LO SQUARTATTORE DI NEW YORK (Francesco De Masi)/UNA TOMBA APERTA, UNA BARA VUOTA (Piero Piccioni)

 

LO SQUARTATTORE DI NEW YORK (1982)

Music Composed By 

Francesco De Masi

UNA TOMBA APERTA, UNA BARA VUOTA (1971) 

Music composed By Piero Piccioni


Tracklist:

The New York Ripper (1982) Francesco De Masi
1) New York One More Day
2 )'Phone Call
3 )New York One Night
4 )Puertorico Club
5 )The Ripper
6 )New York One More Day
7 )Fay
8 )Where Is the Ripper?
9 )New York One Night
10) Puertorico Club
11 )Suspense and Murder
12 )Waiting for the Killer

Una Tomba Aperta, una bara vuota (1972) Piero Piccioni

13)  Helen Where Are You?
14)  It Means Love
15) Hunting Memories
16) It Means Love
17) Ghost Chase
18) Dreaming Again
19) Moonbeams on the Ruins
20)  Echoes of a Name

 

Este mítico CD de BEAT, editado en los años noventa, reunía dos bandas sonoras esenciales del terror italiano: *El Destripador de Nueva York* (*Lo Squartatore di New York*, 1982), dirigida por Lucio Fulci, y *La casa de las muertas vivientes* (*Una tomba aperta, una bara vuota*, 1972), firmada por Alfonso Balcázar bajo el seudónimo de Al Bagram. Se trata de dos films bastante distintos en intenciones y resultados —el primero mucho más atrevido y sangriento; el segundo, más sugerente y atmosférico—, pero que funcionan en perfecta sintonía en esta edición discográfica, permitiendo apreciar dos formas muy diferentes de entender la música en el cine de género.
El film de Fulci, uno de los más famosos y exitosos de su carrera, mezclaba con acierto el *slasher* estadounidense con los códigos del *giallo* italiano. Rodada en Nueva York con un reparto internacional, la cinta narraba la investigación policial de un asesino en serie, bajo una inspirada dirección que dejó varias secuencias gore antológicas. Para ella, Francesco De Masi compuso una partitura de atmósfera urbana, pop y rockera que encaja muy bien con la visión decadente de la ciudad nocturna. El tema principal ("New York One More Day") es una melodía para conjunto moderno, muy rítmica, que el maestro reutiliza constantemente en los pasajes más tensos ("The Ripper", "'Phone Call") y también en una vertiente más sensual. Destaca un magnífico corte de aire blues ("Fay") junto a piezas más agresivas y disonantes ("Suspense and Murder", "Where Is the Ripper?") incluso cortes mas diegeticos (el rítmico "Puerto Rico Club") que refuerzan la violencia de forma contenida pero muy eficaz.

Por su parte, la coproducción hispano-italiana de Balcázar, rodada en Barcelona, es una extraña y sugerente mezcla de *thriller* y terror gótico que evidencia la influencia lejana de "La residencia". Casi toda la acción transcurre en una mansión donde se entrelazan un crimen del pasado sin resolver y las tensiones sexuales protagonizadas por Daniela Giordano, Teresa Gimpera y Nuria Torray. El contraste entre la versión íntegra y la estrenada en España es notable: el montaje uncut conserva los desnudos y desarrolla con más coherencia las relaciones entre los personajes, mientras que la versión censurada sufrió tantos cortes que el relato resultaba difícil de seguir.
Aunque su narrativa no es del todo sólida, la película mantiene el interés gracias a su cuidada ambientación y, sobre todo, a la excelente banda sonora de Piccioni. En ella se alternan piezas orquestales con pasajes de cuerdas y melodías misteriosas ("Helen Where Are You?"), junto a fragmentos de aire más jazzístico donde se combinan el piano y un fondo rítmico, como ocurre en el fabuloso tema romántico "It Means Love". Este último reaparece más adelante en una soberbia instrumentación donde la sección de cuerda lo explora en todo su esplendor, demostrando la exquisita y particular capacidad melódica que poseía el maestro. Asimismo, destacan los inquietantes arreglos camerísticos de gran importancia lírica ("Hunting Memories", "Ghost Chase"). En otros momentos, los vientos suaves y el suspense abstracto crean una atmósfera sensacional ("Dreaming Again"), coronando una obra verdaderamente fantástica que se cierra recuperando ese pulso de jazz gracias al uso del órgano Hammond, el piano y la base orquestal ("Echoes of a Name").

En conjunto, este CD (que hacia mucho tiempo que no escuchaba) es una sorpresa muy reivindicable, ya que refleja dos caras complementarias del cine europeo de terror y suspense firmadas por dos maestros indiscutibles.

LE VOYAGE EN BALLON (Jean Prodromides)

LE VOYAGE EN BALLON (1960)

Musique Composee par 

JEAN PRODROMIDES

 

 

 

 

 

 

 

Tracklist:

1. Generique – Introduction / Les Cloches de Bethune (02:10)
2. Envoi (01:59)
3. Ballet de la Chemise Blanche (01:38)
4. Alsace / Les Vosges (04:21)
5. Paris (04:10)
6. Chenoceaux / La Chasse (01:26)
7. Les Grands Voliers / Goemons (04:44)
8. Poursuite en Bretagne (03:17)
9. Les Alpes / Les Glaciers (04:46)
10. Provence (03:05)
11. Camargue / Les Taureaux / Les Flamands Roses (04:41)
12. Final (04:02)

Para aliviar el calor de junio, rescato a un nombre poco conocido pero clave de la música francesa: Jean Prodromidès. Formado en el Conservatorio de París y ligado a la vanguardia, compaginó la música contemporánea con el cine, aportando un lenguaje sofisticado muy alejado del cine comercial. En el cine, destacaba por crear atmósferas psicológicas densas con orquestaciones elegantes y disonancias expresivas. Aunque no fue tan famoso como Jarre o Delerue, su obra es una de las más personales del cine francés, muy valorada por los amantes de bandas sonoras intelectuales. Por eso sorprende *Le Voyage en ballon* (1960), de Albert Lamorisse: es su partitura más romántica y melódica, hecha para transmitir la ligereza de un viaje en globo. Hoy es una de las más bellas del cine galo.

La banda sonora es un diario musical de Francia. Prodromidès construye un tema principal con variaciones, sin recurrir al folclore. Tras la “Introduction”, el tema aparece en los créditos y en “Envol”, el despegue. Ese leitmotiv en forma de vals recorre la película: Béthune, Estrasburgo, Provenza, títulos finales. Lo transforma constantemente: arpa y orquesta sobre París; flauta y arpa estilo Debussy en Chenonceaux; coro masculino y guitarras entre niebla en “Les grands voiliers”; tambores provenzales en la persecución con toros. Un segundo tema, más ágil y travieso, suena en “Aterrizaje en los Montes Vosgos” con el clarinete. Recuerda a *Archimède le clochard* y reaparece en la Costa Azul.

La partitura cambia de registro según la geografía y el drama: costumbrista en “Ballet de la chemise blanche” y “Alsace / Les Vosges”; tensa en “Chenonceaux / La chasse” y “Poursuite en Bretagne”, con dos pianos preparados; contemplativa en “Les grands voiliers”; abstracta y fría en “Les Alpes / Les glaciers”; cálida y lírica en “Provence” y “Camargue”, con una estampida de doce guitarras. El “Final” evita el sentimentalismo cuando el niño salta del globo: se centra en la atmósfera, anticipando los itereses en la obra posterior del maestro.

