LA POLIZIA CHIEDE AIUTO/LA POLIZIA STA A GUARDARE/LA POLIZIA HA LE MANI LEGATE (Stelvio Cipriani)

 

LA POLIZIA CHIEDE AIUTO/LA POLIZIA STA A GUARDARE/LA POLIZIA HA LE MANI LEGATE

Musiche composta per
STELVIO CIPRIANI

Tracklist:

1 La Polizia Sta A Guardare 2:27
2 La Polizia Sta A Guardare (# 2) 2:58
3 La Polizia Sta A Guardare (# 3) 3:54
4 La Polizia Chiede Aiuto 2:12 *
5 La Polizia Chiede Aiuto (# 2) 1:18
6 La Polizia Chiede Aiuto (# 3) 2:24
7 La Polizia Ha Le Mani Legate 3:34
8 La Polizia Ha Le Mani Legate (# 2) 1:47
9 La Polizia Ha Le Mani Legate (# 3) 3:14
10 La Polizia Ha Le Mani Legate (# 4) 2:17
11 Papaya 2:31 *
12 La Polizia Ha Le Mani Legate (# 5) 2:08
13 La Polizia Ha Le Mani Legate (# 6) 2:31 *
14 La Polizia Ha Le Mani Legate (# 7) 3:31
15 La Polizia Ha Le Mani Legate (# 8) 3:11
16 Turning Point 3:25 *
17 La Polizia Sta A Guardare (# 4) 4:06
18 La Polizia Sta A Guardare (# 5) 1:41
19 La Polizia Sta A Guardare (# 6) 2:41
20 La Polizia Sta A Guardare (# 7) 3:41 *
21 Pandora 2:54 *
22 La Polizia Chiede Aiuto (# 4) 4:22 *
23 Pandora (# 2) 3:52
24 La Polizia Ha Le Mani Legate (# 9) 2:32 *

El reciente revisionado casero de algunos polizieschi italianos de los años setenta me ha abierto la veda para rescatar el CD recopilatorio dedicado a la trilogía de bandas sonoras compuestas por Stelvio Cipriani para tres películas emblemáticas del género.

En los años setenta, el cine poliziottesco reflejó el clima de tensión política, violencia urbana y desencanto social de los llamados Anni di piombo (Años de plomo). Fueron muchos los compositores que aportaron su estilo y personalidad al género. Cipriani destacó por su particular habilidad para introducir sonidos delicados y sensibles en medio de una acción trepidante, ofreciendo una voz diferente a la de contemporáneos como Ennio Morricone, Piero Piccioni, Bruno Nicolai o Armando Trovajoli.

Las composiciones de Stelvio Cipriani presentan un magnífico equilibrio entre arreglos de cuerda cuidadosamente elaborados, temas cálidos y pasajes de acción contundentes, apoyándose a menudo en elementos clave como una línea de teclado, un sintetizador con groove o un piano ligeramente desafinado. Las piezas avanzan con gran precisión y un excelente sentido del espacio y del ritmo, sin resultar jamás adormecidas. Incluso en sus pasajes más expansivos, desprenden una cualidad casi celestial que contrasta fuertemente con la crudeza criminal de las imágenes.

El recopilatorio reúne tres obras capitales del género policíaco compuestas por Cipriani: tres temas de La polizia sta a guardare (1973, Roberto Infascelli), tres de La polizia chiede aiuto (1974, Massimo Dallamano) y nueve de La polizia ha le mani legate (1975, Luciano Ercoli). A estos se suman otros nueve cortes procedentes de las respectivas películas, entre ellos piezas que permanecían inéditas hasta la publicación del disco.

En La polizia sta a guardare, Cipriani ofrece uno de sus temas más icónicos, versionados y sampleados dentro del género. Su fuerza arrolladora se construye sobre una secuencia repetitiva de bajo (ostinato) y un sintetizador rítmico, arropados por cuerdas épicas y metales que transmiten una sensación constante de persecución y urgencia urbana. El resultado es música de acción setentera en estado puro: enérgica, rítmica y adictiva.

Por su parte, La polizia chiede aiuto combina magistralmente la atmósfera turbia del giallo con el pulso frenético del cine policíaco. El tema principal es una maravilla dramática, articulada en torno a un piano melancólico que contrasta con una sección rítmica de bajo eléctrico, batería de inspiración funk y jazz, y vientos punzantes. Todo ello refleja una trama oscura y corrupta, acentuada por el uso de coros sutiles y pasajes disonantes que refuerzan la atmósfera de investigación y suspense.

Finalmente, en La polizia ha le mani legate, inspirada en los atentados reales de la época, la banda sonora adopta un cariz sombrío, político y claustrofóbico. Cipriani emplea una instrumentación sobria, pero sumamente efectiva, basada en percusiones secas, motivos de suspense al piano y cuerdas tensas. Las persecuciones trepidantes dejan paso a la tensión psicológica y a una asfixiante sensación de impotencia ante las trabas institucionales.

En definitiva, estamos ante un CD que, pese a reunir música de tres películas diferentes, resulta ideal para escuchar de principio a fin. Sus composiciones ponen de manifiesto tanto la unidad genérica y estilística que caracteriza el trabajo de Cipriani dentro del poliziottesco como su envidiable habilidad para encontrar en cada película el estilo, el tono y la atmósfera precisos.

FINAL ANALYSIS (George Fenton)

FINAL ANALYSIS (1992)

Music Composed And Conducted By

GEORGE FENTON

Tracklist

1. Front Titles [2:38]
2. I Had the Dream Again [0:40]
3. The Rain's Stopped [3:36]
4. Do It [1:54]
5. The Day Lighthouse [3:10]
6. The Murder [2:09]
7. The Courtroom [2:50]
8. The Tea Room [2:38]
9. The Switch [2:25]
10. The Bay Marina [2:12]
11. The Kidnap [1:07]
12. The Night Lighthouse [5:49]



Finalizamos Septiembre con una joya absoluta del gran George Fenton, una banda sonora con la que probó un género en el que nunca había trabajado: un thriller psicológico que miraba directamente a Hitchcock y a Brian De Palma, dirigido por Phil Joanou.

En la banda sonora de Final Analysis, la música de Fenton utiliza una contundente energía orquestal, a lo Bernard Herrmann, al mismo tiempo que muestra una gran elegancia, evocando a la perfección la atmósfera propia de un thriller psicológico. Sin duda, lo mejor de un film que no dejaba de ser un pastiche, pero cuya música sabía acompañar la narrativa de la película, siguiendo a un psiquiatra —interpretado por Richard Gere— involucrado en una compleja trama de amores, asesinatos y engaños.

El CD fue editado en 1992 —también en vinilo, si mi memoria no falla— y ofrecía una buena selección de cortes que mostraban algunos de los mejores momentos de este muy notable y sólido trabajo del compositor británico.

En su escucha, el CD se abre con "Final Analysis Front Titles", una pieza de apertura que establece el tono con elegantes cuerdas y una base pulsante que gradualmente se intensifica, reflejando la tensión inherente al thriller. Es un corte inolvidable acompañando unos títulos de crédito verdaderamente espectaculares, que jugaban con las luces de un faro. Aún hoy en día me parece uno de los Main Titles más potentes de Fenton y también del cine comercial de los años 90.

