicos para mantener una identidad sonora cohesiva, a pesar de la intervención de varios autores, es notable. Hay claras influencias del universo sonoro de Danny Elfman, especialmente en temas como "My Parents Are Spies" o "Floop's Song (Cruel World)", donde su toque orquestal y peculiar, con elementos excéntricos, es inconfundible. Estas piezas capturan perfectamente el encanto del villano Floop y la atmósfera de fantasía y peligro que rodea a los Cortez. También existe una enorme influencia latina en temas como "Cortez Family" o "Oye Como Spy" (una ingeniosa adaptación del clásico de Tito Puente "Oye Como Va", interpretada por Los Lobos junto a Robert Rodríguez y David Garza), canciones que ambientan la herencia cultural de los protagonistas y añaden un ritmo/ vitalidad esenciales para el dinamismo de la película...En un álbum divertido,  que funciona tanto dentro como fuera de la pantalla y que demuestra que a veces, el trabajo en conjunto, puede dar grandes resultados.

EXODUS (Ernest Gold)

 

EXODUS  (1960)

Music Composed By ERNEST GOLD

Conducted By NIC RAINE

Tracklist:

CD 1)

01. Prelude (2:42)
02. Summer in Cyprus (1:55)
03. Escape / The General (2:06)
04. Ari (3:49)
05. On the Beach* (2:06)
06. The Tent – Karen / Lorries / The Convoy* (4:13)
07. The Star of David* (0:40)
08. Odenheim’s Death / Karen’s Story *(4:02)
09. Approaching Haifa / The Oath* (3:03)
10. Kitty *(2:02)
11. Akiva’s Hideout (1:41)
12. Love is Where You Find It / The Valley of Jezreel * (6:08)
13. Yad El / He is Dead* (2:26)
14. Goodbye / Intermission Music – Fight for Survival (2:44)
15. Karen’s Father (In Jerusalem) ((3:51)
16. Akiva’s Arrest* (3:21)
17. Execution Chamber / Don’t Let My Brother Die* (1:36)
18. Acre Prison / The Chess Game (Conspiracy)* (5:41)
19. D-Day / The Bombs (Prison Break)* (7:43)

CD 2)

01. The Arsenal* (1:26)
02. The Operation *(1:47)
03. Children on the Hill* (2:04)
04. Dawn / Finale – The Fight for Peace (6:45)
05. Exit Music - Hatikvah (3:30)
06. EXODUS – This Land is Mine (Lyrics by Pat Boone) (2:20)

BONUS TRACKS
07. IT’S A MAD, MAD, MAD, MAD WORLD - Exit Music (2:06)
08. SHIP OF FOOLS = Candlelight and Silver Waltz (5:11)
09. JUDITH – Main Title Music - Sol Kaplan (4:09)

Suite from QB VII Composed by Jerry Goldsmith
10. Main Title (2:02)
11. The Holocaust (2:52)
12. Visit to the Sheikh (2:14)
13. The Wailing Wall (3:15)
14. Kaddish for the Six Million (3:20)

SCHINDLER’S LIST - John Williams
15. Schindler’s List (4:18)
16. Remembrances (5:55)

17. CAST A GIANT SHADOW – Prelude - Elmer Bernstein (3:00)
18. CAST A GIANT SHADOW – Land of Hope - Elmer Bernstein (3:21)
19. EXODUS - Rhapsody for Cello and Orchestra (6:56)
20. EXODUS – Concert Overture (4:28)

Parece mentira, pero en todos estos años no había abordado nada del gran Ernest Gold. Por eso, creo apropiado reivindicar esta regrabación de su obra más conocida: Exodus, la película dirigida por Otto Preminger que lo catapultó al estrellato musical, a pesar de que ya llevaba muchos años "picando piedra" en Hollywood.

Nacido como Ernst Gold en Viena, Austria (13 de julio de 1921 – Santa Mónica, California, 17 de marzo de 1999), fue un compositor austriaco naturalizado estadounidense. Compuso cerca de un centenar de partituras originales para cine y televisión entre 1945 y 1992, además de un musical para Broadway en 1968: I'm Solomon (Soy Salomón). También incursionó en la música clásica, con piezas como un concierto para piano, un cuarteto de cuerdas y una sonata para piano.

El doble CD que nos ocupa representa la mejor y más completa versión de la banda sonora de Exodus, que ganó el Óscar y, en 1961, el Grammy a la "Canción del Año".

La música regrabada, al presentarse en su totalidad, resulta una auténtica revelación. Más allá del célebre tema principal, el resto de la partitura había recibido escasa atención en grabaciones anteriores, y su calidad solía sonar discreta. Además, gran parte de la música fue recortada o directamente eliminada en el montaje final de la película. Esta edición nos permite disfrutar de una partitura magistral y muy variada, que el sello Tadlow regrabó con precisión y respeto.