En resumen, *Le Voyage en ballon* es una joya del cine. Si no la conoces, te va a enganchar. Editada primero en vinilo, fue pieza de culto para coleccionistas y tuvo reediciones en CD en Japón en 1997 y 2007, además de una edición canadiense en 2009 de Disques Cinémusique.

L,ARMATA BRANCALEONE (Carlo Rustichelli)

L, ARMATA BRANCALEONE (1967)
Music Composed By
CARLO RUSTICHELLI

 

 

 

 

Tracklist:

01. MARCIA DI BRANCALEONE (Titoli) E DOPO LA BATTAGLIA 2:54
02. COMBATTIMENTO 1:07
03. UN PREZIOSO BOTTINO 1:49
04. MARCIA DI BRANCALEONE (nr.2) 2:12
05. LA CITTA APPESTATA E CUCCURUCCU 1:40
06. LA DAMA MISTERIOSA 1:53
07. PIRULE (strani pellegrini) 2:33
08. BRANCALEONE E MATELDA (tema d’amore) 1:28
09. MARCIA DI BRANCALEONE (nr.3) 1:18
10. TEMA D’AMORE E BRANCALEONE PRIGIONIERO 3:09
11. CAVALCATA E TEMA D’AMORE 1:45
12. GLI ULTIMI DUCHI DI BISANZIO 1:12
13. BRANCALENE INCONTRA TEODORA 2:57
14. MARCIA DI BRANCALEONE (nr.4) 1:20
15. BRANCALEONE IN GABBIA E MARCIA DI BRANCALEONE (Finale) 1:25
film versions and alternates
16. MARCIA DI BRANCALEONE (Titoli) 2:16
17. L’ARMATA BRANCALEONE (il campo dei caduti) 3:17
18. COMBATTIMENTO (nr.2) 2:10
19. MARCIA DI BRANCALEONE (nr.5) 2:42
20. L’ARMATA BRANCALEONE (peste!) 1:58
21. CUCCURUCCU 1:27
22. PIRULE (strani pellegrini nr.2) 3:49
23. BRANCALEONE E MATELDA (tema d’amore nr.2) 2:09
24. BRANCALEONE E MATELDA (tema d’amore nr.3) 2:06
25. L’ARMATA BRANCALEONE (tema d?amore/A cavallo) 1:46
26. L’ARMATA BRANCALEONE (Bizantini/Incontro con Teodora) 4:33
27. MARCIA DI BRANCALEONE (nr.6) 1:39
28. MARCIA DI BRANCALEONE (nr.7) 3:42
29. L’ARMATA BRANCALEONE (Brancaleone prigioniero) 1:39
30. PIRULE (liberazione di Brancaleone e Marcia- Finale) 1:52
31. MARCIA DI BRANCALEONE (versione singolo Lato A) 1:33
32. CUCCURUCCU (versione singolo Lato B) 1:39
33. MARCIA DI BRANCALEONE (con la voce di Vittorio Gassman) 0:31



Ya tocaba escribir sobre esta obra magna de Carlo Rustichelli para la película "La Armada Brancaleone" ("L'armata Brancaleone"), dirigida por Mario Monicelli en 1967. Una película italiana protagonizada por Vittorio Gassman, Gian Maria Volonté, Enrico Maria Salerno, Catherine Spaak, Folco Lulli, Maria Grazia Buccella y Barbara Steele en los papeles principales, y que fue galardonada con tres premios Nastro d’Argento: Mejor fotografía, mejor vestuario y mejor música.

Magistral mezcolanza de comedia y cine histórico ambientada en la Italia medieval, la película sigue a un grupo de colgados y descerebrados encabezados por un caballero de pacotilla llamado Brancaleone —un inmenso Vittorio Gassman— que intenta llegar a un pueblo para tomar posesión de unas tierras. El filme, que acompaña el recorrido de esta troupe de pendencieros al ritmo de la grandiosa marcha compuesta por Rustichelli, supone sin duda una de las cumbres de Monicelli: una comedia hilarante, repleta de gags magistrales y de personajes tan grotescos como entrañables. Tuvo una secuela, rodada cuatro años después, no tan excelsa pero sí notable.

La banda sonora del maestro Rustichelli (Carpi, 24 de diciembre de 1916 – Roma, 13 de noviembre de 2004), fue dirigida por Bruno Nicolai y es uno de sus títulos más inolvidables, donde se nota su querencia por la música folclórica y de raíces populares. Posee un inolvidable motivo coral que constituye el corazón de toda la partitura. El compositor lo retoma en distintas versiones orquestales, unas veces cómicas y otras dramáticas, logrando convertir la épica medieval en una sátira musical llena de personalidad, es la famosa marcha de Brancaleone ("MARCIA DI BRANCALEONE") que combina fanfarrias heroicas con un aire torpe y grotesco que refleja perfectamente a ese grupo de caballeros hambrientos y desastrosos que protagoniza la película, además de contar con una letra pegadiza y divertida que se retiene para siempre: (“Branca, branca, branca-Leone, leone, leone-Lione al vento, stiam marciando-Noi siamo l’armata Brancaleone!”).  En el CD aparece en numerosas variaciones. También encontramos piezas más sombrías, construidas sobre percusiones secas y melodías austeras que evocan una Edad Media miserable, mientras que otros cortes recurren a coros burlones, danzas populares y ritmos casi carnavalescos para subrayar el tono cómico del filme en cortes como O “Pirulè”, el tema salmódico de los peregrinos, y “Cuccuruccù”, interpretado por una voz femenina acompañada por la mandolina... Una bso fabulosa en la que no faltan tampoco momentos inesperadamente líricos y melancólicos, que aportan humanidad a los personajes bajo toda la parodia. Rustichelli mezcla trompetas, tambores, flautas e instrumentos de sabor antiguo sin buscar fidelidad histórica, sino una sonoridad teatral y exagerada que termina convirtiéndo el trabajo no solo en una indiscutible obra maestra, sinó en una de las bandas sonoras más emblemáticas del cine italiano.

MANCINI IN SORROUND (Henry Mancini)

 

MANCINI IN SORROUND (1990)

Mostly Monsters, Murders & Mysteries

Music Composed And Conducted By

HENRY MANCINI








Tracklist


1. SURROUND FANTASTIQUE (00:54)

2. ARCTIC WHALE HUNT (04:00)
from THE WHITE DAWN
3. theme from (02:35)
MOMMY DEAREST
4. Main title (02:15)
FRENZY (rejected)
5. THE MONSTER GETS MARK (06:47)
from THE CREATURE OF THE BLACK LAGOON
6. THE THING STRIKES/DESERT RENDEZVOUS (04:45)
from IT CAME FROM OUTER SPACE
7. TERROR STRIKES (03:15)
from TARANTULA
8. CASEY'S THEME (02:40)
from FEAR
9. LITTLE BOYS (03:33)
from THE MAN WHO LOVED WOMEN
10. MAIN TITLE (04:49)
from THE PRISONER OF ZENDA (tracks 10-12)
11. CORONATION WALTZ (03:11)

12. CROQUETTE (02:54)

13. MAIN TITLE (03:18)
from NIGHTWING
14. SUPER SLEUTH (02:29)
from WITHOUT A CLUE (tracks 14-15)
15. END TITLE (02:47)

16. SUNSET THEME (02:01)
from SUNSET (tracks 16-18)
17. CHERYL'S THEME (04:05)

18. THE COWBOYS (03:56)

Mancini in Surround es un mítico CD editado por Henry Mancini a principios de los noventa, en el que recuperó piezas y temas pertenecientes a películas menos populares, centrándose especialmente en el cine de terror, misterio y aventura, además de rescatar composiciones hasta entonces inéditas o muy poco conocidas. El resultado fue un álbum sensacional que abrió los oídos de muchos aficionados que todavía encasillaban a Mancini únicamente como compositor de jazz ligero, lounge o melodías sofisticadas. Un disco que siempre apetece recuperar y reivindicar.