El resto de la banda sonora combina cortes de aire más misterioso, como "I Had the Dream Again", un breve interludio que utiliza cuerdas, arpas y sintetizadores para crear una sensación onírica y perturbadora, sugiriendo la confusión del protagonista. El siguiente corte, titulado "The Rain's Stopped", mantiene ese aire misterioso y retoma parte del leitmotiv principal, con una melodía de cuerdas suaves y un ritmo relajado.

También tenemos cortes más abstractos y misteriosos, como "Do It", donde aparecen texturas electrónicas y una atmósfera etérea, o el corte diegético titulado "The Tea Room", una composición más íntima que destaca por el uso del arpa y las cuerdas, con un aire muy clásico.

Conforme avanza la banda sonora, el trabajo de Fenton empieza a ser mucho más juguetón, especialmente con la llegada de los cuatro últimos cortes del CD, que son todo un festival de música de tensión y misterio.

El orden de estos cortes empieza con "The Switch", un bloque que aumenta la tensión mediante cuerdas rápidas y percusión, anticipando un giro en la trama. Le sigue "The Bay Marina", que presenta una melodía suave que evoca la tranquilidad del entorno marino, contrastando con la creciente tensión de la historia. Un pequeño respiro antes de "The Kidnap", una composición breve que utiliza cuerdas y percusión para transmitir la urgencia y el peligro de la situación del secuestro.

Para cerrar, el genial "The Night Lighthouse", donde la resolución final del film, situada en un faro, ofrece a Fenton la oportunidad de crear una pieza final de 5:49 minutos. Combina cuerdas intensas, metales resonantes y una percusión implacable, culminando en una resolución dramática que refleja la confrontación final en el faro.

En conjunto, la banda sonora de Final Analysis destaca por su capacidad para combinar elementos orquestales y electrónicos, creando una atmósfera envolvente que complementa perfectamente la narrativa del film. La obra de Fenton logro rendir homenaje a compositores como Bernard Herrmann, aportando una elegancia y tensión que enriquecian enormemente la experiencia cinematográfica, en un magnífico ejercicio de suspense orquestal que demotraba la enorme versatilidad de George Fenton.

 

PD: En sentido homenaje a este fabuloso compositor, fallecido ayer 5 de Octubre de 2026 

EVENT HORIZON (Michael Kamen, Orbital)

EVENT HORIZON (1997)

Music Composed And Conducted By 

MICHAEL KAMEN

Electronics Composed By ORBITAL











Tracklist:

1. The Forward Decks
2. The Main Access Corridor
3. Engineering
4. The Event Horizon

La muerte en julio de Sam Neill me llevó a recuperar algunas de sus películas y bandas sonoras y, entre ellas, la de "Event Horizon", editada en CD a finales de los noventa. Una composición muy denostada entonces, a la que yo mismo apenas presté atención, pero que, reescuchada hoy, creo que merece ser reivindicada como un experimento notable: la primera —y única— colaboración entre Michael Kamen y el dúo electrónico Orbital.

"Event Horizon" (Horizonte Final, 1997), dirigida por Paul W. S. Anderson, sigue siendo una de las propuestas más curiosas, inquietantes y excesivas de la ciencia ficción de finales de los noventa, como una mezcla de casa encantada y horror cósmico. Aquí, la trama nos llevaba hasta una nave diseñada para plegar el espacio, que abría accidentalmente un portal al infierno y desaparecía. Años después, la tripulación de la Lewis and Clark acude a investigar su reaparición y descubre que el horror no viene del exterior, sino de lo que la nave trae consigo.

El argumento no es original, pero su ejecución visual sigue funcionando. El núcleo giratorio de la nave, la atmósfera opresiva y una dirección artística recargada generan imágenes que aún resultan perturbadoras.

La música refleja esa dualidad entre lo viejo, lo gótico y lo nuevo, lo tecnológico... Kamen, conocido por "Die Hard" o "Robin Hood: Prince of Thieves", afrontaba aquí uno de sus encargos más atípicos —aunque hizo algunas incursiones en el fantástico y no tantos trabajos de terror—. Para ello se incorporó a la composición al grupo Orbital, encargado de aportar el lenguaje electrónico que debía encarnar la corrupción de la nave. Sobre el papel, la idea era fascinante: Lo sinfónico para la épica espacial; lo electrónico para el horror. Y, ciertamente, si uno ve la película, este concepto funciona muy bien. Pero el disco nunca fue lo mismo, ya que la edición en CD, supongo que por motivos comerciales, priorizaba las intervenciones electrónicas de Orbital.

El álbum es una pugna constante entre dos lenguajes que rara vez conviven en equilibrio, al menos en la grabación discográfica. La parte orquestal de Kamen, interpretada con solvencia por la London Metropolitan Orchestra, en la película cumplía perfectamente, pero, como comento, en el disco deja una impresión extraña. La excepción es «Turbulence», la segunda suite, donde los metales en ostinato y el coro aportan la mayor intensidad de toda la partitura. El resto se mueve entre texturas atmosféricas, estallidos de metal y un toque vanguardista cercano a Elliott Goldenthal.

Orbital, en cambio, despliega una electrónica muy percusiva y agresiva: ritmos programados y repetitivos, sintetizadores distorsionados y voces procesadas que crean una amenaza permanente. A veces la música es tan potente que hace que los buenos momentos de Kamen queden apagados, como sucede con el delicado motivo melancólico del final de la tercera suite.

Ahí está el problema central del álbum: la mezcla. La electrónica está muy por encima de la orquesta y la escritura de Kamen es demasiado discreta para imponerse. Tampoco ayuda la presentación: Son cuatro largas suites que dificultan localizar los mejores momentos, además de la ausencia de varias secuencias clave que sí se escuchan en la películaY aun así he querido recuperar este trabajo, no fue de lo mejor de Kamen ni una colaboración completamente redonda, pero sí un experimento valiente que intentó unir dos mundos aparentemente incompatibles. No alcanzó todo su potencial, ciertamente, pero en esta nueva escucha, creo que subió muchos puntos y merece bastante más de lo que se le reconoció entonces.