El compacto se abre con el "Prelude", que introduce el inolvidable tema principal de Gold: una melodía mítica que musicaliza el viaje a la "tierra prometida". Es uno de los temas más conocidos y grabados de la historia del cine, y aquí recupera todo su esplendor en una versión robusta y noble. Este leitmotiv aparece también en otras variaciones y arreglos como "Ari" y "Akiva´s Hideout" o en "The Valley of Jezreel" donde recibe un desarrollo más extenso.

Gold no se limitó al tema principal. Compuso también una delicada melodía titulada Karen, que aparece por primera vez en "The Tent" interpretada por un acordeón solista, y que luego retoma toda la orquesta. Este leitmotiv también se emplea con gran sensibilidad en "Karen’s Father". Por otro lado, Gold demuestra su habilidad para el dramatismo con pasajes orquestales intensos como "The Bombs" o "The Conspiracy".

Dado que se trataba de una superproducción de larga duración, la grabación incluye los cortes correspondientes al intermedio (Intermission) y a la salida de sala (Exit Music). Incluso en esta banda sonora de tono tan épico hay espacio para piezas más ligeras, como Kitty, de aire lounge, que aporta frescura y contraste al conjunto. La partitura, profundamente emotiva, también refleja una esencia judía a través del uso de escalas y armonías características de la música hebrea.

Como es habitual en Tadlow, el CD doble incluye generosos bonus. En este caso, se suman piezas adicionales de Ernest Gold, como dos cortes de sus emblemáticas "It’s a Mad, Mad, Mad, Mad World" y "Ship of Fools". También se presentan selecciones de películas con una temática similar, como "Judith" de Sol Kaplan, una magnífica suite de "QB VII" (con música de Jerry Goldsmith), la mítica "Schindler’s List" de John Williams, e incluso un corte de Elmer Bernstein con espíritu judío: Cast a Giant Shadow. Todo esto convierte a este doble compacto en una edición de gran valor musical y cultural.

El cierre perfecto llega con un regreso a la música de Gold para Exodus, incluyendo la excelente "Rapsodia para violonchelo y orquesta" y la "Obertura de concierto", ambas desarrolladas a partir de su partitura original.

MY LIFE IN MUSIC (Lalo Schifrin)

 

MY LIFE IN MUSIC (2012)

Music Composed And Conducted By 

LALO SCHIFRIN

Tracklist:

CD1)

1 'Enter the Dragon' Main Title
2 Samba Para Dos from 'Bossa Nova Groove'
3 'The Fox' Main Title
4 Eagle Falls in Love from 'The Eagle Has Landed'
5 Transporting Rhino from 'Rhino!'
6 'Fast Walking' Main Title
7 Burning Bridges from 'Kelly's Heroes'
8 Invisible City
9 'Dirty Harry' Main Title
10 New Orleans Procession from 'The Cincinnati Kid'
11 'Caveman' End Title
12 There Is Something Out There from 'Abominable'
13 'Cool Hand Luke' Main Title
14 'Telefon' Main Title
15 The Pier, the Bridge and the City from 'The Dead Pool'
16 Love Poem for Donna
17 Bank Robbery from 'Charley Varrick'
18 'Bullitt' Main Title
19 'Coogan's Bluff' Main Title
20 'Rush Hour' Main Title


CD 2)

1 'Joe Kidd' Main Title
2 Tar Sequence from 'Cool Hand Luke'
3 The Face of Love from 'The Osterman Weekend'
4 Calliope of Death from 'Rollercoaster'5 All for the Love of Sunshine from 'Kelly's Heroes'
6 Venice After Dark from 'The Venetian Affair'
7 Scorpio's View from 'Dirty Harry'
8 The Statue of Liberty March
9 'Brubaker' Theme
10 'The Cincinnati Kid' Instrumental Theme
11 The Miracle from 'Something to Believe In'
12 Amputation Aftermath from 'The Beguiled'
13 Che from 'Che!'
14 El Dorado
15 'Sudden Impact' Main Title
16 Pablito/Guitarra/Padre Van Horne from 'The Wrath of God'
17 'Magnum Force' Main Title
18 'The Amityville Horror' Main Title
19 Take Me to Ringerman from 'Coogan's Bluff'
20 Justine
21 The Plot from 'Mission: Impossible'

CD3)