El álbum equilibra con maestría lo lúdico y lo oscuro, reflejando la dualidad presente en gran parte de la obra del compositor. Todo ello queda además realzado por el uso de las técnicas de surround, un formato envolvente que daba nueva vida a la música y sumergía al oyente en un paisaje sonoro tan nostálgico como espectacular. La mezcla realizada por el propio Mancini mejoraba notablemente la separación instrumental, permitiendo apreciar la compleja interacción de melodías, armonías y texturas orquestales que siempre caracterizó su estilo.

Más que una simple recopilación, Mancini in Surround funciona como una auténtica experiencia cinematográfica continua. Mancini reorganiza los temas para construir un recorrido dramático que pasa del espectáculo tecnológico al suspense, el terror, la aventura y finalmente a una atmósfera más melancólica y nostálgica. Al mismo tiempo, el disco funciona en varios niveles: como demostración audiófila de sonido envolvente, como recopilación alternativa de su catálogo menos conocido, como reivindicación de su faceta más experimental y sinfónica y también como documento histórico de una época en la que Hollywood comenzaba a explorar seriamente las posibilidades del audio digital inmersivo.

El CD se abre con el espectacular “Surround Fantastique”, quizá la pieza más famosa del álbum. Compuesta para los tráilers demostrativos de Dolby Surround en salas de cine, funciona como una poderosa declaración de intenciones. Percusiones que parecen desplazarse por la sala, fanfarrias masivas de metal y violentos golpes orquestales convierten el tema en una especie de miniobertura futurista, sorprendentemente agresiva para el estilo habitual de Mancini. Muchos aficionados recuerdan todavía haberla escuchado antes de las proyecciones cinematográficas de los años noventa.

A continuación aparece “Arctic Whale Hunt”, perteneciente a The White Dawn, una de las grandes joyas ocultas del álbum. Se trata de música de acción pura: percusión tribal, metales salvajes y cuerdas tensísimas que describen la brutalidad de la caza de la ballena en el Ártico. Aquí aparece un Mancini épico y físico, muy alejado de la imagen elegante y jazzística asociada habitualmente a su nombre.

El álbum continúa alternando estilos y atmósferas. El tema de Mommie Dearest aporta un tono decadente y lírico, con una melodía sofisticada y casi romántica atravesada por una inquietante oscuridad emocional. Muy distinto resulta “Frenzy Rejected – Main Title”, la famosa música rechazada que Mancini compuso para Frenzy de Alfred Hitchcock. Hitchcock descartó el score porque buscaba algo más sombrío y menos “americano”, pero lo que se escucha aquí sigue siendo fascinante: suspense hitchcockiano filtrado a través del refinamiento armónico y jazzístico característico de Mancini.

Una de las secciones más llamativas del disco es la dedicada al cine fantástico clásico de los años cincuenta, con música escrita para Creature from the Black Lagoon, It Came from Outer Space y Tarantula. Se trata de una suite fabulosa, llena de suspense y atmósferas casi brutalistas. Cortes como “The Monster Gets Mark” o el extraordinario “The Thing Strikes / Desert Rendezvous” muestran a un Mancini situado a años luz del autor de Breakfast at Tiffany's y, al mismo tiempo, igual de genial.

Tras estos pasajes oscuros, el álbum se relaja ligeramente y aparecen momentos mucho más íntimos, como “Casey’s Theme”, procedente de Fear, donde reaparece el Mancini melódico y melancólico. Algo parecido ocurre con “Little Boys”, de The Man Who Loved Women, probablemente el corte más ligero del disco, impregnado de esa sofisticación urbana tan característica del compositor en los años setenta y ochenta.

Otro de los grandes bloques del álbum es la suite dedicada a The Prisoner of Zenda, formada por “Main Title”, “Coronation Waltz” y “Croquette”. Aquí Mancini abraza plenamente el gran sinfonismo europeo: fanfarrias reales, valses aristocráticos y un refinamiento casi vienés que demuestra su extraordinaria versatilidad como orquestador. “Coronation Waltz”, en particular, destaca por su majestuosidad y elegancia.

El tema principal de Nightwing devuelve el álbum a un territorio oscuro y atmosférico, con texturas densas y casi góticas que aprovechan al máximo las posibilidades del sonido envolvente. Posteriormente, la música de Without a Clue introduce una nota de humor y aventura: “Super Sleuth” posee un aire detectivesco muy británico, mientras que el “End Title” recupera un tono más clásico y elegante.

El cierre llega con la suite de Sunset, compuesta por “Sunset Theme”, “Cheryl’s Theme” y “The Cowboys”. Estas piezas mezclan nostalgia hollywoodiense, western crepuscular y jazz cinematográfico. “Cheryl’s Theme” es uno de los momentos más bellos y melancólicos del disco, mientras que “The Cowboys” aporta una energía expansiva y aventurera que cierra el recorrido de manera magnífica.

En definitiva, volver a Mancini in Surround sigue siendo un auténtico disfrute: un álbum que revela una faceta menos conocida de Mancini, no solo como compositor de melodías inmortales, sino también como un auténtico arquitecto del sonido orquestal.

THE ADVENTURES OF ROBIN HOOD (Erich Wolfgang Korngold)

 

THE ADVENTURES OF ROBIN HOOD (1938)

Music Composed By

ERICH WOLFGANG KORNGOLD

Conducted By

VARUJAN KOJIAN

Tracklist:

1 Prologue (Main Title) 1:34
2 Banquet At Nottingham Castle 1:52
3 Robin Enters The Great Hall 0:56
4 Escape From The Castle 5:09
5 Robin Meets Little John 1:38
6 The Oath And The Black Arrow 1:54
7 Robin And Friar Tuck 1:24
8 Ambush In Sherwood 3:01
9 Feast In The Forest 2:52
10 Robin And Marian 3:09
11 The Archery Tournament 3:04
12 Escape From The Gallows 2:13
13 Love Scene 5:40
14 Dagger Fight; King Richard In Sherwood 2:07
15 Coronation Procession 3:05
16 Duel, Victory And Epilogue 3:22

 

 Este mes ya tocaba la entrada de un clásico absoluto que, sorprendentemente, aún no había pasado por el blog: nada menos que Erich Wolfgang Korngold.