SCACCO ALLA REGINA (Piero Piccioni)

 

SCACCO ALLA REGINA

Musiche Composte e dirette da PIERO PICCIONI

Tracklist:

1. CAPRICCIO 3:20
2. ASPETTO ANCORA UN GIORNO 2:27
3. THE REDCOAT 3:024. SOGNANDO LA TUA VOCE 3:55
5. CON O SENZA SOLE 2:25
6. DA SOLI IN VACANZA 2:29
7. E' VERO, OGNI MONDO E' FELICE 3:48
8. SCACCO ALLA REGINA 3:19
9. ... AL RE 2:33
10. L'ALFIERE 3:00
11. LA TORRE 3:20
12. NERO PIU' BIANCO 3:16
13. POCHE MOSSE ALLA FINE 2:54
14. I CAVALLI 3:30

Bonus tracks (*)

15. SCACCO ALLA REGINA (# 2) 3:34
16. I CAVALLI (#2) 3:00
17. THE RED COAT (#2) 3:25
18. SCACCO ALLA REGINA (# 3) 3:15
19. E' VERO, OGNI MONDO E' FELICE (#2) 3:35
20. I CAVALLI (#3) 2:23
21. CAPRICCIO (#2) 3:17
22. SCACCO ALLA REGINA (vocal) 2:54
23. CAPRICCIO (vocal) 3:07
24. SCACCO ALLA REGINA (off vocal mix) 2:55
25. CAPRICCIO (off vocal mix) 3:07

Nueva entrada para este caluroso mes de Agosto, con uno de mis compositores italianos favoritos: Piero Piccioni. A finales de los sesenta, ya era una figura clave de la música de cine italiana gracias a un estilo inconfundible, capaz de moverse entre la gran orquesta, el jazz, la bossa nova, el pop sofisticado y esos irresistibles sonidos "groovy" que marcaron su producción. Hoy nos detenemos en "Scacco alla regina" (1969), partitura para la extraña y fascinante película de Pasquale Festa Campanile. Con Rosanna Schiaffino y Haydée Politoff, la trama aborda la dominación psicológica y el erotismo bajo una estética psicodélica que evoca una versión provocadora de "Eva al desnudo". Sin embargo, lo que eleva definitivamente la cinta es la música de Piccioni. Lejos de ilustrar imágenes de forma pasiva, el compositor construye un álbum con personalidad propia. A lo largo de sus catorce cortes equilibra jazz, bossa nova, pop orquestal y tensión dramática, logrando melodías sofisticadas y de impacto inmediato.

El doble CD abre con "Capriccio", pieza elegante donde la inconfundible voz de Edda Dell'Orso aporta un aire etéreo y sensual. Le sigue "Aspetto ancora un giorno", una delicada bossa nova dominada por el piano y las cuerdas, mientras que "The Redcoat" cambia el paso hacia un jazz dinámico con ecos del pop instrumental británico de la época.
El punto álgido de lirismo llega con "Sognando la tua voce", donde la voz de Dell'Orso flota sobre una sutil base de cuerda. En una línea más relajada, "Con o senza sole" y "Da soli in vacanza" brillan como joyas de "easy listening", destilando esa sofisticada ligereza del mejor sonido italiano de los sesenta. Ese refinamiento orquestal, teñido de melancolía, se prolonga en "È vero, ogni mondo è felice".

La segunda mitad del álbum gira en torno al tema principal, "Scacco alla regina", que condensa el corazón musical de la obra: ritmo de jazz, cuerdas envolventes y una atmósfera cargada de misterio. A partir de ahí, cortes inspirados en el ajedrez como "...Al re", "L'Alfiere" y "La torre" desarrollan un ambiente de tensión psicológica con bajos marcados y arreglos inquietantes. Tras el lirismo de "Nero più bianco" y el suspense de "Poche mosse alla fine", el cierre llega con "I cavalli", un enérgico broche final de aire "groovy" que retrata al mejor Piccioni.

El segundo CD suma excelentes tomas alternativas de temas clave como "Capriccio" o "I cavalli". Lejos de ser mero relleno para completistas, estas mezclas vocales e instrumentales permiten apreciar la riqueza de la orquestación y el magistral trabajo de Dell'Orso, consolidando esta edición como la opción definitiva para disfrutar de una obra imprescindible.

1492 CONQUEST OF PARADISE (Vangelis)

1492: CONQUEST OF PARADISE


Music Composed By VANGELIS
















Tracklist:

1) Opening" – 1:21
2) Conquest of Paradise" – 4:47
3) Monastery of La Rábida" – 3:39
4) City of Isabel" – 2:16
5) Light and Shadow" – 3:46
6) Deliverance" – 3:28
7) West Across the Ocean Sea" – 2:53
8) Eternity" – 1:59
9) Hispañola" – 4:56
10) Moxica and the Horse" – 7:06
11) Twenty Eighth Parallel" – 5:14
12)Pinta, Niña, Santa María (Into Eternity)" – 13:19

A finales de este caluroso Julio vuelvo al genio griego, al rey de la melodía Vangelis, con su trabajo para el film de Ridley Scott "1492, La Conquista del Paraíso". Pasados 34 años desde su estreno, la película sobre Colón no resiste muchos visionados (tampoco en su momento)... Pero su banda sonora ofrece mucho más de lo que se escucha en el film y, además, se disfruta mucho más en una escucha aislada. Como siempre en Vangelis, él veía el film, se inspiraba y componía la música, para luego dejar que los directores la ensamblaran en modo collage...Supongo que por eso Ridley Scott repitió con el, ya que siempre fue un director bastante meticuloso en la colocación y montaje de musicas que fiunciona mejor con autores mesnos convecionales. Estamos ante una banda sonora muy agradable y bella, fusionando el estilo electrónico, la orquesta y elementos musicales de la España de la reina Isabel. Es una buena combinación de la épica con sonidos orquestales grandiosos y elementos electrónicos sutiles y efectivos, logrando una banda sonora instrumental casi sin parangón.

La obra incluye, obviamente, sus melodías de piano más hermosas y ese toque especial para crear atmósferas magnéticas y únicas. Este CD fue en su tiempo un gran éxito y hoy en día (junto con *Chariots of Fire*) es una de sus obras más perdurables en el cine.

El álbum despliega un viaje sonoro que mezcla la grandeza orquestal con texturas electrónicas íntimas y evocadoras. Cada pista contribuye a retratar el asombro, la tensión y la melancolía del descubrimiento del Nuevo Mundo. los cortes que aparecen en el CD son también un vaije musical a lolargo del descubrimiento del nuevo contiente: Se abre el CD con "Opening ", un coro pseudo-latino, percusión marcial y sintetizadores ascendentes crean una sensación de triunfo y destino manifiesto. tema grandilocuente y ceremonial. Le sigue un corte sereno y contemplativo, con el que Vangelis"evoca la espiritualidad y la duda (""Monastery of La Rabida").Los toques e infleuncias de la muica hsipana aparecen en el corte titulado "Hispaniola" donmde la guitarra acústica que se entrelaza con un ritmo que remite a bulerías electrónicas., le sigue un tema típico para piano marca de la casa ("Moxica and the Horse") con una melodía sencilla, acompañada de cuerdas sintéticas y un bajo profundo. y una progresión  ascendente, hipnótica, muy característica de su creador.Para la parte final deja Vangelis dos cortes realmente potentes (no tanto "Twenty Eighth Parallel) me refiero a "City of Isabel" 

Un tema optimista,con sintetizadores brillantes y un ritmo constante evocan la fundación de la primera ciudad española en América...Aunque mi corte favorito de este estupendo albue es sin duda "Pinta, Niña, Santa Maria (Into Eternity)", un corte de trece minutos de duración y todo un viaje sonoro en sí mismo: comienza con cuerdas lentas y solitarias, luego añade capas de sintetizador, bajo pulsante y una melodía de piano repetitiva como un mantra. Sin estribillos ni explosiones, se expande gradualmente, sumergiendo en la inmensidad del océano y el paso del tiempo. Hipnótica, minimalista en desarrollo pero inmensa en su efecto emocional. Para muchos, lo mejor del disco.