1 The Cincinnati Kid (Vocals from Ray Charles)
2 Arletta Blues from 'Cool Hand Luke'
3 'Les Felins' Main Title
4 'The Fourth Protocol' Main Title
5 The Forces of Darkness
6 Finding McB from 'The Beguiled'
7 'Mannix' Theme
8 Ice Pick Mike from 'Bullitt'
9 Bach to the Blues
10 'Magnum Force' Main Title
11 Tango Del Atardecer
12 Chama from 'Joe Kidd'
13 Movement from String Quartette from 'Rollercoaster'
14 Summer Dance
15 My Lord Don Quixote/End Title
16 'Rage' End Title
17 'Enter the Dragon' Main Title
18 Tema D'amore from 'La Pelle'
19 Last of the Independents from 'Charley Varrick'
20 Robbery Suspect from 'Sudden Impact'
21 'Rush Hour' Main Title


CD 4)
1 Suite - Concorde: Airport 79
2 Paraphrase
3 Panamericana
4 Once a Thief
5 Resonances
6 Montuno
7 People Alone from 'The Competition'
8 Intersections
9 Agnus Dei
10 Toccata
11 Mission: Impossible

El deceso muy reciente del irremplazable compositor Lalo Schifrin me ha obligado a alterar el orden previsto en el blog, por lo que adelanto esta entrada para rendirle homenaje póstumo. Con su muerte desaparece otra figura legendaria de la música de cine, totalmente única e irremplazable, que en mi caso tuve el privilegio de conocer personalmente.

Lalo Schifrin nació en Buenos Aires, Argentina, el 21 de junio de 1932, y se interesó por la música gracias a su padre, quien fue concertino de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires durante más de 30 años. Animado por su padre, violinista sinfónico, Lalo comenzó a tocar el piano a los 6 años y su primer maestro fue Enrique Barenboim, padre del pianista y director de orquesta Daniel Barenboim. Cursó la secundaria en el Colegio Nacional de Buenos Aires. En 1952, viajó a Francia para estudiar en el Conservatorio de París y participó de la vida jazzística nocturna parisina.

Tras regresar a Buenos Aires, Schifrin formó una big band. En 1956, conoció al trompetista Dizzy Gillespie, que venía acompañado de Quincy Jones; ambos compartieron un encuentro fortuito en el que improvisaron junto a Schifrin y su joven amigo Astor Piazzolla.

Schifrin fue pianista del quinteto de Dizzy Gillespie desde 1960 hasta 1962, tras ser descubierto en Buenos Aires, mudándose a Nueva York en 1958.

Aunque permaneció con Gillespie durante un período relativamente corto, contribuyó con dos piezas importantes a su repertorio: "Gillespiana", un retrato notable del trompetista en una suite de cinco movimientos, y "The New Continent", una suite de tres movimientos grabada en 1962.

Tras ese periodo y sin abandonar el jazz, Schifrin empezó a hacerse un nombre como compositor de televisión y cine, eternamente conocido por su tema para "Misión: Imposible". También fue el creador de las bandas sonoras de películas icónicas como "Cool Hand Luke" (1967), "The Fox" (1968) y "The Amityville Horror" (1979). Aunque no se puede negar que "Harry el sucio" (1971) y "Bullitt" (1968) lo convirtieron en un ícono del cine de acción, al menos en lo que respecta a la música.

El maestro ganó un Grammy por "Mission Impossible", así como un Grammy Latino. Además, recibió un merecido Oscar honorífico a su carrera en 2018, tras un total de seis nominaciones.

Con su muerte tan cercana, ¿qué mejor homenaje a su obra completa que este cuádruple recopilatorio de su trabajo, editado en 2012 por su propio sello Aleph Records? Este álbum celebraba el octogésimo aniversario del maestro y su maestría en el cine, la televisión, el jazz y, en definitiva, en el universo de la música total. Son cuatro CDs y 73 pistas, que sirven como una muestra (muy certera) de la obra completa de Schifrin, en una selección inteligente de sus composiciones.

No voy a citar disco por disco, porque realmente es una fiesta, pero obviamente encontramos cortes de su emblemáticas "Mission Impossible", "Bullitt", "Dirty Harry" "Kelly´s Heroes" o "Enter The Dragon". Incluso sus más recientes entonces  (ahora ya no tanto) "Rush Hour" o "Abominable". Asimismo, hay un buen balance entre obras menos conocidas que merecen igual reconocimiento, tales como la suite sinfónica de "Concorde: Airport 79", un bloque sublime de su primer film americano "Rhino" ("Transporting Rhino from 'Rhino!'") o el tema del robo del banco de "La gran estafa" ("Bank Robbery from 'Charley Varrick'").