Korngold (1897–1957) fue un compositor austriaco y niño prodigio que destacó muy pronto en Viena, especialmente en el ámbito operístico, con un estilo de gran riqueza melódica y profundamente ligado al romanticismo tardío. En aquella década su fama era enorme y, en 1938, aceptó el encargo de Warner Bros., lo que le permitió salir de Austria justo antes del Anschluss y la invasión nazi. Gracias a este proyecto pudo trasladarse a Estados Unidos con parte de su familia, evitando así una situación cada vez más peligrosa en Europa. En Hollywood acabaría convirtiéndose en uno de los grandes maestros de la música cinematográfica.

Su trabajo en The Adventures of Robin Hood marcó un antes y un después en el cine de aventuras. Aplicó técnicas propias de la ópera —como el uso de leitmotivs y una orquestación muy expresiva— para construir una partitura que no solo acompaña, sino que narra y da forma a la historia. No fue el primero en hacerlo (Max Steiner o Franz Waxman ya lo habían demostrado), pero en el caso de Korngold esta técnica se lleva al extremo: cada personaje tiene su propio tema, la música guía las emociones y la orquesta despliega un sonido rico, vibrante y épico.

Compuesta en apenas seis semanas, estamos ante una obra cuyo resultado es una música heroica y lírica a partes iguales, perfectamente alineada con la energía de Errol Flynn como Robin Hood. La banda sonora le valió a Korngold su segundo Óscar y sentó las bases del sonido clásico del cine de aventuras, influyendo en generaciones posteriores de compositores.

Aunque actualmente ya se puede acceder a la grabación original y a varias regrabaciones, siempre he sentido verdadero cariño por esta versión: una edición de 1988 del sello Varèse Sarabande, producida por George Korngold, hijo del compositor, que incluso hoy (sin ser la más completa ni extensa) me parece una de las mejores versiones disponibles.

Es una versión que condensa los 80 minutos de la partitura original en un bloque de 43 minutos, priorizando el impacto emocional y la espectacularidad orquestal.

La grabación de Varujan Kojian destaca por su capacidad para sintetizar el complejo sistema de leitmotivs de Korngold en una narrativa sonora vibrante y directa. El recorrido comienza con el tema heroico de Robin Hood, una fanfarria de metales llena de optimismo que Kojian dirige con un tempo más ágil que otras versiones, acentuando el espíritu de aventura.

El primer corte, “Prólogo (título principal)”, arranca con una energía desbordante, casi juguetona, que deja claro desde el principio el tono aventurero de la película. Poco después aparece un tema más suave que anticipa la historia de amor, aunque sin perder del todo ese aire heroico. La pieza culmina con un cierre brillante y majestuoso que resume perfectamente el espíritu de toda la partitura.

Este heroísmo contrasta con la escena de amor, donde la orquesta se sumerge en un lirismo suntuoso basado en el tema de Lady Marian (“Robin And Marian”), mostrando la faceta más romántica de Korngold. La grabación brilla especialmente en la caracterización de los personajes secundarios a través de las maderas, como los temas juguetones para Little John y el fraile Tuck (“Robin Meets Little John”), repletos de gran comicidad musical. Más adelante, en los bloques de acción, Kojian resalta la brillantez heráldica de las trompetas en “The Archery Tournament” y culmina con “Duel, Victory And Epilogue”, una pieza de contrapunto magistral donde los temas de Robin y los villanos colisionan hasta desembocar en una resolución triunfal, cerrando una regrabación magnífica de una obra maestra de la música de cine.

 

THE FIELD (Elmer Bernstein)

 

THE FIELD (1990)
Music Composed And Conducted By
ELMER BERNSTEIN

















Tracklist:

1 The Land 5:43
2 The Bird 2:18
3 To The Field 4:58
4 St. Anger 3:46
5 Auction 2:11
6 Revelation 5:08
7 Killing 2:59
8 The Widow and the Dance 1:51
9 Questions 2:33
10 Caravan 1:31
11 The Church 1:55
12 Discovery 2:54
13 The Cliffs and the Sea 3:16
14 Credits 3:46



Volvemos en este bonito mes de abril a Elmer Bernstein en este caso con una enorme banda sonora que compuso en la década de los 90 cuando su nombre volvió a llenarse de prestigio en una última etapa de su carrera verdaderamente maravillosa. Titulada en España "El Prado", "The Field" fue un intenso drama dirigido por Jim Sheridan, ambientado en la Irlanda rural de los años 30. 
La música de Elmer Bernstein, se centró en el drama humano y la lucha interior del protagonista... Utilizando elementos musicales Irlandeses pero sin abusar de ellos, combiando orquesta, ( con las inevitables ondes martenot ) y gaitas irlandesas en una composición de gran fuerza, que siempre se muestra al servicio del relato creando una atmósfera sombría.
Banda sonora que muestra/ demuestra como Bernstein, además a la de ser un buen creador de leitmotivs siempre tuvo gran capacidad para expresar emociones con certeza y a la vez siendo sutil.

Este fue uno de esos trabajos que aún fueron editados por el sello Varese en doble formato ( LP y CD) , se abre con el tema principal ("The Land") especialmente bello , establece comienzo la atmósfera sombría y poco convencional que Bernstein buscaba: la orquesta suena introspectiva, mientras las gaitas y los elementos electrónicos evocan un eco lejano y antiguo. Cuando el tema principal emerge, resulta de una belleza impactante, con un lirismo pastoral que reaparece con frecuencia a lo largo de la partitura.y aparece a lo largo de la banda sonora, que alterna momentos líricos con pasajes oscuros e intensos. A medida que McCabe pierde la cordura por su obsesión con el terreno, la música se vuelve más dramática, culminando en un final devastador que refleja su destrucción mental y personal.

Aunque el tema central es importante, la banda sonora no se limita a una sola idea. Bernstein combina cuerdas, metales, maderas, percusión, gaitas, ondes martenot y electrónica con gran flexibilidad emocional, pasando con rapidez de tonos ligeros a una oscuridad trágica. Esta variedad refleja el deterioro mental de McCabe y su obsesión creciente.
Entre los cortes destacados están “The Bird”, con energía y ritmos danzantes; “To the Field”, de carácter fúnebre; y “Stranger”, que introduce al rival estadounidense (Tom Berenger) con metales marciales. Piezas como “Auction”, “Killing” y “The Church” intensifican el dramatismo con metales contundentes, percusión agresiva y pasajes sombríos del tema principal en el más puro estilo del compositor Americano, que deja para el clímax  el corte “The Cliffs and the Sea” donde la música se vuelve intensa y desgarradora, utilizando potentes metales, percusión implacable y gaitas inquietantes para subrayar la tragedia y la caída en la locura del protagonista, el corte final del CD se titula “Credits” retomando el tono inicial y ofreciendo una  hermosa aparición del tema principal.