En conjunto, el trabajo evita la grandilocuencia vacía que afectaría a trabajos posteriores de Vangelis. Cada tema cumple una función narrativa y emocional, y las influencias étnicas — españolas, caribeñas y medievales — se integran naturalmente en la paleta electrónica. La producción suena cálida y envolvente, con texturas analógicas y reverberaciones. Para quien quiera ir más allá del éxito radial, este álbum ofrece detalles que recompensan una escucha atenta. Una obra maestra de la música cinematográfica.

F.I.S.T. / SLOW DANCING IN THE BIG CITY (Bill Conti)

 

F.I.S.T (1978)

SLOW DANCING IN THE BIG CITY (1978)

Music Composed And Conducted By

BILL CONTI

Tracklist

F.I.S.T.:
1. Main Title (Theme from F.I.S.T.) (02:42)
2. F.I.S.T. is formed (01:58)
3. Preparing to strike (01:51)
4. Torching the Tent (01:42)
5. My Friend Abe (01:45)
6. Convention and Election (01:58)
7. Kissing in the Closet (03:06)
8. The big Strike (02:01)
9. Funeral for Mike (01:40)
10. Enlistment Drive (01:48)
11. Johnny goes to Washington (02:08)
12. Doyle’s Men (01:16)
13. Lights out (01:43)
14. End Title (04:05)

Slow Dancing in the big City:
15. Slow Dancing in the big City (03:02)
16. Good Night (01:29)
17. You can’t dance again (02:24)
18. Alone in Lincoln Center (02:28)
19. Rooftop Dancing (02:14)
20. T.C. Salsa (03:48)
21. Balletto (07:04)
22. The Ovation (04:31)
23 Blue Evening (05:01)

Esta entrada supone el regreso al blog del gran Bill Conti, compositor eternamente ligado a "Rocky" y al enorme éxito que aquella película supuso para todos sus implicados. A partir de 1976, su carrera experimentó un impulso definitivo que lo convirtió en uno de los autores más solicitados del Hollywood de finales de los setenta y primeros ochenta. Conti alternó partituras de corte más contemporáneo con otras en las que pudo desarrollar una escritura sinfónica de gran envergadura. En ese sentido, las bandas sonoras de "F.I.S.T." (1978) y "Slow Dancing in the Big City" (1978) debieron de sorprender a quienes únicamente asociaban su nombre al universo de "Rocky", ya que representan dos vertientes casi antagónicas de su personalidad musical y confirman su categoría como uno de los grandes compositores orquestales de su generación. Ambas partituras fueron grabadas en 1978, editadas originalmente en vinilo ese mismo año y reunidas posteriormente por Varèse Sarabande en una edición limitada en CD publicada en 2005, que es la que comento hoy.

"F.I.S.T.", dirigida por Norman Jewison y protagonizada por Sylvester Stallone, es un drama sindical inspirado libremente en la figura de Jimmy Hoffa, con evidentes elementos de thriller político y ecos de "The Godfather", ya que la influencia de la mafia resulta determinante en la trama. Para esta película, Conti se aparta deliberadamente del tono heroico y triunfal de "Rocky" y construye una partitura de mayor densidad dramática, profundamente americana, con claras resonancias de Aaron Copland tanto en el tratamiento armónico como en la amplitud de sus líneas melódicas. La escritura para la London Symphony Orchestra destaca por una poderosa presencia de metales, unas cuerdas de gran peso expresivo y un sólido soporte percusivo.

El tema principal, "Main Title – Theme from F.I.S.T.", sintetiza perfectamente la dualidad del personaje central mediante una combinación de épica contenida y melancolía, mientras que "Main Title" y "End Title" desarrollan un discurso de gran fuerza sinfónica, apoyado en fanfarrias de metal y timbales que evocan la lucha obrera sin caer nunca en el triunfalismo fácil. Se trata de una partitura magníficamente estructurada, donde la contundencia orquestal convive con momentos de gran delicadeza. Así, "Johnny's Theme" recurre a una trompa solista sostenida por unas cuerdas de gran lirismo para expresar el idealismo del protagonista, mientras que "Love Theme" ofrece una de las melodías más inspiradas de Conti, articulada mediante piano, flauta y una escritura para cuerdas tan elegante como melancólica. En el extremo opuesto, cortes como "Strike Montage" y "Riot" exhiben una escritura rítmica mucho más agresiva, con ostinatos de metal, percusión incisiva y un tratamiento orquestal de enorme tensión dramática que sitúa a Conti en uno de los momentos más inspirados de su carrera.

En el extremo opuesto, aunque igualmente sobresaliente, encontramos "Slow Dancing in the Big City", dirigida por John G. Avildsen y protagonizada por Paul Sorvino y Anne Ditchburn. El filme narra la historia de una bailarina cuya prometedora carrera queda truncada por una enfermedad, proporcionando a Conti el marco ideal para desarrollar una de las partituras más refinadas, íntimas y románticas de toda su filmografía. Aquí desaparece casi por completo el músculo sinfónico de "F.I.S.T." para dar paso a una escritura mucho más camerística, basada en el piano, unas cuerdas aterciopeladas y melodías de una extraordinaria sensibilidad, con una atmósfera íntimamente ligada al universo del ballet.

"Main Title" abre la obra mediante un elegante diálogo entre piano y saxo tenor que dibuja un Nueva York nocturno, sofisticado y melancólico. "Sarah's Theme", verdadero eje emocional de la partitura, presenta una de las melodías más bellas escritas por Conti, inicialmente expuesta por el piano y enriquecida posteriormente mediante oboe y cuerdas ligeras, logrando una emoción contenida de enorme eficacia dramática. "The Dance Studio" introduce un refinado jazz-funk de sabor inequívocamente setentero, sustentado sobre bajo eléctrico, Fender Rhodes y flauta, mientras que "Love in the Park" desarrolla el material romántico mediante una delicada combinación de guitarra acústica y cuerdas. El "Finale" recupera el tema principal en toda su plenitud sinfónica, otorgándole un carácter inevitablemente agridulce que encaja a la perfección con el desenlace de la película.

La pieza más célebre del álbum continúa siendo "The Ovation", una composición de enorme elegancia melódica y exquisita sensibilidad que, con el paso de los años, ha adquirido vida propia entre los aficionados a la música cinematográfica. Recurado la sensación de descubrir este LP hace un montón de años (mucho antes de la edición el CD)  y no dar crédito a este torrente melódico  que nos legó Conti, en una obra maestra que no me extraña acabó siendo utilizada tanto en exhibiciones de patinaje artístico como en diversas ceremonias de los Oscar, convirtiéndose en una de las páginas más emblemáticas de toda la producción de la maestro americano.