Y entre lo más conocido, obviamente, también encontramos a Ray Charles cantando en el dinámico/mítico tema de "The Cincinnati Kid", su canción nominada al Oscar por "The Competition" ("People Alone"), el tema principal de su memorable "The Amityville Horror", un corte genial ("Tar Sequence") para "La leyenda del indomable" ("Cool Hand Luke"), un tema de raíces españolas maravillosas para su excelente composición para Don Quijote, producida por Emiliano Piedra ("My Lord Don Quixote/End Title"), la música extrañamente suave para "Brubaker" de Robert Redford, y también un montón de piezas de corte sinfónico y jazzístico hechas para la sala de conciertos, tales como "Toccata", de "Gillespiana" y "Panamericana" de su suite "Gillespiana", o el "Resonances" de su ambiciosa obra "Esperanto". Añado su memorable tema para conmemorar la Estatua de la Libertad ("The Statue of Liberty March")… Además de su "Montuno" de su suite "Latin Jazz", el expresivo "Tango del Atardecer" de "Letters from Argentina"… Podría seguir escribiendo mucho más, pero lo mejor es escuchar y unirse a una fiesta Schifriniana para conmemorar un legado ,irrepetible, de otro Dios de la música de cine que nos deja.

MAN ON FIRE (John Scott)

 

MAN ON FIRE (1988)

Music Composed And Conducted By

JOHN SCOTT

Tracklist:

1. Man On Fire (04:41)
2. The Bomb (02:51)
3. Snake’s First Victim (02:04)
4. Sam Wins the Race (02:00)
5. The Villa At Night (01:41)
6. The Ransom Drop (01:48)
7. Start of the Search (02:37)
8. Death Of Creasy (02:52)
9. Becoming Friends (01:50)
10. The Kidnapping (01:11)
11. We’ve Got Each Other (01:57)
12. Rabbia Must Die (03:08)
13. Sam Runs Into Danger (01:12)
14. Reconciliation (01:42)
15. Premature Death (01:43)
16. Reunited (03:14)


Volvemos en este caluroso junio al gran maestro John Scott y su banda sonora para el notable thriller de 1987, Man on Fire. Esta película, basada en la novela de A. J. Quinnell, fue objeto años después de un remake igualmente destacado —aunque visualmente muy distinto— dirigido por Tony Scott y protagonizado por Denzel Washington. En esta, la versión original, nos encontramos con una peculiar coproducción rodada en Italia que narra la historia de la venganza de un guardaespaldas (interpretado por Scott Glenn) que sobrevive de milagro tras el secuestro de la niña a la que protegía y con quien mantenía una relación casi paternal.

El film destaca por su lograda atmósfera seca y pesimista, así como por una violencia sin concesiones que el director Elie Chouraqui maneja con elegancia y mirada concisa. Su parte final es especialmente poderosa, transformando la película en un sublime film de venganza que eleva los conceptos clásicos del género. Todo ello está realzado por un sólido reparto que incluye a Joe Pesci, Danny Aiello y Jonathan Pryce, una excelente puesta en escena y, por supuesto, la brillante partitura de John Scott, que hoy nos ocupa en este blog.

La banda sonora de Man on Fire (1987) es otra obra magistral del compositor británico, en la que despliega su talento para crear atmósferas intensas y emotivas. Fue editada originalmente en LP y más tarde reeditada en CD por el sello Varèse Sarabande.

John Scott, un compositor al que nunca dejaremos de reivindicar y alabar, consigue aquí subrayar de manera conmovedora la conexión emocional entre el guardaespaldas Creasy y la niña Sam, así como la brutal determinación de Creasy en su búsqueda de venganza tras el secuestro. Para ello compuso un tema principal que muchos consideran entre los mejores de su carrera: una melodía melancólica (presente en cortes como "Man on Fire" y "Reunited"), pero que a la vez encierra una épica exuberante que se queda grabada en la memoria del oyente.

Curiosamente, este tema ganó cierta notoriedad cuando fue utilizado en la resolución final de Die Hard (Jungla de Cristal), durante el abrazo entre John y Holly McClane. El montador lo eligió como temp track y terminó quedándose en el corte final, lo que lo hizo aún más conocido para el gran público.  La música alterna con acierto entre temas románticos de gran lirismo (el leitmotiv ya citado, presentado en el corte épico titulado "Sam Wins The Race")  , con bloque de isntrumentación más Pop y moderna ("Start Of The Search") además de cortes de suspense intensos y aterradores ("The Bomb" o  "Snake’s First Victim") reflejando perfectamente el equilibrio entre drama y acción que define a la película. Quedando en definitiva como una banda sonora/composición modélica en la carrera del autor de "Anthony & Cleopatra"