IL COMMISSARIO PEPE / SPLENDORI E MISERIE DI MADAME ROYALE / SISSIGNORE (Armando Trovaioli, Fiorenzo Carpi, Berto Pisano)

 

IL COMMISSARIO PEPE (1969) 

Music By  

ARMANDO TROVAIOLI

 

SPLENDORI E MISERIE DI MADAME ROYALE  

 

Music By FIORENZO CARPI

 

SISSIGNORE

 Music By  BERTO PISANO 

Tracklist: 


Tracks 1-10: Score for "Il Commissario Pepe" by Armando Trovaioli

 1. Theme (03:42)
2. Beat For A Nun (02:08)
3. A Lonely Man (03:37)
4. We'll Keep Trying (03:42)
Sung by Lydia Mac Donald
5. Masquerade (02:59)
6. Love Is A Woman (02:34)
7. Surrender (02:48)
8. Waltz Theme (01:51)
9. Love Theme (02:27)
10. Final (03:04)

 

Tracks 11-17: Score for "Splendori E Miserie Di Madame Royale" by Fiorenzo Capri

11. Splendori E Miserie Di Madame Royale (02:50)
12. Madame Royale E Le Amiche (01:10)
13. Come In Un Western (01:28)
14. Quelle Come Me (02:25)
15. Alla Corte Di Madame Royale (01:03)
16. Il Destino Di Madame Royale (02:28)
17. Quelle Come Me (02:44)
 

Tracks 18-22: Score for "Sissignore" by Berto Pisano

18. Tema Di Oscar (02:28)
19. Finger Prinz (01:07)
20. High Altar (01:57)
21. Side Slip (01:49)
22. Jumping On The Sand (00:57)

Con esta entrada pretendo recuperar un CD publicado en la década de los noventa por la mítica editora Point Records, que en su momento sacó a la luz un buen número de joyas de la banda sonora italiana, para regocijo de todos aquellos aficionados a la música de cine de la época. En este caso, el CD se presenta como un homenaje a la figura de Ugo Tognazzi, mostrando tres trabajos correspondientes a tres films, obra de tres compositores distintos: Il Commissario Pepe (Armando Trovaioli), Splendori e miserie di Madame Royale (Fiorenzo Carpi) y, finalmente, Sissignore (Berto Pisano).

Bien agrupadas en un CD, esta trilogía sonora creada por Trovaioli, Carpi y Pisano representa un fresco musical de lo rica y divertida que era la banda sonora en la Italia de finales de los 60 y principios de los 70. Para Il Commissario Pepe, Trovaioli despliega un lenguaje de jazz de cámara y bossa nova melancólica, siempre centrado en la psicología del personaje. Su tema principal, "Il Commissario Pepe Theme", con su cadencia pausada, es ya un clásico en la obra del compositor y uno de sus leitmotivs más reconocibles. Este leitmotiv se repite en varios cortes con diferentes arreglos ("A Lonely Man", "Masquerade"), siempre apoyado en el uso de un piano eléctrico y en el silbido de Alessandro Alessandroni, lo que aporta una textura melancólica magnífica y convierte al instrumento en la voz del desencanto del comisario interpretado por Tognazzi.

También contamos con una canción magnífica cantada por Lydia McCdonald ("We'll Keep Trying"). Otros cortes, como "Beat of a Nun", introducen órgano de iglesia junto con cuerdas y arreglos pop. Asimismo, aparece la inevitable voz de Edda Dell'Orso en "Love Is a Woman", marcando un conjunto de cortes maravillosos con un tono de música lounge propio de la época, en el que Trovaioli se muestra como un maestro sublime.

La siguiente obra es la de Carpi. En Splendori e miserie di Madame Royale construye un universo sonoro radicalmente distinto, basado en la ambigüedad y la teatralidad. Maestro de la música para escena, utiliza una instrumentación de corte barroco y circense para ilustrar la doble vida de su protagonista. El tema central es un vals decadente ("Splendori e miserie di Madame Royale"), donde los violines realizan giros melódicos casi burlones, apoyados por el uso del clavicordio y una armónica que interpreta la triste melodía. La obra, variada, también incluye temas de clasicismo total ("Alla Corte di Madame"). Carpi incluso se permite un coro de instrumentación al estilo Western ("Come Un Western") e incluye una canción titulada "Quelle Come Me", de la que existe también versión instrumental.

Finalmente, Pisano, en Sissignore, nos traslada al epicentro del pop-soul y el beat orquestal. A diferencia del intimismo de Trovaioli o la teatralidad de Carpi, apuesta por una sección de metales explosiva y un bajo eléctrico con un “groove” muy marcado que domina toda la partitura. El tema de los créditos, Sissignore (Titoli), es una marcha moderna, de construcción circular —casi morriconiana— y de una energía arrolladora, donde las cuerdas y la orquesta brillan con destellos psicodélicos típicos de 1968. Este leitmotiv presenta una delicada variación titulada "Park For Two". Otros cortes, como "Finger Prinz", tienen un aire más jazz, casi al estilo de Henry Mancini, mientras que "Side Slip" apuesta por un enfoque más pop. El CD cierra con el estupendo "Jumpin’ On", con ritmos sincopados, cuerdas y una producción de sonido muy brillante y espaciosa.



En definitiva, un CD tan variado como coherente, que vale la pena escuchar y recuperar como catálogo de las alegrías e inspiraciones sonoras de la gran banda sonora italiana de los años sesenta.

BUFFALO BILL,S WILD WEST SHOW (George Fenton)

BUFFALO BILL'S WILD WEST SHOW (1992)

Music Composed And Conducted By

GEORGE FENTON 

 

 

 

 

 

 

Tracklist:

Oh Susanna ........................................ 2:43
Auguste's Entrance .............................. 0:25
The Cavalcade and Maze ..................... 2:04
Buffalo Bill ........................................... 2:44
Annie Oakley (Little Missie) ............... 1:51
Chief Sitting Bull / Don Waboose .... 4:20
The Cattle Trail and Setting Up Camp ... 6:35
Dinner Time ............................................ 2:37
Sweet Betsy from Pike .......................... 2:22
Turkey in the Straw .............................. 2:00
Night to Day ........................................... 1:41
Waking Up .............................................. 2:04
The Buffalo Quest ................................ 2:41
Yankee Doodle ....................................... 2:27
The Opening of the Rodeo .................. 1:34
The Rodeo Games ................................ 4:31
The Medicine Ball Game ...................... 2:28
The Deadwood Stage ............................ 8:05
The Reward ............................................. 2:38
Home on the Range .............................. 2:15
The Final Review ................................... 1:44
Farewell to the West .............................. 7:02

Tal como comenté en la última entrada, tenía ganas de seguir reivindicando la figura de George Fenton y, para ello, en esta ocasión escribo sobre un curiosísimo CD que contiene la banda sonora no de una película, sino de un espectáculo para un parque temático. En este caso, se trata del show del Oeste de Euro Disney titulado “Buffalo Bill’s Wild West Show”, que, basado en el espectáculo original de 1895, fue retomado en el parque cercano a París con elementos modernizados, incluyendo música nueva compuesta por el maestro Fenton.

El show funcionó desde 1992 hasta 2020 (cerró con la pandemia) y recreaba la atmósfera del Oeste americano con toda su autenticidad. Escenas de la vida de los pioneros ilustraban temas como la caza del búfalo —actividad que le valió al coronel W. F. Cody su apodo de “Buffalo Bill”—, el Pony Express y el ataque a una diligencia y a una cabaña de pioneros por parte de los indígenas.