LO SQUARTATTORE DI NEW YORK (Francesco De Masi)/UNA TOMBA APERTA, UNA BARA VUOTA (Piero Piccioni)

 

LO SQUARTATTORE DI NEW YORK (1982)

Music Composed By 

Francesco De Masi

UNA TOMBA APERTA, UNA BARA VUOTA (1971) 

Music composed By Piero Piccioni


Tracklist:

The New York Ripper (1982) Francesco De Masi
1) New York One More Day
2 )'Phone Call
3 )New York One Night
4 )Puertorico Club
5 )The Ripper
6 )New York One More Day
7 )Fay
8 )Where Is the Ripper?
9 )New York One Night
10) Puertorico Club
11 )Suspense and Murder
12 )Waiting for the Killer

Una Tomba Aperta, una bara vuota (1972) Piero Piccioni

13)  Helen Where Are You?
14)  It Means Love
15) Hunting Memories
16) It Means Love
17) Ghost Chase
18) Dreaming Again
19) Moonbeams on the Ruins
20)  Echoes of a Name

 

Este mítico CD de BEAT, editado en los años noventa, reunía dos bandas sonoras esenciales del terror italiano: *El Destripador de Nueva York* (*Lo Squartatore di New York*, 1982), dirigida por Lucio Fulci, y *La casa de las muertas vivientes* (*Una tomba aperta, una bara vuota*, 1972), firmada por Alfonso Balcázar bajo el seudónimo de Al Bagram. Se trata de dos films bastante distintos en intenciones y resultados —el primero mucho más atrevido y sangriento; el segundo, más sugerente y atmosférico—, pero que funcionan en perfecta sintonía en esta edición discográfica, permitiendo apreciar dos formas muy diferentes de entender la música en el cine de género.
El film de Fulci, uno de los más famosos y exitosos de su carrera, mezclaba con acierto el *slasher* estadounidense con los códigos del *giallo* italiano. Rodada en Nueva York con un reparto internacional, la cinta narraba la investigación policial de un asesino en serie, bajo una inspirada dirección que dejó varias secuencias gore antológicas. Para ella, Francesco De Masi compuso una partitura de atmósfera urbana, pop y rockera que encaja muy bien con la visión decadente de la ciudad nocturna. El tema principal ("New York One More Day") es una melodía para conjunto moderno, muy rítmica, que el maestro reutiliza constantemente en los pasajes más tensos ("The Ripper", "'Phone Call") y también en una vertiente más sensual. Destaca un magnífico corte de aire blues ("Fay") junto a piezas más agresivas y disonantes ("Suspense and Murder", "Where Is the Ripper?") incluso cortes mas diegeticos (el rítmico "Puerto Rico Club") que refuerzan la violencia de forma contenida pero muy eficaz.

Por su parte, la coproducción hispano-italiana de Balcázar, rodada en Barcelona, es una extraña y sugerente mezcla de *thriller* y terror gótico que evidencia la influencia lejana de "La residencia". Casi toda la acción transcurre en una mansión donde se entrelazan un crimen del pasado sin resolver y las tensiones sexuales protagonizadas por Daniela Giordano, Teresa Gimpera y Nuria Torray. El contraste entre la versión íntegra y la estrenada en España es notable: el montaje uncut conserva los desnudos y desarrolla con más coherencia las relaciones entre los personajes, mientras que la versión censurada sufrió tantos cortes que el relato resultaba difícil de seguir.
Aunque su narrativa no es del todo sólida, la película mantiene el interés gracias a su cuidada ambientación y, sobre todo, a la excelente banda sonora de Piccioni. En ella se alternan piezas orquestales con pasajes de cuerdas y melodías misteriosas ("Helen Where Are You?"), junto a fragmentos de aire más jazzístico donde se combinan el piano y un fondo rítmico, como ocurre en el fabuloso tema romántico "It Means Love". Este último reaparece más adelante en una soberbia instrumentación donde la sección de cuerda lo explora en todo su esplendor, demostrando la exquisita y particular capacidad melódica que poseía el maestro. Asimismo, destacan los inquietantes arreglos camerísticos de gran importancia lírica ("Hunting Memories", "Ghost Chase"). En otros momentos, los vientos suaves y el suspense abstracto crean una atmósfera sensacional ("Dreaming Again"), coronando una obra verdaderamente fantástica que se cierra recuperando ese pulso de jazz gracias al uso del órgano Hammond, el piano y la base orquestal ("Echoes of a Name").

En conjunto, este CD (que hacia mucho tiempo que no escuchaba) es una sorpresa muy reivindicable, ya que refleja dos caras complementarias del cine europeo de terror y suspense firmadas por dos maestros indiscutibles.

LE VOYAGE EN BALLON (Jean Prodromides)

LE VOYAGE EN BALLON (1960)

Musique Composee par 

JEAN PRODROMIDES

 

 

 

 

 

 

 

Tracklist:

1. Generique – Introduction / Les Cloches de Bethune (02:10)
2. Envoi (01:59)
3. Ballet de la Chemise Blanche (01:38)
4. Alsace / Les Vosges (04:21)
5. Paris (04:10)
6. Chenoceaux / La Chasse (01:26)
7. Les Grands Voliers / Goemons (04:44)
8. Poursuite en Bretagne (03:17)
9. Les Alpes / Les Glaciers (04:46)
10. Provence (03:05)
11. Camargue / Les Taureaux / Les Flamands Roses (04:41)
12. Final (04:02)

Para aliviar el calor de junio, rescato a un nombre poco conocido pero clave de la música francesa: Jean Prodromidès. Formado en el Conservatorio de París y ligado a la vanguardia, compaginó la música contemporánea con el cine, aportando un lenguaje sofisticado muy alejado del cine comercial. En el cine, destacaba por crear atmósferas psicológicas densas con orquestaciones elegantes y disonancias expresivas. Aunque no fue tan famoso como Jarre o Delerue, su obra es una de las más personales del cine francés, muy valorada por los amantes de bandas sonoras intelectuales. Por eso sorprende *Le Voyage en ballon* (1960), de Albert Lamorisse: es su partitura más romántica y melódica, hecha para transmitir la ligereza de un viaje en globo. Hoy es una de las más bellas del cine galo.

La banda sonora es un diario musical de Francia. Prodromidès construye un tema principal con variaciones, sin recurrir al folclore. Tras la “Introduction”, el tema aparece en los créditos y en “Envol”, el despegue. Ese leitmotiv en forma de vals recorre la película: Béthune, Estrasburgo, Provenza, títulos finales. Lo transforma constantemente: arpa y orquesta sobre París; flauta y arpa estilo Debussy en Chenonceaux; coro masculino y guitarras entre niebla en “Les grands voiliers”; tambores provenzales en la persecución con toros. Un segundo tema, más ágil y travieso, suena en “Aterrizaje en los Montes Vosgos” con el clarinete. Recuerda a *Archimède le clochard* y reaparece en la Costa Azul.

La partitura cambia de registro según la geografía y el drama: costumbrista en “Ballet de la chemise blanche” y “Alsace / Les Vosges”; tensa en “Chenonceaux / La chasse” y “Poursuite en Bretagne”, con dos pianos preparados; contemplativa en “Les grands voiliers”; abstracta y fría en “Les Alpes / Les glaciers”; cálida y lírica en “Provence” y “Camargue”, con una estampida de doce guitarras. El “Final” evita el sentimentalismo cuando el niño salta del globo: se centra en la atmósfera, anticipando los itereses en la obra posterior del maestro.

En resumen, *Le Voyage en ballon* es una joya del cine. Si no la conoces, te va a enganchar. Editada primero en vinilo, fue pieza de culto para coleccionistas y tuvo reediciones en CD en Japón en 1997 y 2007, además de una edición canadiense en 2009 de Disques Cinémusique.

L,ARMATA BRANCALEONE (Carlo Rustichelli)

L, ARMATA BRANCALEONE (1967)
Music Composed By
CARLO RUSTICHELLI

 

 

 

 

Tracklist:

01. MARCIA DI BRANCALEONE (Titoli) E DOPO LA BATTAGLIA 2:54
02. COMBATTIMENTO 1:07
03. UN PREZIOSO BOTTINO 1:49
04. MARCIA DI BRANCALEONE (nr.2) 2:12
05. LA CITTA APPESTATA E CUCCURUCCU 1:40
06. LA DAMA MISTERIOSA 1:53
07. PIRULE (strani pellegrini) 2:33
08. BRANCALEONE E MATELDA (tema d’amore) 1:28
09. MARCIA DI BRANCALEONE (nr.3) 1:18
10. TEMA D’AMORE E BRANCALEONE PRIGIONIERO 3:09
11. CAVALCATA E TEMA D’AMORE 1:45
12. GLI ULTIMI DUCHI DI BISANZIO 1:12
13. BRANCALENE INCONTRA TEODORA 2:57
14. MARCIA DI BRANCALEONE (nr.4) 1:20
15. BRANCALEONE IN GABBIA E MARCIA DI BRANCALEONE (Finale) 1:25
film versions and alternates
16. MARCIA DI BRANCALEONE (Titoli) 2:16
17. L’ARMATA BRANCALEONE (il campo dei caduti) 3:17
18. COMBATTIMENTO (nr.2) 2:10
19. MARCIA DI BRANCALEONE (nr.5) 2:42
20. L’ARMATA BRANCALEONE (peste!) 1:58
21. CUCCURUCCU 1:27
22. PIRULE (strani pellegrini nr.2) 3:49
23. BRANCALEONE E MATELDA (tema d’amore nr.2) 2:09
24. BRANCALEONE E MATELDA (tema d’amore nr.3) 2:06
25. L’ARMATA BRANCALEONE (tema d?amore/A cavallo) 1:46
26. L’ARMATA BRANCALEONE (Bizantini/Incontro con Teodora) 4:33
27. MARCIA DI BRANCALEONE (nr.6) 1:39
28. MARCIA DI BRANCALEONE (nr.7) 3:42
29. L’ARMATA BRANCALEONE (Brancaleone prigioniero) 1:39
30. PIRULE (liberazione di Brancaleone e Marcia- Finale) 1:52
31. MARCIA DI BRANCALEONE (versione singolo Lato A) 1:33
32. CUCCURUCCU (versione singolo Lato B) 1:39
33. MARCIA DI BRANCALEONE (con la voce di Vittorio Gassman) 0:31



Ya tocaba escribir sobre esta obra magna de Carlo Rustichelli para la película "La Armada Brancaleone" ("L'armata Brancaleone"), dirigida por Mario Monicelli en 1967. Una película italiana protagonizada por Vittorio Gassman, Gian Maria Volonté, Enrico Maria Salerno, Catherine Spaak, Folco Lulli, Maria Grazia Buccella y Barbara Steele en los papeles principales, y que fue galardonada con tres premios Nastro d’Argento: Mejor fotografía, mejor vestuario y mejor música.

Magistral mezcolanza de comedia y cine histórico ambientada en la Italia medieval, la película sigue a un grupo de colgados y descerebrados encabezados por un caballero de pacotilla llamado Brancaleone —un inmenso Vittorio Gassman— que intenta llegar a un pueblo para tomar posesión de unas tierras. El filme, que acompaña el recorrido de esta troupe de pendencieros al ritmo de la grandiosa marcha compuesta por Rustichelli, supone sin duda una de las cumbres de Monicelli: una comedia hilarante, repleta de gags magistrales y de personajes tan grotescos como entrañables. Tuvo una secuela, rodada cuatro años después, no tan excelsa pero sí notable.

La banda sonora del maestro Rustichelli (Carpi, 24 de diciembre de 1916 – Roma, 13 de noviembre de 2004), fue dirigida por Bruno Nicolai y es uno de sus títulos más inolvidables, donde se nota su querencia por la música folclórica y de raíces populares. Posee un inolvidable motivo coral que constituye el corazón de toda la partitura. El compositor lo retoma en distintas versiones orquestales, unas veces cómicas y otras dramáticas, logrando convertir la épica medieval en una sátira musical llena de personalidad, es la famosa marcha de Brancaleone ("MARCIA DI BRANCALEONE") que combina fanfarrias heroicas con un aire torpe y grotesco que refleja perfectamente a ese grupo de caballeros hambrientos y desastrosos que protagoniza la película, además de contar con una letra pegadiza y divertida que se retiene para siempre: (“Branca, branca, branca-Leone, leone, leone-Lione al vento, stiam marciando-Noi siamo l’armata Brancaleone!”).  En el CD aparece en numerosas variaciones. También encontramos piezas más sombrías, construidas sobre percusiones secas y melodías austeras que evocan una Edad Media miserable, mientras que otros cortes recurren a coros burlones, danzas populares y ritmos casi carnavalescos para subrayar el tono cómico del filme en cortes como O “Pirulè”, el tema salmódico de los peregrinos, y “Cuccuruccù”, interpretado por una voz femenina acompañada por la mandolina... Una bso fabulosa en la que no faltan tampoco momentos inesperadamente líricos y melancólicos, que aportan humanidad a los personajes bajo toda la parodia. Rustichelli mezcla trompetas, tambores, flautas e instrumentos de sabor antiguo sin buscar fidelidad histórica, sino una sonoridad teatral y exagerada que termina convirtiéndo el trabajo no solo en una indiscutible obra maestra, sinó en una de las bandas sonoras más emblemáticas del cine italiano.