Editado por Walt Disney Records, el álbum recoge aproximadamente una hora de música concebida para acompañar en directo la recreación del mito del Salvaje Oeste, combinando composiciones originales con arreglos de melodías tradicionales americanas. Fenton construyó una partitura vibrante, colorista y muy narrativa, capaz de alternar momentos épicos —para escenas de acción como ataques a diligencias o exhibiciones ecuestres— con pasajes más líricos y evocadores que reflejan el espíritu pionero. La orquestación es rica y dinámica, con presencia destacada de metales, percusión y elementos folk que evocan la tradición musical estadounidense sin caer en clichés fáciles. Además, el compositor integra adaptaciones de canciones populares del imaginario del Oeste junto a temas completamente nuevos, logrando una continuidad musical que funciona casi como una suite sinfónica ligera. El resultado es una obra fresca, entretenida y técnicamente impecable, que demuestra la versatilidad de Fenton y su capacidad para dotar de identidad propia a un espectáculo temático.

El álbum, dedicado al espectáculo de Buffalo Bill, combina composiciones originales de George Fenton con melodías tradicionales del folklore estadounidense para recrear la atmósfera del Lejano Oeste, tales como “Sweet Betsy from Pike”, “Turkey in the Straw”, la patriótica “Yankee Doodle” y, en la parte final, “Home on the Range”, quizá la melodía más evocadora del folklore del Oeste. La música alterna constantemente entre piezas de acción, pasajes más tranquilos y adaptaciones de canciones populares que evocan el imaginario del western.

El disco se abre con “Oh Susanna”, uno de los temas folk más emblemáticos del Oeste, que establece inmediatamente el tono histórico y popular del conjunto. Como ya comenté, el CD alterna temas tradicionales con creaciones originales de Fenton. A esta introducción sigue “Auguste’s Entrance”, una breve fanfarria de carácter ceremonial que anuncia la aparición de uno de los personajes del espectáculo. A continuación llega uno de los highlights del CD: “The Cavalcade and Maze”, una pieza expansiva y dinámica que describe musicalmente el movimiento de caballos y el desfile de la troupe, convirtiéndose en uno de los pasajes más brillantes de la partitura. A continuación, “Buffalo Bill” introduce el motivo principal asociado al célebre showman, con un carácter heroico y representativo.

Posteriormente, la composición presenta el corte “Annie Oakley (Little Missie)”, con una música ligera y ágil que refleja la habilidad y rapidez de la famosa tiradora, mientras que “Chief Sitting Bull” adopta un tono más ceremonial y tradicional para acompañar la presencia del jefe indígena.

Le sigue “The Cattle Trail and Setting Up Camp”, que describe musicalmente la travesía y el establecimiento del campamento, combinando impulso narrativo con pasajes más descriptivos. Tras esta secuencia más movida, “Dinner Time” introduce una pausa tranquila que refleja la vida cotidiana del campamento. Entre los momentos más atmosféricos destacan “Night to Day” y “Waking Up”, que describen musicalmente la transición de la noche al amanecer y el despertar en el campamento con un tono más reposado.

El CD presenta también cortes de aire aventurero como “The Buffalo Quest”, mientras que “The Opening of the Rodeo” y “The Rodeo Games” introducen música rítmica y llena de energía, acompañando los números de rodeo. También en esa línea ligera y animada se sitúa “The Medicine Ball Game”. “The Deadwood Stage”, una de las piezas más largas del disco, adopta un carácter narrativo que acompaña el viaje en diligencia, mientras que “The Reward” sugiere el momento de resolución tras la aventura. Hacia el final llega “The Final Review”  una recapitulación ceremonial del espectáculo, mientras que “Farewell to the West” cierra el álbum con un aire de despedida que subraya la dimensión legendaria del mito de Buffalo Bill.

Un disco que destaca por su eficaz mezcla de música original y canciones tradicionales, alternando momentos de acción, pasajes contemplativos y melodías populares para recrear con eficacia el espíritu del espectáculo del Oeste americano.

Hoy en día, el CD es una pieza apreciada por coleccionistas y aficionados a las bandas sonoras poco convencionales, no solo por su rareza, sino también por la calidad musical que encierra.

Agradecimientos especiales a Jordi (Coque) Cano.

HIGH SPIRITS (George Fenton)

 HIGH SPIRITS (1988)

Music Composed And Conducted By

GEORGE FENTON

Tracklist:


1) High Spirits Overture (4:37)
2) Prologue & Main Title/Castle Plunkett (5:00)
3) Plunkett’s Lament/Prayers For Freedom (2:16)
4) Ghost Bus Tours (3:36)
5) Ghostly Reflections (1:04)
6) She is Far from the Land (1:39)
7) Bumps in the Knight (3:42)
8) Mary Appears/Windstorm/A Night for Lovers (5:27)
9) I Could Love You, Sir Jack/Shower Surprise (2:37)
10) Knight Time at Castle Plunkett (3:27)
11) The Wedding Night/Jack Saves Mary (2:34)
12) Restless Spirits/The Seastorm (6:12)
13) Madness on All Hallows Eve (4:41)
14) Falling in Love (4:22)
15) The Lovers Dance (Finale) (1:32)

Si tengo un propósito claro en los próximos tiempos es reivindicar la figura de George Fenton, compositor británico no siempre suficientemente valorado y que, en mi opinión, merece ser reconocido en toda su dimensión.

Si nos remitimos a la fecha de composición de esta banda sonora, nos situamos en uno de los momentos álgidos de la música de cine: la última gran época dorada, aproximadamente entre 1977 y 1999. En ese periodo, el nivel de calidad de las composiciones en Hollywood (y también en Europa) era realmente espectacular. En ese contexto, esta partitura de Fenton es, sin duda, una obra maestra que merece ser recuperada.

En mi caso, he vuelto a redescubrirla tras revisar nuevamente la película, una comedia muy irregular dirigida por Neil Jordan que pretendía satirizar el género de las casas encantadas. Ambientada en un hotel irlandés supuestamente embrujado que debe venderse para saldar deudas, su dueño —un excelente Peter O'Toole— contrata a varios actores para fingir ser fantasmas, aunque auténticos espíritus también rondan el lugar. El fantasma principal, Mary, está interpretado por Daryl Hannah.

La idea funciona con solvencia en el primer tercio del filme, pero posteriormente pierde fuerza, ya que el guion nunca termina de encontrar un foco claro. Se introducen múltiples tramas románticas y personajes secundarios poco desarrollados que debilitan la narración. El resultado es un producto desordenado y fallido en lo narrativo, pese a sus buenos acabados técnicos y, sobre todo, a la espléndida música de Fenton, que eleva el conjunto muy por encima de sus limitaciones cinematográficas. Publicada en su día por GNP Crescendo Records en LP y CD, hoy es una edición difícil de encontrar en formato físico (más accesible en digital). La partitura se grabó en Múnich con la Orquesta Sinfónica Graunke —que en aquellos años trabajaba con frecuencia en grabaciones de bandas sonoras— bajo la dirección del propio Fenton, y contó con la colaboración de solistas irlandeses como Paul Brennan (gaita irlandesa), Dermot Crehan (violín) y la vocalista Catherine Bott.

Como en los mejores tiempos de la banda sonora clásica, a lo Max Steiner, Fenton —que ya había colaborado con Jordan en The Company of Wolves— compuso varios leitmotivs que vertebran el conjunto y que son presentados en el primer corte, el increíble “High Spirits Overture”, una pieza que no aparece como tal en el filme —pues funciona más bien como suite de presentación— y en la que la orquesta y la energía contagiosa de los solistas marcan el rumbo memorable del trabajo.