MANCINI IN SORROUND (Henry Mancini)

 

MANCINI IN SORROUND (1990)

Mostly Monsters, Murders & Mysteries

Music Composed And Conducted By

HENRY MANCINI








Tracklist


1. SURROUND FANTASTIQUE (00:54)

2. ARCTIC WHALE HUNT (04:00)
from THE WHITE DAWN
3. theme from (02:35)
MOMMY DEAREST
4. Main title (02:15)
FRENZY (rejected)
5. THE MONSTER GETS MARK (06:47)
from THE CREATURE OF THE BLACK LAGOON
6. THE THING STRIKES/DESERT RENDEZVOUS (04:45)
from IT CAME FROM OUTER SPACE
7. TERROR STRIKES (03:15)
from TARANTULA
8. CASEY'S THEME (02:40)
from FEAR
9. LITTLE BOYS (03:33)
from THE MAN WHO LOVED WOMEN
10. MAIN TITLE (04:49)
from THE PRISONER OF ZENDA (tracks 10-12)
11. CORONATION WALTZ (03:11)

12. CROQUETTE (02:54)

13. MAIN TITLE (03:18)
from NIGHTWING
14. SUPER SLEUTH (02:29)
from WITHOUT A CLUE (tracks 14-15)
15. END TITLE (02:47)

16. SUNSET THEME (02:01)
from SUNSET (tracks 16-18)
17. CHERYL'S THEME (04:05)

18. THE COWBOYS (03:56)

Mancini in Surround es un mítico CD editado por Henry Mancini a principios de los noventa, en el que recuperó piezas y temas pertenecientes a películas menos populares, centrándose especialmente en el cine de terror, misterio y aventura, además de rescatar composiciones hasta entonces inéditas o muy poco conocidas. El resultado fue un álbum sensacional que abrió los oídos de muchos aficionados que todavía encasillaban a Mancini únicamente como compositor de jazz ligero, lounge o melodías sofisticadas. Un disco que siempre apetece recuperar y reivindicar.

El álbum equilibra con maestría lo lúdico y lo oscuro, reflejando la dualidad presente en gran parte de la obra del compositor. Todo ello queda además realzado por el uso de las técnicas de surround, un formato envolvente que daba nueva vida a la música y sumergía al oyente en un paisaje sonoro tan nostálgico como espectacular. La mezcla realizada por el propio Mancini mejoraba notablemente la separación instrumental, permitiendo apreciar la compleja interacción de melodías, armonías y texturas orquestales que siempre caracterizó su estilo.

Más que una simple recopilación, Mancini in Surround funciona como una auténtica experiencia cinematográfica continua. Mancini reorganiza los temas para construir un recorrido dramático que pasa del espectáculo tecnológico al suspense, el terror, la aventura y finalmente a una atmósfera más melancólica y nostálgica. Al mismo tiempo, el disco funciona en varios niveles: como demostración audiófila de sonido envolvente, como recopilación alternativa de su catálogo menos conocido, como reivindicación de su faceta más experimental y sinfónica y también como documento histórico de una época en la que Hollywood comenzaba a explorar seriamente las posibilidades del audio digital inmersivo.

El CD se abre con el espectacular “Surround Fantastique”, quizá la pieza más famosa del álbum. Compuesta para los tráilers demostrativos de Dolby Surround en salas de cine, funciona como una poderosa declaración de intenciones. Percusiones que parecen desplazarse por la sala, fanfarrias masivas de metal y violentos golpes orquestales convierten el tema en una especie de miniobertura futurista, sorprendentemente agresiva para el estilo habitual de Mancini. Muchos aficionados recuerdan todavía haberla escuchado antes de las proyecciones cinematográficas de los años noventa.

A continuación aparece “Arctic Whale Hunt”, perteneciente a The White Dawn, una de las grandes joyas ocultas del álbum. Se trata de música de acción pura: percusión tribal, metales salvajes y cuerdas tensísimas que describen la brutalidad de la caza de la ballena en el Ártico. Aquí aparece un Mancini épico y físico, muy alejado de la imagen elegante y jazzística asociada habitualmente a su nombre.

El álbum continúa alternando estilos y atmósferas. El tema de Mommie Dearest aporta un tono decadente y lírico, con una melodía sofisticada y casi romántica atravesada por una inquietante oscuridad emocional. Muy distinto resulta “Frenzy Rejected – Main Title”, la famosa música rechazada que Mancini compuso para Frenzy de Alfred Hitchcock. Hitchcock descartó el score porque buscaba algo más sombrío y menos “americano”, pero lo que se escucha aquí sigue siendo fascinante: suspense hitchcockiano filtrado a través del refinamiento armónico y jazzístico característico de Mancini.

Una de las secciones más llamativas del disco es la dedicada al cine fantástico clásico de los años cincuenta, con música escrita para Creature from the Black Lagoon, It Came from Outer Space y Tarantula. Se trata de una suite fabulosa, llena de suspense y atmósferas casi brutalistas. Cortes como “The Monster Gets Mark” o el extraordinario “The Thing Strikes / Desert Rendezvous” muestran a un Mancini situado a años luz del autor de Breakfast at Tiffany's y, al mismo tiempo, igual de genial.

Tras estos pasajes oscuros, el álbum se relaja ligeramente y aparecen momentos mucho más íntimos, como “Casey’s Theme”, procedente de Fear, donde reaparece el Mancini melódico y melancólico. Algo parecido ocurre con “Little Boys”, de The Man Who Loved Women, probablemente el corte más ligero del disco, impregnado de esa sofisticación urbana tan característica del compositor en los años setenta y ochenta.

Otro de los grandes bloques del álbum es la suite dedicada a The Prisoner of Zenda, formada por “Main Title”, “Coronation Waltz” y “Croquette”. Aquí Mancini abraza plenamente el gran sinfonismo europeo: fanfarrias reales, valses aristocráticos y un refinamiento casi vienés que demuestra su extraordinaria versatilidad como orquestador. “Coronation Waltz”, en particular, destaca por su majestuosidad y elegancia.

El tema principal de Nightwing devuelve el álbum a un territorio oscuro y atmosférico, con texturas densas y casi góticas que aprovechan al máximo las posibilidades del sonido envolvente. Posteriormente, la música de Without a Clue introduce una nota de humor y aventura: “Super Sleuth” posee un aire detectivesco muy británico, mientras que el “End Title” recupera un tono más clásico y elegante.

El cierre llega con la suite de Sunset, compuesta por “Sunset Theme”, “Cheryl’s Theme” y “The Cowboys”. Estas piezas mezclan nostalgia hollywoodiense, western crepuscular y jazz cinematográfico. “Cheryl’s Theme” es uno de los momentos más bellos y melancólicos del disco, mientras que “The Cowboys” aporta una energía expansiva y aventurera que cierra el recorrido de manera magnífica.

En definitiva, volver a Mancini in Surround sigue siendo un auténtico disfrute: un álbum que revela una faceta menos conocida de Mancini, no solo como compositor de melodías inmortales, sino también como un auténtico arquitecto del sonido orquestal.

THE ADVENTURES OF ROBIN HOOD (Erich Wolfgang Korngold)

 

THE ADVENTURES OF ROBIN HOOD (1938)

Music Composed By

ERICH WOLFGANG KORNGOLD

Conducted By

VARUJAN KOJIAN

Tracklist:

1 Prologue (Main Title) 1:34
2 Banquet At Nottingham Castle 1:52
3 Robin Enters The Great Hall 0:56
4 Escape From The Castle 5:09
5 Robin Meets Little John 1:38
6 The Oath And The Black Arrow 1:54
7 Robin And Friar Tuck 1:24
8 Ambush In Sherwood 3:01
9 Feast In The Forest 2:52
10 Robin And Marian 3:09
11 The Archery Tournament 3:04
12 Escape From The Gallows 2:13
13 Love Scene 5:40
14 Dagger Fight; King Richard In Sherwood 2:07
15 Coronation Procession 3:05
16 Duel, Victory And Epilogue 3:22

 

 Este mes ya tocaba la entrada de un clásico absoluto que, sorprendentemente, aún no había pasado por el blog: nada menos que Erich Wolfgang Korngold.

Korngold (1897–1957) fue un compositor austriaco y niño prodigio que destacó muy pronto en Viena, especialmente en el ámbito operístico, con un estilo de gran riqueza melódica y profundamente ligado al romanticismo tardío. En aquella década su fama era enorme y, en 1938, aceptó el encargo de Warner Bros., lo que le permitió salir de Austria justo antes del Anschluss y la invasión nazi. Gracias a este proyecto pudo trasladarse a Estados Unidos con parte de su familia, evitando así una situación cada vez más peligrosa en Europa. En Hollywood acabaría convirtiéndose en uno de los grandes maestros de la música cinematográfica.

Su trabajo en The Adventures of Robin Hood marcó un antes y un después en el cine de aventuras. Aplicó técnicas propias de la ópera —como el uso de leitmotivs y una orquestación muy expresiva— para construir una partitura que no solo acompaña, sino que narra y da forma a la historia. No fue el primero en hacerlo (Max Steiner o Franz Waxman ya lo habían demostrado), pero en el caso de Korngold esta técnica se lleva al extremo: cada personaje tiene su propio tema, la música guía las emociones y la orquesta despliega un sonido rico, vibrante y épico.

Compuesta en apenas seis semanas, estamos ante una obra cuyo resultado es una música heroica y lírica a partes iguales, perfectamente alineada con la energía de Errol Flynn como Robin Hood. La banda sonora le valió a Korngold su segundo Óscar y sentó las bases del sonido clásico del cine de aventuras, influyendo en generaciones posteriores de compositores.

Aunque actualmente ya se puede acceder a la grabación original y a varias regrabaciones, siempre he sentido verdadero cariño por esta versión: una edición de 1988 del sello Varèse Sarabande, producida por George Korngold, hijo del compositor, que incluso hoy (sin ser la más completa ni extensa) me parece una de las mejores versiones disponibles.

Es una versión que condensa los 80 minutos de la partitura original en un bloque de 43 minutos, priorizando el impacto emocional y la espectacularidad orquestal.

La grabación de Varujan Kojian destaca por su capacidad para sintetizar el complejo sistema de leitmotivs de Korngold en una narrativa sonora vibrante y directa. El recorrido comienza con el tema heroico de Robin Hood, una fanfarria de metales llena de optimismo que Kojian dirige con un tempo más ágil que otras versiones, acentuando el espíritu de aventura.

El primer corte, “Prólogo (título principal)”, arranca con una energía desbordante, casi juguetona, que deja claro desde el principio el tono aventurero de la película. Poco después aparece un tema más suave que anticipa la historia de amor, aunque sin perder del todo ese aire heroico. La pieza culmina con un cierre brillante y majestuoso que resume perfectamente el espíritu de toda la partitura.

Este heroísmo contrasta con la escena de amor, donde la orquesta se sumerge en un lirismo suntuoso basado en el tema de Lady Marian (“Robin And Marian”), mostrando la faceta más romántica de Korngold. La grabación brilla especialmente en la caracterización de los personajes secundarios a través de las maderas, como los temas juguetones para Little John y el fraile Tuck (“Robin Meets Little John”), repletos de gran comicidad musical. Más adelante, en los bloques de acción, Kojian resalta la brillantez heráldica de las trompetas en “The Archery Tournament” y culmina con “Duel, Victory And Epilogue”, una pieza de contrapunto magistral donde los temas de Robin y los villanos colisionan hasta desembocar en una resolución triunfal, cerrando una regrabación magnífica de una obra maestra de la música de cine.

 

THE FIELD (Elmer Bernstein)

 

THE FIELD (1990)
Music Composed And Conducted By
ELMER BERNSTEIN

















Tracklist:

1 The Land 5:43
2 The Bird 2:18
3 To The Field 4:58
4 St. Anger 3:46
5 Auction 2:11
6 Revelation 5:08
7 Killing 2:59
8 The Widow and the Dance 1:51
9 Questions 2:33
10 Caravan 1:31
11 The Church 1:55
12 Discovery 2:54
13 The Cliffs and the Sea 3:16
14 Credits 3:46



Volvemos en este bonito mes de abril a Elmer Bernstein en este caso con una enorme banda sonora que compuso en la década de los 90 cuando su nombre volvió a llenarse de prestigio en una última etapa de su carrera verdaderamente maravillosa. Titulada en España "El Prado", "The Field" fue un intenso drama dirigido por Jim Sheridan, ambientado en la Irlanda rural de los años 30. 
La música de Elmer Bernstein, se centró en el drama humano y la lucha interior del protagonista... Utilizando elementos musicales Irlandeses pero sin abusar de ellos, combiando orquesta, ( con las inevitables ondes martenot ) y gaitas irlandesas en una composición de gran fuerza, que siempre se muestra al servicio del relato creando una atmósfera sombría.
Banda sonora que muestra/ demuestra como Bernstein, además a la de ser un buen creador de leitmotivs siempre tuvo gran capacidad para expresar emociones con certeza y a la vez siendo sutil.

Este fue uno de esos trabajos que aún fueron editados por el sello Varese en doble formato ( LP y CD) , se abre con el tema principal ("The Land") especialmente bello , establece comienzo la atmósfera sombría y poco convencional que Bernstein buscaba: la orquesta suena introspectiva, mientras las gaitas y los elementos electrónicos evocan un eco lejano y antiguo. Cuando el tema principal emerge, resulta de una belleza impactante, con un lirismo pastoral que reaparece con frecuencia a lo largo de la partitura.y aparece a lo largo de la banda sonora, que alterna momentos líricos con pasajes oscuros e intensos. A medida que McCabe pierde la cordura por su obsesión con el terreno, la música se vuelve más dramática, culminando en un final devastador que refleja su destrucción mental y personal.

Aunque el tema central es importante, la banda sonora no se limita a una sola idea. Bernstein combina cuerdas, metales, maderas, percusión, gaitas, ondes martenot y electrónica con gran flexibilidad emocional, pasando con rapidez de tonos ligeros a una oscuridad trágica. Esta variedad refleja el deterioro mental de McCabe y su obsesión creciente.
Entre los cortes destacados están “The Bird”, con energía y ritmos danzantes; “To the Field”, de carácter fúnebre; y “Stranger”, que introduce al rival estadounidense (Tom Berenger) con metales marciales. Piezas como “Auction”, “Killing” y “The Church” intensifican el dramatismo con metales contundentes, percusión agresiva y pasajes sombríos del tema principal en el más puro estilo del compositor Americano, que deja para el clímax  el corte “The Cliffs and the Sea” donde la música se vuelve intensa y desgarradora, utilizando potentes metales, percusión implacable y gaitas inquietantes para subrayar la tragedia y la caída en la locura del protagonista, el corte final del CD se titula “Credits” retomando el tono inicial y ofreciendo una  hermosa aparición del tema principal.