Los distintos temas se desarrollan posteriormente a lo largo del CD. El tema del Castillo Plunkett (“Prologue & Main Title/Castle Plunkett”) es un motivo lírico y juguetón, cercano a un vals suave y refinado. Más adelante reaparece en “She Is Far from the Land”, donde se retoma en clave elegante y romántica.

Asimismo, encontramos el tema de Mary, de carácter melancólico y gran belleza, con una magnífica y cristalina interpretación vocal de Catherine Bott. De manera especialmente inspirada, el compositor combina el tema del castillo y el de Mary en “Plunkett’s Lament/Prayers for Freedom”, logrando uno de los momentos más emotivos del álbum. Este romanticismo también se prolonga en los dos últimos cortes del compacto: “Falling in Love” y “The Lovers Dance (Finale)”, este último recuperando por última vez el tema del castillo en un elegante cierre en compás de vals. También encontramos pasajes más atmosféricos, en los que se combina la electrónica con instrumentos acústicos y la propia orquesta para evocar lo espectral, como “Ghostly Reflections” o el inicio de “Mary Appears”.

Fenton ofrece igualmente bloques de acción que resultan espléndidos —en un autor que no se ha prodigado con frecuencia en el género—, como “Windstorm”, “The Wedding Night/Jack Saves Mary” y “Knight Time at Castle Plunkett”. No obstante, todo alcanza su apoteosis en el excepcional “Madness on All Hallows Eve”, un bloque repleto de energía, abundante percusión y poderosos metales que constituye, sin duda, una demostración plena de las habilidades de su creador.

Una obra variada y brillante, que destaca por su capacidad de evocar emociones diversas —desde la alegría y el humor hasta la ternura y el misterio—, siempre con influencias celtas o folclóricas, como en los estupendos “Ghost Bus Tours” o “Bumps in the Knight”, con melodías de clara raíz celta.

En definitiva, un trabajo descomunal que merece ser redescubierto y disfrutado —más aún en la actualidad—. Repleto de riqueza temática, exuberantes orquestaciones de sabor irlandés y un fino sentido del humor, constituye una demostración del talento extraordinario de su autor… al que probablemente vuelva en la siguiente entrada.

Agradecimientos especiales a Jordi (Coque) Cano.

PICNIC (George Duning)

 

PICNIC (1955)

Music Composed By GEORGE DUNING

Conducted By
MORRIS STOLOFF













Tracklist:

1) Love Theme2:38
2) Hal's Theme1:58
3) The Owens Family4:15
4) Flo And Madge4:29
5) Hal's Boots2:17
6) Moonglow And Love Theme3:49
7) It’s A Blue World - Torn Shirt (Part 1)5:02
8) Torn Shirt (Concluded) - Hal's Turmoil 6:38
9) Rosemary Pleads - Rosemary Alone2:15
10) Culmination - Hal's Escape5:56
11) That Owens Girl - Millie1:35
12) You Love Me - Madge Decides 5:41

Entrada dedicada nuevamente a un clásico de la banda sonora americana: El compositor George Duning y su trabajo para el film Picnic (1955), dirigido por Joshua Logan.

Nacido en Indiana, Duning se formó en Cincinnati bajo la tutela de Mario Castelnuovo-Tedesco y se curtió tocando la trompeta en la orquesta de Kay Kyser. Morris Stoloff, productor musical de esta banda sonora clásica, lo incorporó a Columbia Pictures en 1946, donde Duning reinó como compositor de la casa. Entre sus títulos más emblemáticos se encuentran Bell, Book and Candle, Cowboy o 3:10 to Yuma, todas ellas ya comentadas anteriormente en este blog, además de desarrollar más tarde una extensa labor en televisión en series como The Naked City, The Big Valley o Star Trek.

Volviendo al film, nos encontramos ante un melodrama romántico de mediados de los años cincuenta y un clásico absoluto del género. La película consagró a William Holden y Kim Novak como pareja protagonista. Su estructura no oculta el origen teatral del material, pero está dirigida con elegancia y talento por Joshua Logan, de quien conviene recordar también la excelente "Bus Stop" . La trama narra un amor a primera vista entre un vagabundo que desea dejar atrás su vida disoluta (Holden) y la reina de la belleza de una ciudad de provincias (Novak), que oculta tras su fachada una profunda soledad. Todo ello se articula con gran refinamiento, apoyado por un magnífico conjunto de personajes secundarios —destaca una inmensa Rosalind Russell— y por algunas secuencias ya míticas, como el célebre baile nocturno entre Novak y Holden, auténtica antología de la historia del cine en la que la música de Duning cobra un papel esencial.

Y es que estamos ante una de las partituras más memorables del cine clásico estadounidense, repleta de delicadeza. Para ella, el maestro adoptó un enfoque de lirismo siempre contenido, elegante sin excederse, partiendo de melodías sencillas pero profundamente expresivas. El tema principal de Picnic ("Love Theme") es romántico y a la vez nostálgico, atravesado por una leve melancolía que, en el fondo, representa la tristeza de ambos protagonistas: La joven insatisfecha (Kim Novak) y el hombre que acaba de abandonar la juventud y empezar a entrar en la madurez (William Holden). A lo largo del film, este tema reaparece en distintas variaciones, adaptándose a los cambios emocionales de la historia -llegó incluso a adquirir popularidad fuera de la película- siendo regrabado por otros artistas.

Elmdisco muestra la maestría de Duning, donde tenemos cortes memorables ( "Culmination - Hal's Escape")  secuencia de persecución particularmente brillante, con el desenlace y una versión orquestal del gran tema de la seducción... Además obviamente de uno de los momentos más emblemáticos del film:  La escena del baile entre Kim Novak y William Holden, donde música e imagen se funden de manera casi inseparable. Duning construye aquí una atmósfera sensual y fluida, interpolando dos melodías simultáneamente —"Moonglow" y el tema de "Picnic"— en un pasaje que demuestra su delicadeza y maestría orquestal, sin subrayados evidentes, acompañando el despertar del deseo de forma natural y profundamente cinematográfica.

La banda sonora de Picnic consolidó a George Duning como uno de los grandes compositores y le valió una nominación al Óscar, demostrando que la contención, la elegancia y la sensibilidad podían ser tan poderosas como la grandilocuencia orquestal.

TRON (Wendy Carlos)

 

TRON (1982)

Music Composed By WENDY CARLOS

Electronics performed By WENDY CARLOS

Orchestra Conducted By DOUGLAS GAMLEY

Tracklist:

1. Creation of Tron (0:49)
2. Only Solutions - performed by Journey (3:41)
3. We've Got Company (2:19)
4. Wormhole (2:29)
5. Ring Game and Escape (2:57)
6. Water, Music, and TRONaction (2:25)
7. Tron Scherzo (1:46)
8. Miracle and Magician (2:40)
9. Magic Landings (3:44)
10. Theme from Tron (1:37)
11. 1990's Theme - performed by Journey (2:08)
12. Love Theme (2:07)
13. Tower Music - Let Us Pray (3:47)
14. The Light Sailer (2:37)
15. Sea of Simulation (3:23)
16. A New Tron and the MCP (5:10)
17. Anthem (1:40)
18. Ending Titles (5:16)
19. TRONaction (1:29)
20. Break In (For Strings, Flutes and Celesta) (5:34)
21. Anthem for Keyboard Solo (1:09)

Hoy en este blog toca un clásico: nada menos que la obra maestra musical compuesta por Wendy Carlos para la película de ciencia ficción de 1982, Tron.

En su momento, la banda sonora se editó en vinilo y durante años no estuvo disponible en CD debido a disputas contractuales y al deterioro de las cintas maestras. Finalmente, en 2002, Walt Disney Records la reeditó en CD, que es la versión que comento hoy.

Wendy Carlos (nacida Walter en 1939) es una compositora y pionera de la música electrónica estadounidense, reconocida por haber introducido los sintetizadores en la música popular y cinematográfica. Alcanzó fama internacional con el álbum Switched-On Bach (1968), en el que reinterpretó obras de Johann Sebastian Bach mediante el sintetizador Moog, demostrando que la música electrónica podía ser artística y accesible al mismo tiempo.

Su trayectoria en el cine no fue muy extensa, aunque destacó por su doble colaboración con Stanley Kubrick en las innovadoras bandas sonoras de A Clockwork Orange y The Shining. Para Tron, Walt Disney buscaba algo igualmente innovador, y Carlos se incorporó al proyecto por tratarse de una película pionera, donde los creadores querían una banda sonora que fusionara música orquestal tradicional con sonidos electrónicos de manera experimental y visionaria. Fue además la primera colaboración de Carlos con su pareja, Annemarie Franklin. La música combina sintetizadores analógicos Moog y el raro sintetizador digital Crumar General Development System (GDS), junto con pasajes orquestales interpretados por la Orquesta Filarmónica de Londres bajo la dirección de Douglas Gamley.

La banda sonora refleja plenamente el espíritu experimental de Carlos. Aunque en su idea inicial buscaba diferenciar el mundo real del digital mediante una separación entre música orquestal y sonidos electrónicos, terminó integrando ambos lenguajes de manera compleja, logrando una fusión de elementos sintéticos y orgánicos que, escuchada hoy, sigue siendo única y fascinante.

La partitura se articula en torno a dos temas principales y un tercero secundario, que no se desarrollan plenamente hasta el tramo final. El punto culminante llega en los créditos finales ("Ending Titles"), donde coro, orquesta, órgano y sintetizadores se integran de manera natural y eficaz.

La obra comienza con piezas oscuras e introductorias ("Creation of TRON") y alterna entre momentos electrónicos opresivos ("We've Got Company", "Wormhole"), marchas marciales ("Ring Game and Escape") y temas épicos y orquestales ("TRON Scherzo", "Theme from TRON"). Destacan también composiciones donde Carlos combina vanguardia electrónica y elementos acústicos ("Magic Landings"con un aire que recuerda a Ligeti, "A New TRON and the MCP"), demostrando su capacidad de crear música que puede funcionar de manera independiente al film. A lo largo de toda la partitura se mantiene un equilibrio perfecto entre innovación y tradición. La banda sonora culmina con piezas más accesibles y solemnes ("Anthem", "Ending Titles"), retomando el tema central con sintetizadores y órgano.

Por poner un pero, las aportaciones de la banda rock Journey ("Only Solutions", "1990's Theme") resultan algo desubicadas y hoy se sienten un tanto obsoletas.

En conjunto, Tron es una obra históricamente fundamental y una verdadera obra maestra que ha resistido con creces la prueba del tiempo.

INTERRABANG (Berto Pisano)

INTERRABANG (1969)

Musiche di

BERTO PISANO

Tracklist:

1) A Piedi Nudi Sulla Spiaggia
2) La Scogliera Dell'amore
3) Il Colore Degli Angeli
4) Tema Di Valeria
5) Sabbia E Mare
6) Little Snack Bar
7)...e Il Sole Che Scotta
8) Tramonto Sulla Scogliera
9)La Vallata Sommersa
10) Luci Sulla Baia
11) Tema Di Valeria (2)
12)  Tema Di Valeria (3)
13) Tema Di Valeria (4)

Empezamos este nuevo año con una banda sonora que llevaba mucho tiempo queriendo analizar en el blog. Se trata de la composición del músico italiano Berto Pisano para la película Interrabang, una producción italiana de 1969 dirigida por Giuliano Biagetti, que, por desgracia, nunca he tenido ocasión de ver. Al parecer, estamos ante un drama erótico que necesitaba una banda sonora llena de sensualidad, capaz de transmitir la atmósfera del film con una sensibilidad musical sutil y elegante. La banda sonora fue editada originalmente en vinilo en su época, posteriormente reeditada en CD hace ya bastantes años y, más recientemente, ha vuelto a aparecer en una nueva reedición en vinilo.


Su compositor, Berto Pisano (nombre real Umberto Pisano), fue un compositor, arreglista y director de orquesta italiano, nacido el 13 de octubre de 1928 en Cagliari (Cerdeña) y fallecido el 29 de enero de 2002 en Roma. Comenzó su carrera como músico de jazz, principalmente como contrabajista y trompetista, colaborando con figuras destacadas de la escena italiana antes de orientarse definitivamente hacia la composición. Es especialmente recordado por su trabajo en bandas sonoras de cine y televisión, con más de 50 partituras para películas y series, sobre todo dentro de los géneros thriller, policíaco, terror y comedia italiana de los años sesenta y setenta. Su estilo se caracteriza por orquestaciones elegantes, un uso expresivo de las cuerdas y una cuidada fusión de jazz, pop y música orquestal.

Volviendo al CD, se trata de una banda sonora no muy extensa, pero que constituye un ejemplo destacado del estilo lounge italiano de finales de los años sesenta.

Ya desde el primer corte, donde se introduce el tema principal (A piedi nudi sulla spiaggia), se repiten múltiples variaciones a lo largo de la banda sonora. Es prácticamente una BSO monotemática que, sin embargo, no da la sensación de serlo, gracias a los constantes arreglos que combinan instrumentación acústica —flauta, oboe, guitarra y cuerdas— con ritmos suaves de jazz. Aunque la partitura nunca adopta un tono excesivamente dramático, su elegancia y su marcado color mediterráneo refuerzan la estética visual de la película.

Pisano crea un paisaje sonoro evocador y atmosférico que acompaña las escenas de misterio, sol y mar del film. Predominan sonoridades suaves y refinadas: las cuerdas ofrecen un colchón fluido sobre el que se despliegan melodías claras y seductoras, con influencias de latin jazz y bossa nova. La presencia de la vocalista Edda Dell’Orso, con su voz cristalina, añade un sello distintivo y aporta una textura etérea que embellece muchos de los temas. De hecho, Pisano sabe utilizar muy bien los recursos vocales de la cantante, logrando un trabajo que no tiene nada que envidiar a las míticas colaboraciones entre Ennio Morricone y Edda Dell’Orso.

Un CD que se escucha del tirón, una auténtica delicia, y que se puede volver a disfrutar en bucle gracias a su equilibrada fusión de jazz italiano, estilos latinos y un refinado andamiaje orquestal.